Artigos

Cena famosa de 'E o Vento Levou' filmada

Cena famosa de 'E o Vento Levou' filmada


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Em 27 de junho de 1939, uma das cenas mais famosas da história do cinema é filmada: Rhett Butler e Scarlett O’Hara se despedindo E o Vento Levou. O diretor Victor Fleming também filmou a cena usando a linha alternativa, "Francamente, minha querida, eu simplesmente não me importo", caso os censores do filme se opusessem à palavra "droga". Os censores aprovaram o filme, mas multaram o produtor David O. Selznick em US $ 5.000 por incluir a maldição.

A filmagem do famoso épico foi em si um épico, com dois anos e meio decorridos entre a compra dos direitos do romance de Margaret Mitchell por Selznick e a estreia do filme em Atlanta em dezembro de 1939. Embora o filme tenha eventualmente recebido muitos prêmios, também atraiu críticas por seu romantismo do Sul Antebellum e por encobrir os horrores da escravidão.

As filmagens começaram em 10 de dezembro de 1938, com a queima da cena de Atlanta, embora O’Hara ainda não tivesse sido escalado. A atriz britânica Vivien Leigh, recém-chegada de Londres, passou pelo set para visitar seu agente, Myron Selznick, irmão do produtor. David O. Selznick pediu que ela fizesse um teste para O’Hara. Em janeiro, Leigh assinou. Clark Gable, Olivia de Havilland, Leslie Howard e Hattie McDaniel também estrelaram. McDaniel, que interpretou Mammy, a empregada doméstica de Tara Plantation e ex-escravizada, se tornou o primeiro ator afro-americano a ganhar um Oscar por sua atuação.


Análise de cena do ensaio E o vento levou (crítica do filme)

‘E o vento levou’ é identificado como um dos filmes mais fenomenais do início do século 20. Foi especialmente categórico na definição da indústria do cinema no que diz respeito às produções culturais e históricas.

Vamos escrever um costume Ensaio sobre análise de cena de E o vento levou especificamente para você
por apenas $16.05 $ 11 / página

301 escritores certificados online

Sendo um dos melhores trabalhos do produtor David O. Selznick, é identificado como uma obra de arte histórica que conseguiu sobreviver ao longo das décadas e ainda manter a sua viabilidade.

Sua fama cresceu ao longo dos anos a ponto de ser usada como um ponto de referência por estudiosos do cinema moderno e outras partes interessadas na indústria (Mitchell e Conroy 7).

Este artigo busca analisar a famosa & # 8220Francamente querida, não dou a mínima & # 8221 cena do filme & # 8216Gone With The Wind & # 8217, lançado em 1939, em uma tentativa de entender o cenário da cena como bem como os motivos e o sucesso do produtor ao fazê-lo.

A cena particular de "Eu não dou a mínima" se passa em um ambiente luxuoso, onde a riqueza é identificada como uma questão de necessidade. Isso é negado por toda a premissa do filme, já que a carência é retratada como emanando do companheirismo ao invés da riqueza.

Essa cena retrata a captura da esperança em uma imagem que cativa o espectador a ponto de aceitar os momentos espetaculares antes mesmo de tentar compreendê-los. Vários críticos de cinema, estudiosos e autores tentaram explicar esse aspecto particular por meio do exame das tendências sociais ao longo da história.

O filme expressa um acúmulo de romance em um período volátil, onde a riqueza particular dos indivíduos não importava muito (Boyer, Clark, Kett e Salisbury 483). Os personagens particulares interpretados por Clark Gable e Vivien Leigh cativam o espectador a um ponto em que é forçado a parar de pensar e apenas se maravilhar com as imagens através da história.

Embora o espectador possa estar ciente dos eventos históricos durante o tempo em que o filme é ambientado, há muito pouco no domínio público que explora a posição social em um nível individual.

Os eventos políticos da época são identificados para prosperar em um pano de fundo de rica atividade social e turbulência doméstica. A exibição cinematográfica de romance neste filme é excepcional e tem sido apontada como a base do sucesso do filme em uma época em que Hollywood estava se definindo.

O realismo do filme, em geral, reside no fato de que é uma história sobre a vida real de indivíduos em um período histórico que a maioria dos espectadores conhece, mesmo que a maioria não tenha experimentado.

O fato de o diretor do filme ter sido capaz de eliminar as sugestões de autoengano torna o filme ainda mais real a ponto de provocar no espectador sentimentos de empatia no chuveiro do romance. A cena se passa em um ambiente doméstico onde Scarlet O’Hara retrata a profunda esperança em um romance que pode ser considerado morto (Mitchell e Conroy 271).

O fato de estar deitada ao pé da escada retrata o desamparo que ela sofre, mesmo com seu caráter forte como uma mulher atualizada. A humildade do romance é identificada para afastá-la enquanto seu amante retrata um amante rude e desprezado que não acredita no romance em que ela tanto espera.

Essa esperança é um contraste com a posição social durante uma época de turbulência política e guerra inevitável. O produtor do filme consegue destacar os desafios sociais enfrentados por indivíduos que tentam construir relacionamentos românticos em um ambiente doméstico por meio do uso de construções realistas da vida real.

A cena tende a levar o romance a seus princípios básicos, em que tanto a riqueza quanto a situação política de uma sociedade nada têm a ver com a orientação dos diferentes gêneros em relação ao romance e aos relacionamentos.

Dá ao espectador uma ideia de uma sociedade atualizada no início do século 20 e as preocupações particulares dessa sociedade em relação aos diferentes gêneros. Esta atualização não se baseia apenas na posição social dos personagens, mas também em seus aspectos pessoais.

Embora a premissa do filme possa ser baseada no romance e seu sucesso em uma sociedade rica, o filme tende a negar essa premissa até o fim. Os críticos identificaram isso como o nascimento do feminismo, onde Scarlet rejeita seu admirador por uma grande parte do filme, embora suas intenções sejam claramente identificadas por meio de suas ações modestas para com ela.

Na última cena, quando o cavalheiro desiste de todas as esperanças de um relacionamento razoável, a senhora cede apenas para descobrir que é tarde demais. A relação entre riqueza e feminismo em uma situação onde a atualização é forte é usada para identificar o conflito entre a autoconsciência e as tendências humanas básicas que constituem sua humanidade.

O produtor cria muita pressão com o uso do suspense apenas para matá-lo por meio de um final infeliz em que Scarlet é rejeitada por seu admirador (Boyer, Clark, Kett e Salisbury 76).

O uso da música nas diferentes cenas é bastante articulado, pois transfere suavemente os sentimentos e humores do espectador de um cenário para outro, apesar do conflito entre as diferentes cenas. Isso garante que a história flua sem problemas, o que garante o sucesso da produção.

Isso também domestica as cenas a um ponto em que o espectador é capaz de conectar e associar sua vida pessoal com a dos personagens do filme (Mitchell e Conroy 524). O produtor consegue cascatear as cenas em um estilo progressivo, ao mesmo tempo em que dá espaço para solilóquios e flashbacks.

Na cena particular "Eu não dou a mínima", há a inclusão de lembranças do pai de Scarlet que a asseguram de um futuro positivo com seu objeto de desejo, embora ele a tivesse rejeitado.

Isso é identificado como um ponto de fraqueza para o forte feminismo que o filme constrói nas cenas anteriores (Boyer, Clark, Kett e Salisbury 347). Os atos poéticos servem para enfatizar o romance que existe no ambiente doméstico, onde aspectos externos da sociedade parecem estar bloqueados para realçar os sentimentos dos personagens.

O mundo construído em torno dos personagens foi identificado para enfatizar a atemporalidade do filme, embora seja construído em torno de um cenário histórico.

Isso também enfatiza a atemporalidade do romance e isso foi reiterado por críticos de cinema modernos que o identificam como a motivação por trás do sucesso do filme, mesmo no mundo moderno do cinema. Apesar de a premissa histórica não ter limites, o produtor ainda consegue limitar o enredo a um contexto doméstico com uma série de influências da sociedade.


Fotos raras dos bastidores desde o making of E o Vento Levou

Quando Margaret Mitchell & # 8217s E o Vento Levou foi publicado há 80 anos & mdashon 30 de junho de 1936 & mdashit foi um best-seller rápido. O único romance publicado por Mitchell durante sua vida, a história de Scarlett O & # 8217Hara rendeu ao autor o Prêmio Pulitzer de Ficção em 1937. Mas, embora seja talvez mais conhecido hoje pelo filme que inspirou, esse filme quase não o fez & # 8217t ser feito.

