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Afresco hermafrodita romano

Afresco hermafrodita romano


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Os restos de uma magnífica villa romana, ou domus, enterrada por quase 2.000 anos no sopé do Monte Aventino de Roma, serão abertos aos visitantes pela primeira vez a partir de 7 de maio.

As visitas - no primeira e terceira sexta-feira do mês - são realçados por projeções de vídeo, luzes, sons e narração histórica da célebre dupla de apresentadores científicos Piero Angela e Paco Lanciano, trazendo de volta a antiga vila à vida.

A espetacular descoberta foi feita em 2014 durante as obras para proteger as fundações do prédio da década de 1950 na Piazza Albania, não muito longe do Circo Máximo, à prova de terremotos.

Scatola Archeologica all'Aventino

Descrito como "único", o projeto 'Scatola Archeologica' engloba arqueologia, arquitetura e tecnologia, criando o primeiro museu de Roma dentro de um complexo residencial.

Os arqueólogos encontraram uma série de grandes salas decoradas com mosaicos suntuosos e vestígios de afrescos, bem como objetos da vida cotidiana romana, como fragmentos de tigelas e ânforas, um martelo, conchas de cozinha, agulhas de costura e lâmpadas de óleo, bem como os restos de um torre de pedra datada do século VI aC.

Após vários anos de escavações no subsolo e trabalhos de construção acima para converter o empreendimento em 180 apartamentos de luxo, o complexo residencial agora possui seu próprio museu subterrâneo.

A Caixa Arqueológica do Monte Aventino

A escavação de 3 milhões de euros, supervisionada pela superintendência especial de Roma, foi financiada pelos proprietários do imóvel, o BNP Paribas Real Estate, no que foi saudado como um exemplo virtuoso de colaboração pública e privada.

Daniela Porro, a arqueóloga chefe da capital, descreveu o novo museu como uma "caixa arqueológica" de tesouros e, com base na riqueza da decoração, acredita-se que a domus pertencia a uma "pessoa de poder".

Como visitar a 'Caixa Arqueológica do Monte Aventino'

As visitas guiadas ao museu subterrâneo do Domus Aventino durarão cerca de uma hora e serão realizadas - em italiano - na primeira e na terceira sexta-feira de cada mês.

As viagens devem ser reservado exclusivamente online, através do site Scatola Archeologica, com os passeios realizados de acordo com os protocolos covid-19 da Itália.

As visitas atenderão grupos de seis pessoas por vez. Se a reserva for para um grupo de seis pessoas, será possível organizar um tour em inglês, francês, alemão, espanhol, russo, chinês ou japonês.

Os bilhetes custam 11 euros para adultos e 8 euros para visitantes dos 12 aos 17 anos e para os cidadãos da UE dos 18 aos 25 anos. O acesso é gratuito para crianças com menos de 12 anos e para visitantes deficientes acompanhados. Para obter detalhes completos, consulte o site.


Glossário

arriccio
Uma camada subjacente de gesso aplicada diretamente na parede, consistindo em uma parte de cal apagada e duas partes de areia. Algumas técnicas de afrescos usam várias camadas de arriccio.

buono
Pinte com pigmentos secos em gesso de cal úmido. Conforme o gesso endurece, uma camada de cristal se forma sobre o pigmento, travando-o na superfície.

fresco
Italiano para pintura "fresca" com pigmentos secos em um fresco, ainda úmido Intonaco camada de gesso. Também é um termo usado para pintura de parede em superfícies secas, mas mais corretamente chamado secco.

giornata
Um dia e pouco trabalho em um afresco, geralmente de 3 e 5 metros quadrados de tamanho.