O produtor David O. Selznick decidiu inicialmente não transformar o romance em um filme, com a ideia de que as histórias da Guerra Civil não iam bem nas bilheterias. Ele só comprou os direitos do filme depois que o presidente do conselho de sua empresa se ofereceu para cobrir o dinheiro, e mesmo assim Selznick ainda não tinha lido o livro.

Apesar de sua relutância inicial em fazer o filme, Selznick acabou envolvido de perto em sua produção. As imagens desta galeria faziam parte de sua coleção pessoal de itens de sua carreira. Os filhos de Selznick & # 8217 cuidaram do material após sua morte em 1965, mas os custos de armazenamento comercial eventualmente se tornaram onerosos demais. Em 1980, eles doaram grande parte da coleção e mais de 5.000 caixas de material, incluindo fotos de continuidade e stills de produção de E o Vento Levou& mdashto ao Harry Ransom Center em Austin, Texas. Hoje, imagens raras como as do arquivo Selznick servem como um documento da produção cinematográfica da década de 1930 e mostram quanto trabalho foi necessário para fazer E o vento levou.

O esforço valeu a pena. E o Vento Levou& mdash o terceiro filme mais caro já feito na época, com um orçamento de US $ 3,85 milhões, atrás Ben Hur e Hell & # 8217s Angels, respectivamente & mdash acabou por ser um dos maiores filmes do século 20, estrelado por Clark Gable e Vivien Leigh, dirigido por Victor Fleming. Quando o filme estreou em 15 de dezembro de 1939, em Atlanta, cerca de 300.000 pessoas compareceram às festividades ao longo de três dias, com o governador da Geórgia, Eurith D. Rivers, declarando feriado estadual.

E o Vento Levou desembarcou na capa da TIME no final daquele ano.

O filme blockbuster & # 8220 provou ser tanto um fardo para seus autores quanto uma alegria & # 8221 observou a TIME. Embora tenha trazido seu sucesso financeiro, Margaret Mitchell ficou cada vez mais chateada com a atenção esmagadora do filme & # 8217s e tornou-se uma pessoa mais reservada, frequentemente recusando biógrafos potenciais e caçadores de autógrafos.

Em 16 de agosto de 1949, Mitchell morreu, cinco dias depois de ser atropelado por um motorista bêbado em Atlanta. Após sua morte, a maior parte do manuscrito original de E o Vento Levou foi queimado, mas nos últimos anos, os últimos quatro capítulos reapareceram na Biblioteca Pequot em Southport, Connecticut, aprimorando o argumento feito por Scarlett O & # 8217Hara no final do romance de Mitchell & # 8217s: & # 8220 & # 8216, amanhã é outro dia. ' & # 8221

Correção: A versão original desta galeria identificou erroneamente um homem retratado no primeiro slide. Ele é George Cukor.


Tributo E o Vento Levou - minhas cinco cenas favoritas

IMDb está apresentando E o Vento Levou& # 8216s edição do 70º aniversário hoje, completa com o exuberante fundo vermelho brilhante Rhett / Scarlett. Eu já tinha a edição de colecionador de 4 discos & # 8217s, mas ver o aniversário abrangente definido no site de vídeos da Warner é o suficiente para me fazer querer comprar outro!

Graças à minha falecida mãe, fui exposta a este filme quando era uma menininha, provavelmente por volta dos 12 ou 13. Mal falava inglês, ela praticamente teve que interpretar a essência da história para mim. Mas um filme como E o Vento Levou, com sua rica história e significado cultural - sem mencionar a intrincada história de amor - não é um filme fácil de entender para um adolescente, exceto pelo cenário deslumbrante (com isso também quero dizer Rhett Butler) e trajes bonitos. Portanto, foi mais tarde na faculdade que eu meio que discerni do que se tratava o filme.

Aqui estão algumas das minhas cenas favoritas deste épico quintessencial de Hollywood que sempre permanecerá atemporal:

A cena da biblioteca

O primeiro de muitos momentos lamentáveis ​​de Scarlett e Ashley. Acho que Scarlett nunca teve uma queda por bad boys, assim que Rhett se levantou do sofá, meu coração disparou. Gable sintetizou o & # 8216cativante bad boy & # 8217 em um tee, e ele fez isso com uma graça tão indiferente que & # 8217s tão dignos de desmaio. Suas brincadeiras implacáveis ​​são um dos cenários de batalha dos sexos mais deliciosos já capturados no cinema. (Não consegui encontrar um clipe que possa ser incorporado)

Se Deus é minha testemunha

A cena mais icônica de todo o filme envolvendo a estrela não humana do filme que é Tara. Seria escandaloso omitir isso de qualquer lista de favoritos do GWTW. Claro, isso é indiscutivelmente clichê e emocionalmente manipulador, mas, droga, quando aquela partitura começou e ela ficou contra aquele pôr do sol de tirar o fôlego emoldurado por um carvalho gigante, eu sempre fico arrepiado!

Você precisa muito de beijar

A audácia de seduzir - e propor - uma mulher no funeral de seu marido é chocante mesmo para os padrões atuais. Mas Rhett é tão suave e charmoso que quase desejei ter tido a sorte de Scarlett por estar no fim daquele encontro torturante.

Francamente, minha querida, eu não dou a mínima

Não há dúvida de que esta citação foi votada como a citação de filme # 1 pelo American Film Institute (de 100), bem como a # 2 de & # 8220The 100 Greatest Movie Lines & # 8221 pela revista Premiere em 2007. Mas a linha que o precede é igualmente grande:

Scarlett: Não! Eu só sei que te amo.
Rhett Butler: Esse é o seu infortúnio. [Rhett se vira para descer as escadas]

Mesmo antes de ele dizer que & # 8220Eu não dou a mínima & # 8221 linha, sabemos que ele & # 8217s já se decidiu.

Melanie e Ashley se reuniram após a guerra

Infelizmente, não consegui encontrar a cena exata de Melanie correndo atrás da expressão de Ashley e Scarlet enquanto as duas se abraçavam e se beijavam alegremente. Mas é uma cena comovente, mas doce, do que Scarlet sempre tem ciúme de Melanie.

Provavelmente não faço justiça a este filme listando apenas cinco cenas, portanto, se você tiver outras cenas favoritas que gostaria de compartilhar, deixe-as ouvir!


Cena famosa de 'E o Vento Levou' filmada - HISTÓRIA

E o Vento Levou (1939) é frequentemente considerado o filme mais amado, duradouro e popular de todos os tempos. O roteiro de Sidney Howard foi derivado do primeiro e único livro mais vendido do Período da Guerra Civil e Reconstrução de Margaret Mitchell, de 1.037 páginas, que apareceu pela primeira vez em 1936, mas foi escrito principalmente no final dos anos 1920. O produtor David O. Selznick adquiriu os direitos do filme do romance de Mitchell em julho de 1936 por US $ 50.000 - uma quantia recorde na época para um autor desconhecido por seu primeiro romance, fazendo com que alguns rotulassem o filme de & quotSelznick's Folly & quot. lançamento do filme, o livro de ficção ultrapassou 1,5 milhão de cópias vendidas. (Agora, mais de 30 milhões de cópias do romance vencedor do Prêmio Pulitzer de 1936 foram vendidas.) Mais recordes foram estabelecidos quando o filme foi ao ar pela primeira vez na televisão em duas partes no final de 1976, e a polêmica surgiu quando foi restaurado e lançado nos cinemas em 1998. No total, foi relançado oito vezes, foi exibido muitas vezes na televisão desde os anos 1970 e continua sendo um best-seller em vídeo doméstico (todas as versões).

O famoso filme, rodado em três faixas Technicolor, é o maior filme épico repleto de estrelas do Velho Sul durante a guerra, que apresenta um elenco imortal em um conto clássico atemporal de um romance de amor e ódio. A indomável heroína, Scarlett O'Hara, luta para encontrar o amor durante os anos caóticos da Guerra Civil e depois dela e, por fim, deve buscar refúgio para ela e sua família na amada plantação de Tara. Lá, ela assume o comando, defende-o contra soldados da União, aventureiros e a própria fome. Ela finalmente se casa com seu admirador mundano Rhett Butler, mas sua apatia para com ele em seu casamento condena seu relacionamento conflituoso, e ela novamente retorna para Tara para encontrar consolo - indomável.

A autenticidade é reforçada pelo figurino, cenários e variações das canções de Stephen Foster e outros trechos de ares marciais da Guerra Civil. Sua inauguração, poucos meses após o início da Segunda Guerra Mundial na Europa, ajudou o público americano a se identificar com a história da guerra e seu tema de sobrevivência.

Com publicidade de três anos e criação de mitos de Hollywood, três horas e meia de duração (com um intervalo), uma estréia de gala em Atlanta em 15 de dezembro de 1939, o status de filme de maior bilheteria (eventualmente alcançando uma entrada não ajustada de quase US $ 200 milhões domésticos e pouco mais de US $ 402 milhões em todo o mundo), e a trilha sonora arrebatadora de Max Steiner, o requintadamente fotografado, o filme Technicolor foi um blockbuster em sua própria época. Foi necessário um investimento orçado de mais de $ 4 milhões em custos de produção - uma soma enorme e recorde. Foi o filme sonoro de Hollywood mais longo e caro da época. O filme (originalmente bruto com 6 horas de duração) foi desafiador em sua realização, devido ao seu assunto controverso (incluindo estupro, embriaguez, dissipação moral, adultério e, mais recentemente, sua representação simplista da escravidão e visão nostálgica do pré-guerra civil do pré-bellum do Sul). Com qualidades épicas, teve mais de 50 papéis falados e 2.400 extras. O filme continua sendo o campeão de bilheteria (nacional) com uma receita bruta de US $ 1,89 bilhão (ajustado pela inflação).

Vários elementos do romance original tiveram que ser eliminados, e alguns personagens, cenas e eventos foram truncados, eliminados ou modificados:

  • Os dois primeiros filhos de Scarlett (Wade Hampton e Ella Lorena) foram eliminados
  • No romance, Charles Hamilton estava apaixonado por Honey Wilkes antes de se apaixonar por Scarlett no filme, ele estava apaixonado por India Wilkes
  • As cenas (e confissões) de Rhett sobre ser um corredor de bloqueio foram minimizadas ou cortadas
  • as cenas de amor do romance (em particular, a & quot Cena do Paddock & quot) foram mais discretas
  • o personagem da prostituta de Atlanta Belle Watling foi saneado (e a descoberta de consolo de Rhett com Belle - depois que Scarlett jurou não ter mais filhos após o nascimento de Bonnie), também foi minimizado
  • quaisquer episódios ou menções à Ku Klux Klan foram abandonados
  • O desprezo de Rhett por Ashley foi suavizado
  • As últimas palavras de Rhett no romance: & quotMeu querido, não dou a mínima. & Quot No filme: & quot Francamente, meu querido, não me importo. & Quot [Ao contrário da crença popular, foi não o filme com o primeiro uso da palavra 'maldito' (o palavrão tinha sido dito um ano antes em Pigmalião (1938)e variações, como 'danado', foram ouvidas em outros filmes anteriores]
  • Will Benteen (o & quot da casa & quot de Tara & quot), a irmã de Rhett, Rosemary Butler, e o tio e advogado de Scarlett, Henry Hamilton, foram eliminados
  • Na noite do ataque a Shantytown, Melanie leu um trecho de Charles Dickens David Copperfield ao invés de Victor Hugo os Miseráveis

Uma busca nacional por uma atriz para interpretar a bela sulista Scarlett resultou na contratação da jovem atriz britânica Vivien Leigh, embora mais de 30 outras atrizes conhecidas tenham sido testadas ou consideradas, incluindo: Katharine Hepburn, Miriam Hopkins, Susan Hayward, Loretta Young , Carole Lombard, Paulette Goddard, Margaret Sullavan, Barbara Stanwyck, Joan Crawford, Norma Shearer, Lana Turner, Joan Bennett, Mae West, Tallulah Bankhead, Jean Arthur e Lucille Ball. Ao todo, 1.400 atrizes foram entrevistadas para o papel de Scarlett O'Hara, e 400 fizeram testes de leitura. Embora a estrela da MGM Clark Gable fosse esperada para desempenhar o papel do arrojado aproveitador de guerra Charlestonian Rhett Butler, Errol Flynn, Ronald Colman e Gary Cooper também foram considerados para o papel. A autora Margaret Mitchell disse a um repórter que preferia Basil Rathbone para o papel principal masculino.

As quatro estrelas principais foram faturadas nesta ordem: Clark Gable, seguido por Leslie Howard (como o amor obsessivo de Scarlett, a taciturna Ashley Wilkes) e Olivia de Havilland (como a doce Melanie Wilkes, prima de Ashley), e então Vivien Leigh por último com & quot. e apresentando & quot - isto é, até que ela ganhasse o Oscar e ele fosse alterado para & quot estrelando & quot.

O filme histórico recebeu elogios tremendos, mais do que qualquer filme anterior até o momento: treze indicações e oito (competitivos) Oscars, incluindo Melhor Filme, Melhor Diretor (Victor Fleming - o único diretor creditado), Melhor Atriz (Vivien Leigh), um póstumo Melhor Roteiro (Sidney Howard, junto com a colaboração de Edwin Justin Mayer, John Van Druten, Ben Hecht, F. Scott Fitzgerald e Jo Swerling) - o primeiro vencedor pós-humilde de seu tipo, Melhor Cinematografia em Cores, Melhor Decoração de Interiores, Melhor Edição de Filme e Melhor Atriz Coadjuvante (Hattie McDaniel - a primeiro vez que um afro-americano foi nomeado e homenageado) e duas placas honorárias, uma para o designer de produção William Cameron Menzies pelo & quotuso da cor para o aprimoramento do humor dramático & quot e a outra um prêmio de produção técnica para Don Musgrave por & quot pioneira no uso de equipamento coordenado. & quot.

Muitas das cinco nomeações perdidas foram inesperadas: Melhor Ator (Clark Gable que perdeu para Robert Donat por Tchau, Sr. Chips), Melhor Atriz Coadjuvante (Olivia de Havilland que estava competindo com a co-estrela Hattie McDaniel), Melhor Gravação de Som, Melhor Trilha Sonora Original (Max Steiner) e Melhores Efeitos Especiais. Seu recorde de um total de dez prêmios da Academia se manteve firme até 1959, quando Ben-Hur (1959) ganhou onze Oscars. Foi fenomenal que E o Vento Levou foi tão bem, visto que 1939 ostentou alguns dos maiores filmes americanos já feitos, incluindo Ninotchka, O feiticeiro de Oz, Morro dos Ventos Uivantes, Sr. Smith vai para Washington, Tchau, Sr. Chips, e Diligência.

Embora quase metade do filme tenha sido dirigido por Victor Fleming (45%) - que recebeu crédito na tela, quatro outros diretores contribuíram com várias partes do filme: Sam Wood (15%), William Cameron Menzies (15%), 'diretora feminina' George Cukor (5%) - o primeiro diretor, B. Reeves (& quotBreezy & quot) Eason (2%), e o restante de vários diretores de segunda unidade (18%). Menzies foi aplacado com o crédito: & quotProdução desenhada por. & quot Nos anos 30, Selznick já havia produzido tantos filmes de prestígio e obras literárias para a tela, como David Copperfield (1935), A Tale Of Two Cities (1935), Anna Karenina (1935), O prisioneiro de Zenda (1937), e As Aventuras de Tom Sawyer (1938), e na hora de E o Vento Levou 'produção, ele também estava preparando Rebecca (1940).

O filme sempre popular também teve sua cota de detratores, por seus estereótipos raciais sulistas benignos anteriores à guerra (de escravos felizes vivendo nas plantações) - e seu retrato geral simpático da escravidão e da raça. Muitos esquecem que Hattie McDaniel e outros membros negros do elenco não foram autorizados a assistir à estréia do filme em Atlanta, racialmente segregada, em meados de dezembro de 1939. Houve protestos e boicotes de afro-americanos quando o filme estreou nas principais cidades.

Houve, naturalmente, uma sequência de mini-série de TV de seis horas, como uma novela, intitulada Scarlett (1994), que foi baseado no romance seguinte de Alexandra Ripley, ambientado parcialmente na Irlanda. Estrelou Joanne Whalley-Kilmer (como Scarlett), Timothy Dalton (como Rhett), Stephen Collins (como Ashley) e Barbara Barrie (como Pauline Robillard). Anteriormente, a novela fictícia e épica Norte e Sul (1985), com as estrelas Patrick Swayze, Robert Mitchum, Kirstie Alley, Johnny Cash, Gene Kelly, Hal Holbrook - e outros, e baseado nos romances mais vendidos de John Jake, foi a tentativa surpreendente de uma minissérie de TV (com mais de 1200 minutos) para recapturar o escopo do período pré-bellum, em sua história de duas famílias durante a era da Guerra Civil - a família Hazard da Pensilvânia e a família principal da Carolina do Sul.