Intonaco
A última camada de gesso aplicada no dia da pintura, o intonaco (0,5 & ndash 1,0 cm de espessura) contém menos areia do que o subjacente arriccio camadas). Em grandes afrescos, o artista aplica o gesso intonaco para finalizar em pouco tempo.

pentimenti
Correções adicionadas à pintura após o dia de trabalho.

secco
Italiano para pintura "quando seco" com pigmentos secos em ligantes orgânicos, como caseína, ovo, óleos ou ceras.

sinopia
Um estêncil das principais formas da pintura transferido para a parede antes do início da pintura propriamente dita, às vezes chamado de desenho animado. No seco arriccio, o artista esboça a sinopia, geralmente primeiro com carvão e depois com um pigmento compatível com cal misturado com água. A sinopia é então traçada no papel para servir como um guia para o trabalho contínuo. A sinopia de papel é então colocada sobre o novo Intonaco e a imagem transferida para ele de uma das duas maneiras: (1) incisando suavemente as linhas do desenho através do papel no gesso ou (2) pulverizando pigmentos escuros e secos através de perfurações no papel ao longo das linhas do desenho ("atacando").


Salas secretas, passagens, afrescos eróticos do Vaticano

"Eu vi Vênus nua, penteando o cabelo no lago", disse um estudioso.

& # x27GMA & # x27 dá uma rara visão dos bastidores do Vaticano

18 de dezembro de 2013 e nº 151 - A Cidade do Vaticano é o menor país do mundo. É um oitavo do tamanho do Central Park de Nova York e é governado como uma monarquia absoluta com o papa à frente, escreve Christopher Klein em "10 coisas que você pode não saber sobre o Vaticano".

E uma vez que contém segredos, o dia do "consistório" - quando o papa eleva novos cardeais em uma cerimônia formal na Basílica de São Pedro - é a melhor época para visitá-los.

"O Palácio Apostólico do Vaticano, geralmente muito protegido do público, hospeda '' visite di calore '[visitas de calor] para encontros e cumprimentos com os novos cardeais, disse o padre John Wauck, um professor americano em Roma." Quase tudo, o grandes corredores e escadas estão abertos, e você pode passear e passear por lugares normalmente reservados para chefes de estado ", desde que os guardas não o peguem.

Wauck disse que sua primeira escolha para uma visita "secreta" seria a residência de Bento XVI nos jardins do Vaticano. “Isso é uma espécie de segredo, em parte porque é algo novo no Vaticano e os turistas não são permitidos lá”, disse ele.

A próxima escolha de Wauck não é um quarto, mas uma antiga passagem oculta. “Há uma parede oca, construída em 1277, que vai dos aposentos papais ao Castelo de Santo Ângelo, a tumba do imperador romano Adriano, que parece um castelo inexpugnável com um fosso ao redor”, disse ele. Na Idade Média, a tumba de Adriano foi transformada em uma fortaleza, "e os papas usaram essa passagem para buscar refúgio ali", disse Wauck. A passagem serviu como rota de fuga para os papas, de acordo com Klein, "mais notavelmente em 1527, quando provavelmente salvou a vida do Papa Clemente VII durante o saque de Roma".

A área escondida favorita de Wauck é o cemitério romano localizado abaixo da Basílica de São Pedro. A Necrópole do Vaticano, conhecida como "scavi", requer reservas especiais, mas vale a pena fazer um esforço extra, disse Wauck, que elogiou as tumbas por seus afrescos, sarcófagos e inscrições cristãs bem preservadas. As reservas para a excursão Scavi podem ser feitas através do Escritório de Escavações do Vaticano.

Talvez o segredo mais intrigante do Vaticano seja, surpreendentemente, um banheiro - decorado com afrescos eróticos - nos aposentos papais. De acordo com Tony Perrottet, autor de "Uma Viagem pelo Centro Histórico da Europa", este banheiro foi pintado em 1516 pelo mestre renascentista Rafael e é chamado de Stufetta della Bibbiena, a "pequena sala aquecida do Cardeal Bibbiena", o oficial que encomendou o trabalho.

"Ele foi pintado e restaurado. Sua existência foi negada. Os historiadores da arte já tinham ouvido falar dele, mas as fotos da década de 1930 eram turvas e escuras", disse Perrottet. Ganhar acesso a esse banheiro foi o maior desafio de Perrottet ao pesquisar seu livro, disse ele.