Nos créditos iniciais, o nome do produtor David Selznick aparece: & quotSelznick International In Association with Metro-Goldwyn Mayer tem a honra de apresentar sua produção Technicolor de Story of the Old South, de Margaret Mitchell. & Quot O título do filme & quotGONE WITH THE WIND & quot é exibido em palavras gigantescas e majestosas, cada uma individualmente varrendo a tela da direita para a esquerda acima de um pôr do sol em tons de vermelho. À medida que os títulos e créditos são reproduzidos, imagens cuidadosamente selecionadas do Velho Sul são retratadas como planos de fundo - um pasto verde com cavalos pastando, um rio à noite, magnólias, um moinho construído com tijolos, escravos trabalhando nos campos, pacíficas plantações do sul, a cidade de Atlanta e um pôr do sol.

O prefácio introdutório e fantasioso do filme explica:

Havia uma terra de Cavaliers e Cotton Fields chamada Old South. Aqui neste mundo bonito, Gallantry fez sua última reverência. Aqui foi a última vez vista da Feira dos Cavaleiros e suas Damas, do Mestre e das Escravas. Procure-o apenas nos livros, pois não é mais do que um sonho lembrado, uma Civilização que se foi com o vento.

O filme se estende por um período de doze anos na vida da belle Scarlett O'Hara da plantation narcisista, desde o início da Guerra Civil até o Período de Reconstrução, e cobre suas várias buscas românticas contra o pano de fundo de eventos históricos. A bela, mas mimada, amuada, temperamental e obstinada de 16 anos, a bela sulista Scarlett O'Hara (Vivien Leigh), a mais velha das três filhas O'Hara, vive uma vida idílica em uma plantação de algodão do norte da Geórgia chamada Tara. [A fachada falsa da casa da fazenda é tudo o que realmente existe da casa O'Hara - observe também que a porta está descentrada.] Na varanda da mansão, em um lindo vestido branco de crinolina com babados, a jovem teimosa queixa-se, em sua primeira linha, aos pretendentes gêmeos Brent e Stuart Tarleton (Fred Crane e George Reeves). Stuart observa: & quotVocê sabe que aqueles pobres ianques realmente querem uma guerra? & Quot Ela está cansada de 'conversa de guerra' e de todas as perturbações causadas pela turbulência da guerra:

Fiddle-dee-dee. Guerra, guerra, guerra. Essa conversa de guerra está estragando toda a diversão em todas as festas nesta primavera. Eu fico tão entediado que poderia gritar. Além disso, não vai haver guerra. Se algum de vocês, rapazes, disser 'guerra' apenas mais uma vez, vou entrar em casa e bater a porta.

Ela afirma uma variação em sua linha de marca registrada pela primeira vez quando questionada se ela vai comparecer ao churrasco da plantação vizinha Wilkes-Twelve Oakes no dia seguinte: & quotPor que eu não tinha pensado nisso ainda. Vou, pensarei nisso amanhã. ”Ela provoca os servos admiradores-cavalheiros para saber se eles podem valsar com ela. Scarlett fica chocada e consternada ao ouvir um boato secreto de que o homem que ela ama e por quem ela é obcecada, o filho mais velho de Wilkes, Ashley, está planejando se casar com sua prima recatada, delicadamente aristocrática e doce, Melanie Hamilton de Atlanta - uma & quotgoody-goody & quot segundo para Scarlett. Apaixonada por ele e desacostumada a perder, ela tenta se convencer: & quotNão pode ser verdade. Ashley me ama. & Quot

Seu pai, um imigrante irlandês de cabelos brancos, o próspero proprietário de uma plantação Gerald O'Hara (Thomas Mitchell) galopa loucamente a cavalo pelos campos e pula cercas para encontrar Scarlett, que desce para encontrá-lo na luz do fim da tarde na hora de & quotquittin '. [O cavalo branco montado por O'Hara também foi usado como o cavalo do Lone Ranger Silver nas séries da República de 1938 e 1939 do herói lendário.] Enquanto caminham juntos, ela é novamente informada de que o casamento de Ashley com Melanie (uma , ninny-de-boca-mesquinha & quot aos olhos de Scarlett) serão anunciados no baile da noite do churrasco. Seu pai deseja que sua filha petulante não faça de si mesma um & quot; quotspectáculo & quot; & quot; correndo por cima de um homem que não está apaixonado por você & quot; O pai de Scarlett acredita que ela não ficaria feliz com Ashley de qualquer maneira e qualifica as características importantes em um futuro companheiro: & quotBem, que diferença faz com quem você se casa - desde que ele seja um sulista e pense como você? & quot

Ela reclama com ele sobre Tara como um lugar que não significa nada para ela. Ele reforça para sua filha míope e obstinada o valor da & quotthe land & quot e a herança inestimável que Tara representa [uma lição que Scarlett nunca esquece durante as devastações e golpes da guerra].

Gerald: Você quer me dizer, Katie Scarlett O'Hara, que Tara - aquela terra não significa nada para você? Ora, a terra é a única coisa pela qual vale a pena trabalhar, pela qual vale a pena lutar, pela qual vale a pena morrer, porque é a única coisa que dura.
Scarlett: Oh, pai. Você fala como um irlandês.
Gerald: Tenho orgulho de ser irlandês, e não se esqueça, senhorita, de que você também é meio irlandesa. E para qualquer pessoa com uma gota de sangue irlandês - ora, a terra em que vivem é como sua mãe. Oh, mas pronto, pronto. Agora, você é apenas uma criança. Isso virá para você, esse amor pela terra. Não há como escapar disso se você for irlandês.

Pai e filha aparecem em silhueta ao lado de uma árvore com um conjunto de galhos retorcidos e nodosos. A visão da câmera recuada mostra Tara e um céu colorido e flamejante do pôr do sol. A partitura musical de Max Steiner & quotTara's Theme & quot aumenta magnificamente.

Ellen Robillard O'Hara (Barbara O'Neil) volta para casa depois de atuar como parteira, voltando da cabeceira da "pobre lixeira" de sua supervisora ​​Emmy Slattery (Isabel Jewell), que acabou de dar à luz um bebê que morreu "misericordiosamente" . O feitor Jonas Wilkerson (Victor Jory) pergunta a ela quando ela desce da carruagem: & quot Terminamos de arar o fundo do riacho hoje. O que você quer que eu comece amanhã? & Quot Ellen recomenda ao marido que o superintendente seja demitido imediatamente (e ele é demitido na manhã seguinte).

A família O'Hara, em uma cena silenciosa semelhante à de uma igreja iluminada por velas trêmulas, oferece orações noturnas. Ainda chateada, Scarlett só consegue pensar em como prender Ashley: & quotAshley não sabe que eu o amo. Direi a ele que o amo e que ele não poderá se casar. & quot

Preparando-se para o churrasco da plantação vizinha Twelve Oaks no dia seguinte, sua astuta, protetora, tenaz e atrevida escrava Mammy (Hattie McDaniel) amarrou uma Scarlett vaidosa enquanto ela se agarrava a uma das colunas de sua cama de prova branca com babados. Mammy, que nunca se deixa enganar pelos ares e lágrimas de Scarlett, insiste que Scarlett coma a comida que ela e a empregada doméstica simplória Prissy (Butterfly McQueen) prepararam para ela: & quotVocê vai comer cada gole disso & quot; Mammy a repreende por escolher um verde - vestido de musselina estampado para usar que revela muita pele:

Você não pode mostrar seu peito antes das três horas.

Em vão, Mammy dá um sermão vigoroso em Scarlett: & quotSe você não se importa com o que as pessoas dizem sobre esta família, eu me importo. Eu já disse e disse que você sempre pode dizer a uma senhora, pelo jeito que ela come na frente das pessoas como um pássaro, e eu não pretendo que você vá até a casa do Sr. John Wilkes e coma como um ajudante de campo e devorar como um porco. & quot A resposta da cabeça dura de Scarlett é: & quotFiddle-dee-dee. & quot Scarlett acredita que Ashley aprovará seu apetite saudável, mas Mammy acha que ela também pode desistir de tirar Ashley de Melanie: & quotO que um cavalheiro diz e o que eles pensam são duas coisas diferentes. E não notei Mist 'Ashley pedindo em casamento com você. & Quot Depois que Mammy provou que ela estava errada, Scarlett se senta na escada de seu quarto enchendo a boca com & quotvittles & quot.

Carruagens param com os convidados em frente à plantação Twelve Oaks com pilares para o luxuoso churrasco de Wilkes - uma cena lindamente fotografada. Convidados em trajes requintados passeiam pelo gramado e dentro da vasta mansão, com um enorme corredor e uma ampla e elegante escadaria em curva dupla. A câmera segue Scarlett pela porta e pelo corredor onde ela cumprimenta o cavalheiro, idealista, erudito e sensível Ashley Wilkes, o estético filho mais velho do patriarca de Twelve Oaks, John Wilkes (Howard Hickman). Ashley e Scarlett também cumprimentam sua namorada, a tímida Melanie Hamilton (Olivia de Havilland), prima radiantemente bonita de Ashley. A calmamente encantadora e doce Melanie não é nada além de amorosa com Scarlett: “Sempre te admirei tanto. Eu gostaria de ser mais como você. & Quot

Scarlett cumprimenta dois outros cavalheiros (na verdade, seus futuros primeiro e segundo maridos), flertando descaradamente com o irmão fraco de Melanie, Charles Hamilton (Rand Brooks), pretendido namorado da prima India Wilkes (Alicia Rhett), uma das irmãs de Ashley e depois com bigode- enfrentou Frank Kennedy (Carroll Nye), namorado da própria irmã de Scarlett, Suellen (Evelyn Keyes).

[IMPORTANTE - ATENÇÃO: no romance de Margaret Mitchell, Charles Hamilton tem uma compreensão tácita do casamento com a prima Honey Wilkes, não com India Wilkes (que está noiva de Stuart Tarleton), antes de se apaixonar por Scarlett. Depois que Scarlett flerta com Charles, ele se apaixona perdidamente por ela. No churrasco, ela aceita a proposta de casamento de Charles e concorda em se casar com o homem apaixonado depois que Ashley a rejeita por Melanie, e depois de ser ridicularizada por Honey.]

Enquanto sobe a escada, Scarlett pede a uma de suas amigas, Cathleen Calvert (Marcella Martin), para identificar o "moreno" (de cabelos escuros e aparência diabólica) que está sozinho ao pé da escada. Scarlett ouviu: & quotMinha querida, você não sabe? Esse é Rhett Butler! Ele é de Charleston. Ele tem a mais terrível reputação. & Quot O arrojado e charmoso Rhett Butler (Clark Gable), em sua dramática entrada no filme, está vestido com um elegante terno preto - o personagem malandro troca um olhar frio e desafiador com Scarlett, atraído por sua beleza estonteante . Ela responde ao seu olhar sexualmente atraente enquanto ele a despia com os olhos: & quot Ele parece como se ... como se soubesse como eu sou sem meu shimmy. & Quot

Em silhueta, Ashley e Melanie se movem em direção às portas de vidro. Quando eles são abertos, o gramado é revelado do lado de fora repleto de ambientes festivos e convidados. Carinhosamente, Ashley, pálida e de pele branca, fala com ela: “Você parece pertencer a este lugar. Como se tudo tivesse sido imaginado para você. ”Melanie descreve o estilo sulista aristocrático em que está se casando:“ É mais do que uma casa. É um mundo totalmente novo que deseja apenas ser gracioso e belo. & Quot Nem mesmo a guerra prejudicará o amor de um pelo outro - ela promete: & quot Aconteça o que acontecer, amarei você como amo agora, até morrer. & Quot

No gramado de Twelve Oaks, Scarlett está cercada por rapazes interessados, mas não Ashley. Durante a soneca, a irmã de Scarlett, Suellen, brinca com ela sobre seu interesse romântico: & quotComo está Ashley hoje, Scarlett? Ele não parecia estar prestando muita atenção em você. & Quot Em um quarto do andar de cima, uma criança negra abana as jovens damas aristocráticas se espreguiçando para cochilar à tarde. Scarlett desce sorrateiramente e se esconde nas escadas, tentando encontrar um momento oportuno para falar com Ashley.

Há um debate acalorado entre os cavalheiros sobre a guerra, mencionando que George já se separou e Ft. Sumter foi disparado contra:

Já sofremos muitos insultos dos intrometidos ianques. É hora de fazê-los entender que manteremos nossos escravos com ou sem sua aprovação. Era o direito soberano do estado da Geórgia de se separar da União! [19 de janeiro de 1861]. O Sul deve se afirmar pela força das armas. Depois de dispararmos contra os patifes ianques em Ft. Sumter [12 de abril de 1861], temos que lutar! Não há outra maneira.

Sulistas empolgados e patrióticos prenunciam com orgulho uma vitória rápida, liderada por Gerald O'Hara: "Os ianques não podem lutar e nós podemos!" União sem guerra: & quotA maioria das misérias do mundo foram causadas por guerras. E, quando as guerras acabaram, ninguém sabia do que se tratavam. & Quot

A ovelha negra de uma boa família de Charleston, e expulso de West Point, Rhett expressa sua dissidência solitária das vozes otimistas. Ele discorda do patriotismo fervoroso dos confederados: “Acho que é difícil vencer uma guerra com palavras, senhores.Estou dizendo muito claramente que os Yankees estão mais bem equipados do que nós. Tudo o que temos é algodão, escravos e arrogância. & Quot Ele acredita realisticamente que a causa do Sul está fadada ao fracasso devido ao declínio gradual de recursos e à falta de indústria - ele estraga o entusiasmo de todos pela guerra:

Parece que estou estragando o conhaque, os charutos e os sonhos de vitória de todos.

Na famosa cena da biblioteca, Scarlett encurrala energicamente uma Ashley desinteressada e declara seu profundo amor por ele. Ele expressa um amor fraternal por ela:

Ashley: Não é o suficiente que você reuniu o coração de todos os outros hoje? Você sempre teve o meu. Você cortou seus dentes com isso.
Scarlett: Não me provoque agora. Eu tenho seu coração, minha querida? Eu amo Você. Eu amo Você.
Ashley: Você não deve dizer essas coisas. Você vai me odiar por ouvi-los.
Scarlett: Eu nunca poderia odiar você. E eu sei que você deve se preocupar comigo. Oh, você se importa, não é?
Ashley: Sim, eu me importo. Oh, não podemos ir embora e esquecer que já dissemos essas coisas?

Ashley deseja nunca ter declarado seu amor por ele. Ela fica rudemente assustada e magoada quando ele anuncia seu casamento com sua prima Melanie. Mas ele não quer machucá-la: & quotOh minha querida, por que você tem que me fazer dizer coisas que vão te machucar? Como posso fazer você entender? Você é tão jovem e irrefletido. Você não sabe o que o casamento significa. ”Ashley reafirma seu amor e afinidade com Melanie, uma mulher com uma natureza delicada e graciosa como a dele:“ Ela é como eu, Scarlett. Ela faz parte do meu sangue e nos entendemos. & Quot Com grande ardor e vitalidade, Scarlett não quer ouvir a verdade: & quotMas você me ama! & Quot

Ashley pensa que ama Scarlett, mas ele é extremamente fraco e inadequado em contraste com suas qualidades mais duras e implacáveis. Ele vicariamente inveja o gosto dela pela vida e, ao mesmo tempo, a acalma, expressando seu medo de se casar com ela:

Como eu poderia deixar de amar você - você que tem toda a paixão pela vida que me falta? Mas esse tipo de amor não é suficiente para fazer um casamento bem-sucedido para duas pessoas que são tão diferentes quanto nós.

Ela injustamente o culpa por tê-la enganado e então o esbofeteia: & quotEu vou odiar você até morrer. Não consigo pensar em nada ruim o suficiente para ligar para você. ”Sem mais discussão, Ashley sai da sala com dificuldade. Frustrada, ela joga um vaso contra o manto da lareira.

Scarlett fica surpresa, envergonhada e irritada ao ver Rhett Butler se levantar de seu esconderijo atrás do sofá - ele se diverte depois de ouvir toda a conversa Ashley-Scarlett e seus apelos importunos, comentando sarcasticamente: "A guerra começou?" conversas e encontros são típicos de todo o relacionamento no filme - um vínculo bem combinado, sexualmente elétrico, igualmente sem consciência, mas sempre tumultuosamente emparelhados. Rhett não quer interromper sua & quotbela cena de amor & quot, mas promete & quot manter seu segredo seguro & quot; Scarlett retribui:

Scarlett: Senhor, você não é um cavalheiro.
Rhett: E você, senhorita, não é uma dama. Não pense que eu tenho isso contra você. As mulheres nunca tiveram nenhum encanto para mim.