Negado a princípio, Perrottet defendeu seu caso, e um bispo alterou a programação do papa para que Perrottet pudesse ser rapidamente levado para uma breve visita.

"Foi muito emocionante", disse ele. "Um dos clérigos me acolheu por cinco minutos. A sala estava cheia de afrescos eróticos. Eu vi Vênus nua penteando o cabelo à beira do lago, com as pernas na cintura, e tive que ir até o monsenhor para dar um passo para o lado para ver o máximo famoso - Pan dando prazer a si mesmo. " Perrottet não teve permissão para tirar fotos, mas fez alguns desenhos.

Stufetta pode ter sido o destaque para Perrottet, mas outro deleite foi visitar a Torre dos Ventos, a primeira torre de astronomia do Vaticano. A estrutura de 60 metros de altura foi construída em 1578 para que os astrônomos do papa pudessem rastrear os movimentos do sol e das estrelas e registrar as mudanças de direção do vento.

Mas, como o acesso é apenas por meio dos Arquivos Secretos do Vaticano, muito poucos estranhos conseguem colocar os pés lá.

No topo, disse Perrottet, havia uma câmara "cheia de cores" com "afrescos suculentos espalhados pelas paredes de 9 metros de altura que representavam o naufrágio de São Paulo em Malta (um ato de manipulação meteorológica divina) e o teto foi pintada com estrelas cintilantes e gravados no chão havia círculos com os nomes dos ventos: Tramontane, Sirocco, Ostro.

Os olhos de Perrottet foram atraídos para um buraco do tamanho de uma moeda na parede que revelava um minúsculo círculo do céu real. Todo dia 21 de março, um raio de sol aponta para o meio-dia em uma roseta de oito pontas no chão para marcar o equinócio da primavera. A varanda da torre oferece vistas deslumbrantes de Roma - apenas a Basílica de São Pedro fica mais alta do que a torre.


Afresco hermafrodita romano - História

Descrição

Este projeto enfocou a história e preservação de afrescos romanos em domūs e vilas em Pompéia e Herculano e é o resultado de um estudo independente com a Dra. Diane Al Shihabi, do Departamento de Design de Interiores da Universidade Estadual de Iowa. Esta pesquisa perguntou (1) Qual é a natureza da erupção do Monte Vesúvio e qual foi a magnitude do evento cataclísmico que fez com que duas comunidades fossem cobertas com camadas de cinzas e magma, (2) Quais são as circunstâncias que facilitaram a preservação de afrescos antes da escavação, e (3) como as influências do design clássico romano se espalharam para outras partes da Itália? O processo de pesquisa incluiu análise direta e documentação de edifícios residenciais em Pompéia e Herculano, usando fotografia e videografia, e o exame de literatura histórica e outros documentos no Museu Arqueológico Nacional de Nápoles, Itália e no Museu Palazzo Massimo em Roma, Itália. As evidências foram sintetizadas em um artigo de pesquisa escrito e interpretadas visualmente por meio de um documentário. As descobertas ampliam o conhecimento dos afrescos romanos em Pompéia e Herculano e adicionam uma perspectiva da Geração Z à bolsa de estudos das ruínas clássicas romanas.

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Os afrescos de Pompéia e Herculano: uma visão da história, escavação e preservação da geração Z

Este projeto enfocou a história e preservação dos afrescos romanos em domūs e vilas em Pompeia e Herculano e é o resultado de um estudo independente com a Dra. Diane Al Shihabi, do Departamento de Design de Interiores da Universidade Estadual de Iowa. Esta pesquisa perguntou (1) Qual é a natureza da erupção do Monte Vesúvio e qual foi a magnitude do evento cataclísmico que fez com que duas comunidades fossem cobertas com camadas de cinzas e magma, (2) Quais são as circunstâncias que facilitaram a preservação de afrescos antes da escavação, e (3) como as influências do design clássico romano se espalharam para outras partes da Itália? O processo de pesquisa incluiu análise direta e documentação de edifícios residenciais em Pompéia e Herculano, usando fotografia e videografia, e o exame de literatura histórica e outros documentos no Museu Arqueológico Nacional de Nápoles, Itália e no Museu Palazzo Massimo em Roma, Itália. As evidências foram sintetizadas em um artigo de pesquisa escrito e interpretadas visualmente por meio de um documentário. As descobertas ampliam o conhecimento dos afrescos romanos em Pompéia e Herculano e adicionam uma perspectiva da Geração Z à bolsa de estudos das ruínas clássicas romanas.


Retrato de Terentius Neo: retratos romanos que celebram a alfabetização

Retrato de Terentius Neo, a mulher segurando comprimidos de cera e uma caneta, o homem segurando um rolo de papiro.

Um afresco de um casal de Pompeu com estilete, tábuas de cera e rolo de papiro de cerca de 75 DC, encontrado na Casa de Terentius Neo, mostra um homem segurando um rolo de papiro e uma mulher segurando uma caneta nos lábios para escrever nas tábuas de cera que ela segura na outra mão. Este afresco, às vezes chamado de Retrato de Terentius Neo, é um dos vários retratos romanos remanescentes que representam os símbolos da alfabetização.

"Este casal, que não vinha dos escalões mais altos da aristocracia de Pompeu, provavelmente escolheu ser retratado dessa forma como uma marca de seu status & mdash eles pertenciam à classe dos alfabetizados e desejavam mostrar o fato. Nesse sentido, o retrato é uma evidência de que a alfabetização estava longe de ser universal na Pompéia romana. Mas é, no entanto, um fato impressionante, típico do mundo romano e difícil de comparar antes dos tempos modernos, que um casal de províncias tenha escolhido ser pintado de uma forma que celebrava especificamente uma relação estreita com a palavra escrita, por parte do homem e de sua esposa "(Ward-Perkins, A Queda de Roma e o Fim da Civilização [2005] 162-63, placa 7.10).


7 obras de arte que foram perdidas na história

Um novo livro destaca arte famosa que foi saqueada, roubada, destruída ou desapareceu de outra forma ao longo dos séculos.

Não há garantia de que a arte resistirá ao teste do tempo, mesmo que seja uma obra-prima. Ao longo dos séculos, até pinturas de grandes nomes como Leonardo da Vinci foram perdidas para a história, sua existência evidenciada apenas por referências a eles em registros escritos. Um novo livro chamado O Museu de Arte Perdida explora algumas das obras de arte inestimáveis ​​que desapareceram desde os tempos antigos. “Muitas das maiores obras de arte da humanidade foram perdidas para o roubo, vandalismo, iconoclastia, infortúnio e destruição intencional ou inadvertida”, escreve o autor Noah Charney, historiador da arte especializado em crime artístico. “Nossa compreensão da arte é enviesada, inevitavelmente, para obras que podem ser vistas, que sobreviveram aos inúmeros perigos que podem acontecer a uma obra de arte que muitas vezes é tão frágil quanto um pedaço de papel.”

Abaixo estão apenas alguns exemplos de arte que se perdeu e algumas que foram reencontradas.

1. ESTÁTUA COLOSSUS DE RODES

1. ESTÁTUA COLOSSUS DE RODES

Esta gravura mostra o Colosso de Rodes, uma das Sete Maravilhas do Mundo Antigo, no que provavelmente era sua localização original, perto da entrada do porto de Mandraki, na ilha grega de Rodes. A enorme estátua de bronze de Chares de Lindos foi concluída em 280 aC. Retratando o deus Hélios, tinha cerca de um terço da altura da Estátua da Liberdade e ficava no topo de um pedestal de mármore de 15 metros de altura. Apenas 54 anos depois de ter sido erguido, o Colossus foi destruído por um terremoto que o quebrou nos joelhos e caiu para trás. Enquanto a estátua quebrada estava onde havia caído por séculos, tornando-se um destino turístico por si só, o bronze foi derretido por um exército invasor em 653 dC, deixando-nos apenas com desenhos de sua aparência.