Ao som de & quotDixie & quot, um cavaleiro chega a Twelve Oaks com a notícia do advento da Guerra entre os Estados e o chamado de Lincoln para soldados voluntários lutarem contra a Confederação [15 de abril de 1861]. Os sulistas montam em seus cavalos para se alistar e se preparar para o conflito. Manipulativamente e rancorosamente (enquanto observa Melanie dar um beijo de despedida em Ashley), Scarlett aceita uma proposta de casamento impulsiva e impetuosa de Charles Hamilton, o irmão incolor e tímido de Melanie, e o rouba de seu namorado Honey Wilkes. [Veja a nota importante acima.]

Ela se casa por despeito e para impedir a crescente fofoca sobre seu óbvio interesse em Ashley. Charles e Scarlett, usando um vestido de seda cor de marfim, se casam na sala de Tara, um dia após o casamento de Melanie e Ashley. Charles (e Ashley) partirão em alguns dias para a guerra. Enquanto eles partem para a guerra, Charles interpreta mal as lágrimas de Scarlett: & quotNão chore, querida. A guerra terminará em algumas semanas, e então voltarei para procurá-lo. & Quot

Scarlett rapidamente se torna uma viúva relutante - Charles morre de pneumonia, após um ataque de sarampo em um campo de treinamento de guerra antes de chegar a qualquer frente de batalha. Impropriamente, Scarlett se opõe a usar roupas pretas de luto em memória de seu marido recentemente falecido e experimenta um gorro colorido. Ela reage à triste notícia, não vendo muito futuro para uma viúva jovem e atraente e não sentindo qualquer tristeza. Ela diz a mamãe:

Ela chora pela mãe, não pela perda do marido, mas por seu futuro enfadonho e a perspectiva de se vestir de preto: & quotMinha vida acabou. Nada vai acontecer mais comigo. & Quot Sua mãe a conforta: & quotÉ natural querer ter uma aparência jovem e ser jovem quando você é jovem. & Quot

Impaciente com a falta de vida em Tara, Scarlett tem a opção de visitar em Savannah ou em Atlanta. A obstinada Scarlett decide ir para Atlanta para morar com a frágil Melanie e ajudar a tia de Melanie & quotPittypat & quot Hamilton (Laura Hope Crews) a cuidar dela enquanto ela aguarda o nascimento de seu primeiro bebê. Mammy interpreta astuta e precisamente os reais motivos de Scarlett - estar mais perto de Ashley quando ele voltar de licença da guerra: & quotSavannah seria melhor para você. Você só terá problemas em Atlanta. Você sabe de que problema estou falando. Estou falando sobre o Sr. Ashley Wilkes. Ele estará vindo para Atlanta quando tiver sua licença - e você sentado lá esperando por ele como uma aranha. Ele pertence à Srta. Melanie. & quot


Old Hollywood Filmes

Quando descobri que você tinha escolhido essa frase, fiquei tão animado que alguém a escolheu! ADOREI que você escrevesse esta famosa citação - você realmente a explicou minuciosamente e é incrível que Selznick conseguiu o que queria com a citação! Agradeço muito a sua participação e espero que participemos das blogatonas uns dos outros no futuro! -Emily

Obrigado por hospedar. Foi uma ótima ideia para uma blogatona e gostei muito do artigo. Tenho certeza de que nos encontraremos novamente em blogatonas no futuro.

Isso deve ser lido, eu realmente gostei de escrever o artigo. Haven ainda não tomou café :)

Você está simplificando demais. Selznick ameaçou retirar-se do Código - a única coisa que o escritório da Hays entendeu foi sua possível perda de poder. Se Selznick estava falando sério ou não, apenas essa ameaça era o suficiente. Acho que ele pagou $ 5000 & quotfine & quot para que todos parecessem bem.

Certamente simplifiquei um processo muito complicado apenas para facilitar a leitura.

No entanto, meu entendimento do que aconteceu, que vem de um livro chamado Dame in a Kimono, é um pouco diferente do seu. Selznick nunca ameaçou diretamente o escritório da Hays sobre a saída, mas discutiu o assunto com seu parceiro de negócios, Jock Whitney, e vários outros produtores (o escritório da Hays certamente teria descoberto o que ele disse, mas esta foi apenas uma das várias táticas que Selznick usou ) O escritório da Hays também nunca desistiu do uso da palavra "maldição". Foi a Motion Picture Association, responsável pelo conteúdo do Motion Picture Production Code, que mudou as regras conforme declarei no artigo. Selznick e Hays compareceram perante os membros do conselho da MPA em 1º de novembro para discutir seus casos e Selznick, que tinha muitos contatos na indústria do cinema, ganhou o dia. O livro chamou a multa de US $ 5.000 de "lenda".


Culver Studios antes da Amazon

Era uma noite fria de sábado em 10 de dezembro de 1938. Quarenta Acres, o lendário backlot de Culver Studios, então conhecido como Selznick International Studios, estava em chamas. O incêndio não foi uma emergência, mas um incêndio planejado sendo filmado por vários cinegrafistas, uma reconstituição do incêndio de Atlanta durante a Guerra Civil. A filmagem da cena icônica deu início à produção da adaptação do produtor David O. Selznick de E o Vento Levou. Enquanto os cenários ao ar livre queimavam até o chão, Selznick assistia ao espetáculo emocionante com admiração. Mal sabia ele, a noite reservava mais surpresas.

Antes de Vivien Leigh chegar ao set para ver as filmagens do Burning of Atlanta, Selznick nunca a tinha visto, o produtor lembrou décadas depois. “As chamas estavam iluminando seu rosto. Dei uma olhada e soube que ela estava certa. ”

Nem todos ficaram tão satisfeitos com os acontecimentos da noite. De acordo com O Atlantico'S Gavin Lambert, nos arredores de Culver City, alguns moradores em pânico com as chamas decolaram em direção ao deserto. Mas a maioria não ficou surpresa. Mesmo antes de sua incorporação oficial em 1917, Culver City era uma cidade cinematográfica repleta de imagens e sons do cinema.

À medida que a cidade entra em seu segundo século, ela continua a ser um centro de entretenimento, com o Amazon Studios lentamente assumindo e expandindo o Culver Studios.

Desde o início, o fundador Harry Culver cortejou a nascente indústria cinematográfica. Ele tinha “essa visão em mente de ter uma comunidade que fosse autossuficiente, que eventualmente não faria parte de Los Angeles, mas se anexaria de LA e se tornaria uma cidade incorporada”, disse Hope Parrish, presidente da Sociedade Histórica de Culver City .

Já em 1915, Culver decidiu atrair o pioneiro do cinema Thomas K. Ince para sua nova comunidade. Charmoso, bonito e brilhante, Ince foi um verdadeiro homem renascentista, produtor, roteirista, ator e revolucionário chefe de estúdio. Em seu estúdio Inceville, na esquina da Pacific Coast Highway e Sunset Boulevard, Ince organizou o primeiro estúdio moderno, empregando cerca de 700 pessoas.

Cansado de trabalhar em condições precárias à beira-mar e na lama das ruas não pavimentadas que levavam a Inceville, Ince era um alvo fácil. Em setembro de 1915, ele concordou em transferir suas operações para o Washington Boulevard em Culver City. o Los Angeles Times relataram que Culver City foi selecionada por causa de sua localização "no meio do caminho entre Los Angeles e os centros das praias, bem como sua proximidade com os contrafortes".

Ao longo dos primeiros anos de Culver City, os estúdios de cinema forneceram a base econômica para a área. Departamento de Arquivos e Coleções Especiais, Biblioteca William H. Hannon, Loyola Marymount University

A nova fábrica de quadros de Culver City, com colunas do renascimento grego na fachada, foi batizada de Triangle Studio. Não foi a casa de Ince por muito tempo. Sempre um rebelde rebelde, Ince se lançou por conta própria em 1918. O Triangle Studio acabou se tornando o Metro Goldwyn Mayer, e hoje é o lote da Sony.

“Ele voltou para Harry Culver”, diz Parrish. “Ele disse:‘ Ei, ouça, preciso de outro pedaço de propriedade porque quero começar meu próprio estúdio ’.” O lote que Ince decidiu era de 11 acres não urbanizados em Washington Boulevard.