2. ROGIER VAN DER WEYDEN'S 'CICLO DE JUSTIÇA'

Em alguns casos, as pinturas perdidas criadas por mestres artistas centenas de anos atrás podem ter sido ainda mais famosas durante sua época do que as obras que sobreviveram. “É fácil esquecer que as obras que associamos a grandes artistas não foram necessariamente suas maiores e mais influentes criações, muitas vezes são apenas aquelas que sobreviveram, ganhando o histórico jogo de dados”, escreve Charney.

É o caso de Rogier van der Weyden, um dos pintores mais influentes da Flandres do século XV. Suas pinturas mais famosas, quatro grandes obras sobre o tema da justiça, foram perdidas em um grande incêndio do século 17 que destruiu grande parte de Bruxelas durante a Guerra dos Nove Anos. O único registro que resta das pinturas é de descrições escritas daqueles que vieram visitar as obras, e essa tapeçaria que o artista fez uma década depois das obras originais é a evidência visual mais próxima que temos de sua aparência. "Rogier é agora mais conhecido por seu Deposição, mas durante sua vida, seu Ciclo de Justiça foi o seu monumento ", escreve Charney." Alguém se pergunta o que diferente, talvez maior, influencia o Ciclo de Justiça poderia ter acontecido, se a fortuna tivesse permitido que funcionasse como um ponto de peregrinação para artistas por mais séculos. "

3. ANTIGOS FRESCOS ROMANOS

4. O 'BUSTO RETRATO DO REI CHARLES I' DE GIANLORENZO BERNINI

Esta pintura não foi perdida em um incêndio - ela retrata outra arte em processo de perda. Em 1654, um paiol de pólvora armazenado em um antigo convento explodiu na cidade holandesa de Delft, destruindo grande parte da cidade e matando 100 pessoas. Uma dessas pessoas foi Carel Fabritius, um pintor que foi o pupilo de Rembrandt. O fogo destruiu quase todas as suas pinturas.

O fogo tem sido uma força devastadora na história da arte. Em 1734, um incêndio no Alcázar, o palácio real de Sevilha, destruiu 500 peças de arte, incluindo várias pinturas de Diego Velázquez, bem como obras de Leonardo, Anthony van Dyck, El Greco e Rafael, entre muitos outros. Em 1698, um incêndio em Whitehall, em Londres, destruiu obras de arte como o século 15 de Michelangelo Eros adormecido e o século 17 de Gianlorenzo Bernini Busto do Rei Carlos I. E isso sem contar a arte destruída no decorrer da guerra, como as 154 obras que queimaram quando o museu Gemäldegalerie foi atingido durante o bombardeio de Dresden em 1945.

5. A SALA AMBER

Uma grande quantidade de arte desaparece durante a guerra, seja por causa de saques ou porque as obras tornam-se danos colaterais no conflito. A Sala Âmbar da Rússia estava sujeita a ambos. No século 18, a imperatriz Elizabeth da Rússia instalou vários painéis de parede feitos de folheado de âmbar em fatias finas, um presente do rei da Prússia para o czar russo 27 anos antes, em uma sala de seu palácio de inverno. Com o passar dos anos, ela e seus descendentes expandiram e redecoraram a sala enfeitada com joias, instalando finalmente 13.000 libras de âmbar nas paredes. Tornou-se conhecida como a Oitava Maravilha do Mundo. Mas não sobreviveria ao século 20.

Na era moderna, os painéis delicados não se saíam bem, pois o aquecimento central os tornava incrivelmente frágeis. Mas a Segunda Guerra Mundial significou a ruína - apesar dos esforços para esconder a sala das forças invasoras, os nazistas embalaram os painéis em 27 caixas e os enviaram para a Prússia em 1941, colocando-os em exibição parcial no Castelo de Königsberg. Infelizmente, o castelo foi destruído por uma combinação de bombas aliadas em 1944 e o cerco de três meses pelo Exército Vermelho em 1945. Embora seja possível que algumas partes da sala possam ter sobrevivido, apenas dois objetos apareceram na última metade século - um baú e um mosaico de mármore, ambos redescobertos no final dos anos 90.

A Sala Âmbar não foi a única grande obra de arte a ser vítima do Terceiro Reich. Os nazistas roubaram centenas de milhares de pinturas de colecionadores e negociantes de arte judeus durante a Segunda Guerra Mundial, muitas das quais nunca foram devolvidas aos seus legítimos proprietários. Em 2009, cerca de 100.000 das 650.000 obras roubadas ainda não haviam sido devolvidas aos seus proprietários originais ou descendentes, apesar de leis como a Lei de Recuperação de Arte Expropriada do Holocausto de 2016, que visa facilitar o retorno da arte saqueada pelos nazistas. Em alguns casos, esses descendentes tiveram que processar museus para reaver sua arte.

Mesmo agora, o conflito fornece cobertura fácil para possíveis ladrões de arte. Entre 2003 e 2005, no início da invasão e ocupação do Iraque pelos EUA, cerca de meio milhão de antiguidades foram roubadas de museus e sítios arqueológicos iraquianos. Infelizmente, a arte está inextricavelmente ligada ao conflito - o Estado Islâmico, por exemplo, ganha milhões de dólares por ano traficando artefatos antigos saqueados, incluindo estátuas e joias, que podem nunca ser vistos novamente.

6. ESTÁTUA 'APOXYOMENOS'

Embora muitas obras de arte tenham sido perdidas em desastres, na verdade alguns naufrágios salvaram algumas obras de arte antigas da destruição. No mundo antigo, a arte do metal era freqüentemente fundida e reciclada para outros projetos, como a fabricação de balas de canhão. Estátuas como esta Apoxyomenos foram salvos desse destino em virtude de estarem debaixo d'água por séculos. A estátua de Croation, feita no primeiro ou segundo século EC, foi descoberta em 1996, bem preservada no fundo do mar Adriático do norte.

7. PINTURAS DE PICASSO FEITAS PARA 'LE MYSTERE PICASSO'

Às vezes, a obra de arte é destruída pelos próprios artistas. Pablo Picasso fez vários trabalhos diante das câmeras durante as filmagens de Le mystère Picasso, mas como parte do filme, essas pinturas foram destruídas mais tarde. A questão toda era que eles seriam vistos apenas pelas lentes do filme.

Outros artistas ao longo da história destruíram seu próprio trabalho porque não ficaram satisfeitos com o resultado. Michelangelo mandou queimar a maior parte de seus desenhos, não querendo compartilhar as anotações que usou para fazer suas esculturas e pinturas, e como resultado, apenas uma fração sobreviveu. Artistas mais modernos também queimaram seus trabalhos. Um infeliz Claude Monet destruiu 15 telas antes de uma exposição em 1908 em Paris, e Gerhard Richter uma vez cortou e queimou 60 de suas primeiras pinturas, mantendo apenas fotos delas.

"Às vezes", disse Richter Der Spiegel em 2012, "quando vejo uma das fotos, penso comigo: Que pena que você poderia ter deixado esta ou aquela sobreviver."


Império Romano: Gladiador derrotado e sangrento goteja sangue no afresco horrível descoberto em Pompéia

Os gladiadores podem ter frequentado a antiga taverna onde o afresco foi encontrado.

Dois gladiadores no final de uma luta - um vitorioso e o outro cedendo na derrota - aparecem no último afresco encontrado em Pompéia. Dois gladiadores no final de uma luta - um vitorioso e o outro cedendo na derrota - aparecem no último afresco encontrado em Pompéia.

Tons ricos e vibrantes em um afresco recentemente descoberto em Pompéia ilustram o final brutal de uma violenta batalha entre dois gladiadores.

O artista desconhecido foi generoso com a cor vermelha que o vencedor ereto está sangrando de vários cortes, e o corpo do lutador perdedor & # 8217s está listrado de sangue, enquanto gotas de sangue jorram de vários ferimentos em seu braço e parte superior do corpo.

Autoridades do Parque Arqueológico de Pompéia anunciaram a descoberta em 11 de outubro no site do parque & # 8217s. O afresco foi encontrado em uma parede nas ruínas de uma antiga taverna em Regio V, uma zona na parte nordeste de Pompéia, relataram representantes do parque.