“Mais de dois anos atrás, descobri a vantagem de Culver City para um estúdio local”, disse Ince ao Los Angeles Times. “Tive uma experiência de mais de cinco anos à beira do oceano, e quantos cabelos brancos eu tenho foram causados ​​pela preocupação que acompanha a dificuldade financeira de ter que ficar sentado ocioso com centenas de jogadores caros em minhas mãos, esperando pelo pesado nevoeiro para limpar. O Sr. Culver me mostrou relatórios meteorológicos do governo relativos a Culver City e vários outros lugares dentro e ao redor de Los Angeles, mais doze dias úteis por ano foi a exibição de Culver City, e cheguei à conclusão de que era o local ideal para o movimento - estúdios de fotografia como eu quero construir. ”

A construção logo começou no estúdio de $ 250.000, construído pela empresa de Meyer and Holler. Havia três gigantescos palcos de som de vidro de última geração, quartos de propriedade, camarins, salas de projeção de imagens, uma usina elétrica, carpintarias e uma grande piscina para ser usada para fotografar cenas do oceano, recreação dos funcionários e para proteção contra incêndios.

O que causou mais comentários foi o imponente edifício principal da administração em frente ao Washington Boulevard, construído no estilo do Mount Vernon de George Washington. Uma estrutura irregular de madeira branca colonial do sul, porém graciosa, com fachada de janelas perfeitamente simétricas e colunas elegantes, cheirava às pretensões da Costa Leste. Foi uma declaração de status e poder de permanência.

De acordo com Estúdios de cinema de Culver City, o prédio da administração foi apelidado de “A Mansão”. Ince usaria o prédio como um símbolo em materiais promocionais, sob o banner “A Casa Branca do Drama Silencioso”. No interior, seu escritório no segundo andar incluía uma “sala de barcos do galeão”, que foi modelada no interior do Edris, seu iate premiado.

O Thomas H. Ince Studio foi inaugurado oficialmente em 12 de janeiro de 1919. “O prédio administrativo esconde de frente uma das mais modernas e bem equipadas fábricas de fotografia do mundo, e os dois maiores estágios de photoplay existentes”, o Los Angeles Times relatado. “A nova fábrica foi equipada com todas as conveniências modernas para fazer fotos com eficiência e rapidez.”

Culver Studios, por volta de 1925. Os estúdios reais estão localizados atrás do "The Mansion". Culver City ainda era rural na época em que um pomar fica em frente ao estúdio à esquerda. Coleção de fotos da biblioteca pública de Los Angeles

Ince continuou a trabalhar em um ritmo alucinante no novo estúdio, com a ajuda de sua esposa, Elinor. Ele e sua esposa trabalharam duro no estúdio, e há fotos deles sentados à mesa da cozinha trabalhando nas coisas ”, diz a historiadora de Culver City Julie Lugo Cerra, autora de Estúdios de cinema de Culver City e Crônicas da cidade de Culver. “Eles estavam em uma parceria que realmente juntou todas essas coisas. ”

Mas o mandato de Ince em seu estúdio dos sonhos seria de curta duração. Já sofrendo de uma doença cardíaca, ele morreu aos 42 anos em 19 de novembro de 1924, depois de participar de uma festa de iate organizada pelo magnata das publicações William Randolph Hearst e sua amante, a estrela de cinema Marion Davies.

Elinor Ince manteve o estúdio aberto por um ano, mas em 1925, ele foi vendido para outro magnata e inovador do cinema, o produtor e diretor Cecil B. DeMille. Em 26 de fevereiro, em um evento com a presença de Harry Culver e o chefe da MGM, Louis B. Mayer, DeMille recebeu oficialmente as chaves do estúdio. De acordo com Los Angeles Times DeMille dedicou seu tempo para homenagear Ince, um “homem que teve a visão de se elevar de um barraco engraçado na praia de Santa Monica a esta estrutura”.

DeMille construiria muitos cenários de grande escala no que veio a ser conhecido como Forty Acres, o backlot de 25 acres do estúdio. Isso incluiu uma recriação massiva das ruas de Jerusalém para seu filme Rei dos Reis. Após uma série de decepções de bilheteria, DeMille perdeu o controle do estúdio. Eventualmente, caiu nas mãos da RKO, que se fundiu com a Pathe, tornando-se RKO / Pathe no início dos anos 1930. Foi nessa época, em 1933, que King Kong foi filmado no lote.

David O. Selznick começou a alugar o estúdio em 1937. Aqui, Alfred Hitchcock, com o roteiro debaixo do braço, caminha com a futura roteirista Joan Harrison. Foto de Peter Stackpole / The LIFE Picture Collection via Getty Images

A RKO / Pathe freqüentemente alugava o estúdio e, em fevereiro de 1937, o estúdio agora de 60 acres foi alugado para o bombástico e brilhante produtor independente David O. Selznick. Selznick rapidamente fez de The Mansion sua sede, pendurando uma grande foto de seu pai, Lewis, um dos primeiros pioneiros do cinema que seu filho sentiu que tinha sido maltratado pelo negócio, sobre sua mesa.

Quando Selznick abriu uma loja em Culver City, ela realmente se tornou a capital mundial do cinema, agora lar dos Selznick International Studios, MGM e Hal Roach Pictures. De acordo com o então presidente da Câmara de Comércio, Blaine Walker, embora 60 por cento de todos os filmes feitos em LA tenham sido feitos em Culver City, os filmes da época terminavam com a frase "Feito em Hollywood". O slogan enfureceu os orgulhosos residentes de Culver City. A comunidade ameaçou mudar seu nome para Hollywood, antes de se comprometer, simplesmente adicionando “Made in Culver City” ao final de todas as fotos produzidas lá. Produzido por Selznick O prisioneiro de Zenda foi o primeiro filme a ostentar com orgulho o selo.

O novo reconhecimento veio não muito cedo, pois nos três anos seguintes, dois dos filmes mais famosos e aclamados pela crítica de todos os tempos seriam filmados no estúdio Selznick. O primeiro, E o Vento Levou, começou com o hasteamento da bandeira da Confederação no gramado em frente à Mansão.

Foi por sugestão do gerente de produção Raymond Klune que Selznick decidiu usar conjuntos reais no backlot, incluindo aqueles de Rei dos Reis e King Kong, para a queima de Atlanta. “Conjuntos antigos receberam frentes falsas e novos perfis para simular edifícios do período”, escreve o historiador de Selznick Rudy Behimer em Memo de David O. Selznick. “Sete câmeras coloridas fotografaram duplas para os personagens de Rhett e Scarlett em planos médios e longos contra o fundo do fogo. Foi necessário filmar essa sequência antes do início da produção real para limpar a área e permitir a construção do cenário externo de Tara, seções de Atlanta e vários outros exteriores para serem usados ​​durante o curso das filmagens. ”

O incêndio no backlot abriu caminho para a lendária Tara, casa da família de Scarlett O’Hara. O conjunto icônico apresentava paisagismo projetado pela pioneira arquiteta paisagista Florence Yoch. Selznick não ficou feliz com o conjunto final de Tara e, mais tarde, escreveu que gostaria de ter usado uma casa de fazenda de verdade no sul.

o King Kong a produção não tinha dinheiro para viajar para a África, então a Ilha da Caveira foi recriada por RKO no lote. Na realidade, Kong era apenas “uma marionete de 18 polegadas”. Getty Images

Embora o cenário de Tara tenha sido demolido décadas atrás, persiste a lenda de que era na verdade a Mansão. “As pessoas sempre olham para a frente dos Culver Studios e para The Mansion e pensam que E o Vento Levou foi filmado lá ”, diz Lugo Cerra. No entanto, aquela não era a mansão em E o Vento Levou. Mas todo mundo se lembra disso porque era um lançamento de Selznick, e o logotipo de Selznick apresentava uma foto da Mansão.

Enquanto E o Vento Levou a febre consumia o país, outro gênio excitável e bombástico estava fazendo história no cinema no lote de Selznick.Orson Welles estava dirigindo e estrelando Cidadão Kane, uma queda velada de William Randolph Hearst. Com sua trupe de jovens atores entusiasmados do Mercury Theatre, Welles filmou partes do segmento do noticiário do filme em Forty Acres.