Relacionado: Pompeia Fotos: Arqueólogos encontram restos mortais de vítimas da erupção do Vesúvio

Regio V também mantém um bloco de quartéis de gladiadores & # 8217 e é & # 8217s & # 8220muito provável & # 8221 que gladiadores eram visitantes frequentes da taverna onde o afresco sangrento estava pendurado, disse Massimo Osanna, diretor-geral do parque & # 8217s, em um comunicado .

No afresco, o gladiador à esquerda sai vitorioso, segurando seu escudo bem alto. Em comparação, o perdedor é fraco e cambaleante, levantando a mão esquerda em um gesto implorando por misericórdia, de acordo com o comunicado.

& # 8220É interessante ver a representação extremamente realista das feridas & # 8221 Osanna disse.

Pompéia e seu povo morreram quando o Monte Vesúvio entrou em erupção em 79 d.C., enterrando rapidamente tudo e todos dentro da cidade sob uma espessa camada de cinzas. Como a erupção cobriu Pompeia tão rapidamente, ela preservou um instantâneo sem precedentes da vida em uma cidade romana.

Partes da cidade são acessíveis aos visitantes, enquanto as escavações em andamento em outras áreas ainda estão descobrindo pistas tentadoras sobre como as pessoas viviam há milhares de anos. As descobertas no início deste ano incluíram amuletos de divindades, crânios e falos, uma inscrição que descreve um banquete para mais de 6.000 pessoas e uma lanchonete com uma decoração sexy de ninfa do mar para atrair clientes.

Mas um dos mistérios de Pompeia que pode permanecer eternamente sem solução é o destino do gladiador ensanguentado do afresco. Para os perdedores no combate de gladiadores, & # 8220 você pode morrer ou ter graça & # 8221 Osanna disse. & # 8220Não sabemos qual foi o resultado final dessa luta. & # 8221


Arquivo de apresentação de história da arte

O que é um afresco?
A palavra fresco origina-se do grego fresko, que significa & # 8220fresh. & # 8221 O termo fresco é usado para descrever qualquer um dos vários tipos relacionados de pintura diretamente no gesso de uma parede.

Os dois tipos básicos de afresco:
Fresco Buon: este tipo de fresco, feito em gesso úmido, é considerado o mais autêntico dos dois tipos, e às vezes também é referido como & # 8220 verdadeiro fresco. & # 8221
A secco: Este tipo é feito em gesso seco, o que significa que também requer um meio de ligação (ao contrário do buon fresco), como o ovo. Um secco também é usado para retocar e reparar afrescos buon.

Um pouco de história:
Os primeiros exemplos conhecidos criados com o método Buon fresco datam de cerca de 1500 aC, na ilha grega de Creta:


O mais famoso deles é & # 8220O Toreador & # 8221, que representa uma cerimônia sagrada na qual as pessoas pulariam nas costas de grandes touros. Alguns historiadores da arte acreditam que os afrescos de Creta podem ter sido trocados como parte de trocas comerciais, uma ação que mostra o valor de sua habilidade na época.

Outros exemplos:
- O teto da nossa sala de seminários no UW Rome Center,
- & # 8220The Loves of the Gods & # 8221 por Annibale Carracci no Palazza Farnese, que retrata o Triunfo de Baco e Ariadne, os dois amantes desfilando em uma procissão triunfal:


Um dos exemplos mais proeminentes deste tipo de arte é o teto da Capela Sistina de Michelangelo e # 8217, criado em 1512. Esta peça, encomendada pelo Papa Júlio II, retrata uma miríade de cenas bíblicas. Devido ao alto nível de habilidade exigido para tal criação, Michelangelo declarou a pintura a óleo & # 8220effeminada & # 8221 um tapa na cara de seus contemporâneos. Ao contrário da pintura a óleo, que podia ser feita por longos períodos de tempo, os afrescos buon tinham rígidas restrições de tempo, obrigando o artista a trabalhar rapidamente antes que o gesso secasse e se tornasse permanente. Se ocorresse um erro, o gesso tinha que ser lascado (exigindo uma ferramenta afiada) e aquela seção refeita completamente. A natureza implacável do gesso úmido claramente exibia a habilidade de um artista e, por esse motivo, a pintura a fresco foi chamada de & # 8220a mãe de todas as artes & # 8221 durante a época do Renascimento.

Pintura da Roma Antiga: os quatro estilos
A pintura mural da Roma Antiga é caracterizada por quatro períodos, originalmente descritos pelo arqueólogo alemão August Mau, quando ele estava escavando pinturas nas paredes de Pompéia. Esses quatro estilos são usados ​​para diferenciar as eras de construção e decoração e as mudanças na arte romana.

Primeiro estilo (2º c. AC e # 8211 80 AC)

Também chamado de estilo estrutural, incrustação ou alvenaria, o primeiro estilo é caracterizado pela simulação do mármore e uso de cores vivas, ambos um sinal de riqueza. O estilo também era uma réplica daqueles encontrados nos palácios ptolomaicos do oriente próximo, onde as paredes eram incrustadas com pedras reais e mármore. O primeiro estilo também mostra a difusão da cultura helenística na época, resultado da conquista e interação dos romanos com os estados gregos e helenísticos. Muitos também eram reproduções de pinturas gregas.

Segundo estilo (início do primeiro c. AC-20 AC)

Durante a época do segundo estilo de pintura romana, as paredes eram decoradas com características arquitetônicas e técnica trompe-l & # 8217oeil. Essa técnica, uma palavra francesa que significa & # 8220trick the eye & # 8221, usava imagens extremamente realistas para criar a ilusão de ótica de que a própria imagem é tridimensional, em vez de uma pintura 2-D. Os artistas usariam recursos como colunas iônicas e plataformas de palco para empurrar o plano da imagem mais para trás, criando uma ilusão 3-D. Este estilo neutralizou a natureza claustrofóbica das casas romanas sem janelas. As cores predominantes no segundo estilo foram branco, vermelho, amarelo, verde e magenta.

Terceiro estilo (20-10 AC, 40-50 DC)

O terceiro estilo foi uma reação à austeridade do período que o precedeu. Era muito mais ornamental, figurativo e colorido e era caracterizado principalmente pelo afastamento do estilo ilusionista (embora este tenha voltado a ser usado mais tarde no quarto estilo). Regras estritas de simetria foram usadas, no entanto, distribuindo os elementos uniformemente em torno do foco central. As peças seriam divididas em 3 seções horizontais e 3-5 seções verticais. As 3 seções horizontais foram chamadas de soco, área mediana e área superior. O soco seria decorado com flores e padrões geométricos, enquanto a área mediana seria uma subdivisão de grandes painéis retangulares com simples elementos arquitetônicos ou vegetais. A área superior final consistiria em um padrão contínuo, decorado com arquiteturas fantásticas ou cortinas sem divisão interna.

Quarto estilo (segunda metade do primeiro c. DC, principalmente 60-63 DC)

O quarto estilo foi basicamente uma fase mais rica e complexa do terceiro estilo. Ele também usava uma abundância de ornamentos e tornou-se particularmente popular após o destrutivo terremoto de Pompéia em 63 DC, quando a reconstrução e o retoque foram necessários. Os temas comuns do quarto estilo foram representações de portas, janelas e varandas abertas, combinadas com elementos do segundo estilo, como profundidade e perspectiva. Além disso, foi usada uma ênfase animada na cor.


Peter Paul Rubens foi um artista flamengo da era barroca que se tornou um dos pintores mais influentes da história cristã. Sua versão de Cimon e Pero a pintura tornou-se uma referência para muitos de seus seguidores.

E seus seguidores adicionaram outro elemento à pintura no século 17 - uma criança perto dos pés de Pero. Isso foi feito para evitar qualquer interpretação incestuosa do feito, embora a existência da criança estivesse implícita, já que Pero era mostrado amamentando na pintura.


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