“Havia uma grande parte de trás e, conforme íamos de um lugar para outro, dizíamos: 'Bem, vamos pegar o trem e me fazer com Teddy Roosevelt' ou quem quer que seja”, Welles chamado de volta ao diretor Peter Bogdanovich em Este é Orson Welles. “Foi tudo meio improvisado - todas as coisas do noticiário. Foi muito divertido fazer isso. ”

Nos próximos 10 anos, muitos filmes importantes, incluindo Uma estrela nasce, Intermezzo, Rebecca, Fascinado, The Magnificent Ambersons, Retrato de Jennie, e Duelo ao sol seria filmado no Selznick International Studios.

O estúdio foi eventualmente adquirido pela RKO, antes que o excêntrico proprietário Howard Hughes (que dizem que já patinou no The Mansion) o vendeu para a General Tire. Em novembro de 1957, Desilu, propriedade do casal de ouro da TV Lucille Ball e Desi Arnaz, comprou o estúdio por US $ 6 milhões. Ao longo do meio século seguinte, ele passaria por um número surpreendente de proprietários, oficialmente renomeado para The Culver City Studios em 1970.

Apesar da mudança constante de proprietários, o lote seria utilizado para produções de programas de TV famosos, incluindo Lassie, Jornada nas Estrelas, e The Andy Griffith Show, empregando muitos residentes de Culver City.

Lugo Cerra, que cresceu em Culver City, onde seu pai era chefe de polícia, lembra que muitos alunos tratavam o estúdio como um playground gigante. “Todos os meus amigos, todas as crianças por ali, estavam sempre escalando paredes para ir e ver”, diz Lugo Cerra. “Era um lugar onde quase todo mundo na cidade tinha entrado ilegalmente.

O estúdio sempre se esforçou muito para ser um bom vizinho, diz ela. “Um dos vizinhos ligou e ficou muito chateado com o fato de que [o barulho no estacionamento] estava perturbando seu bairro tranquilo e agradável”, diz Lugo Cerra. “O sujeito que atendeu o telefone, cujo nome eu não sei, disse: 'Você poderia vir um minuto?' E então o vizinho veio e o levou para o palco e abriu o porta, e os Beatles estavam praticando! ”

A mansão em 2012. Ela já serviu como logotipo de abertura para todos os filmes de David O. Selznick. Foto de Bret Hartman para o The Washington Post via Getty Images

O presidente da sociedade histórica Parrish, um mestre de adereços aposentado, é um nativo de Culver City cuja origem deixaria Harry Culver orgulhoso. Os dois avós dela trabalharam na indústria cinematográfica, assim como o pai e a prima. “Crescendo em Culver City, sempre digo às pessoas que você trabalhou na Hughes Aircraft ou no estúdio.”

O pai de Parrish, Dennis, abriu o Hand Prop Room no Culver City Studios Lot em 1974. Então, um jovem adolescente, Parrish se lembra de correr pelo terreno amigável e descontraído de aluguel, explorando um antigo palco que estava cheio de objetos antigos. “Era como esse grande depósito de armazenamento”, lembra Parrish. "E havia uma grande altura, para mim era como um urso polar branco de 2,5 metros de altura que, eu juro para você, era aquele do Família Addams. E caminhando por este armazém, eu encontraria todos os tipos de coisas. E eu tinha saído tão sujo e você podia ouvir o estalar do cocô de pombo sob seus pés que estiveram lá por anos e anos. "

Décadas depois, Lugo Serra, agora também uma dona de hélice, estava trabalhando no lote Mighty Joe Young. Ela e um produtor ligado aos atuais proprietários do estúdio estavam conversando sobre suas façanhas adolescentes no antigo palco. “Ele disse: 'Bem, você não vai acreditar no que descobrimos quando eles estavam se preparando para demolir aquele palco'. Parrish relembra“ E ele disse: 'Nós realmente conseguimos.' 'Ele disse:' Rosebud '. Eu disse:' Você está brincando comigo? Havia um botão de rosa naquele armazém? 'Ele disse,' Sim '. Fiquei chocado! "

O “Rosebud” era o famoso trenó (desculpe, spoiler) em Cidadão Kane. Aparentemente, um dos suportes do trenó foi deixado no armazém, esquecido, décadas antes.

Em 1991, a Sony Pictures Entertainment comprou o estúdio. Durante seus filmes, incluindo Armagedom, Legalmente Loirae, e O Matrix foram baleados lá. Em 2004, ela vendeu o estúdio enfermo e desatualizado (agora sem Forty Acres, que havia sido subdividido) para Studio City, em Los Angeles.

Em 2014, a Hackman Capital Partners comprou o estúdio agora de 14 acres. Três anos depois, anunciou um projeto de US $ 600 milhões para transformar o estúdio até 2021, acrescentando sete novos edifícios em preparação para os estúdios da Amazon, que assinaram um contrato de arrendamento de 15 anos. Criando cavernas covas de construção em todo o local, o lote agora é um emaranhado de vigas de metal e concreto derramado, sugerindo os estágios de última geração e os estúdios de design que estão por vir.

Hackman não retornou vários pedidos de entrevista. Para os historiadores da cidade, este novo capítulo na história do lendário lote foi recebido com aprovação cautelosa.

“É meio difícil interromper o crescimento hoje”, diz Parrish. “E quando você tem alguém que é Michael Hackman e Hackman Partners que vem à cidade e começa a falar com todos nós, e ele é muito, muito agradável e muito acessível. E ele deu uma festinha para nós na época do Natal, há alguns anos, e disse: ‘Preciso da sua ajuda para ir ao conselho explicar o que queremos fazer aqui’ ”.

A sociedade histórica decidiu apoiar o novo plano, mas com reservas. “A única pessoa que gosta de mudança é um bebê molhado”, diz Lugo Serra, que trabalhou brevemente com Hackman. “Todos nós temos que nos acostumar com isso.”

Parrish concorda. “Fico aterrorizada ao ver essas grandes estruturas de aço surgindo naquele lote agora”, diz ela. “Mas se for feito com caráter e bom gosto, e pensamento, você sabe, se eles tiverem uma maneira cuidadosa de colocar tudo junto, e eles forem muito bons com os vizinhos, basicamente. Eles são muito visíveis em nossas reuniões do Conselho Municipal. Então, quero dizer, eu sinto que você tem que apoiar isso. ”

Há também o conhecimento de que novas mídias como a Amazon são o futuro. “A maior parte da minha carreira foi com celulóide. E então fomos para o digital. E eles não precisam do tipo de palco sonoro que tínhamos ”, explica Parrish. “Eles preferem alugar, sair do estado, fazer os incentivos fiscais em outro lugar.”

Na unida Culver City, a chegada de gigantes da nova mídia como Amazon, Beats, HBO e Maker Studios - juntando-se a robustos como a Sony - significa que a pequena comunidade que Harry Culver fundou em 1917 vive para lutar outro dia. “Estou feliz que eles escolheram Culver City”, diz Parrish. “Santa Monica poderia ter ficado com eles, Beverly Hills, o Valley. E é bom ver uma cidade que sempre foi baseada na indústria do cinema ter o mesmo tipo de energia com as novas mídias. Tê-lo de volta aqui de novo ... há muita empolgação. ”

Correção:Uma versão anterior desta história afirmava erroneamente que o Burning of Atlanta foi filmado em 1937 no Culver Studios backlot. Era 1938.


Enquanto muitos vão dar a coroa de todos os tempos de bilheteria para nomes como "Avatar" ou "Titanic", o filme de maior bilheteria - levando-se em consideração a inflação - é o épico de guerra de Victor Fleming de 1939, "E o Vento Levou".

"E o Vento Levou" não é apenas um clássico da época de ouro de Hollywood - é um filme que gerou inúmeros especiais de TV, atrações turísticas e invejáveis ​​bilheterias.

Enquanto celebramos o jubileu de diamante do filme, veja como "E o Vento Levou" se tornou um dos filmes favoritos da América.

"O maior entretenimento de tela de todos os tempos!"

Quando "E o Vento Levou" estreou em 15 de dezembro de 1939, os presentes no Loews Grand Theatre de Atlanta não poderiam ter previsto o quão popular o filme se tornaria.

Ao contabilizar a inflação, "E o Vento Levou" arrecadou incríveis US $ 1,6 bilhão nas bilheterias nacionais.

Para John Wiley Jr., autor de "As Cartas de Scarlett: A Realização do Filme E o Vento Levou", a popularidade do filme resultou de seu espetáculo na tela de prata.

"É Hollywood em seu hollywoodista", disse Wiley. “A cinematografia, o fato de ser em tecnicolor, as performances, a música, os figurinos. a filme icônico da história de Hollywood. "

Vivien Leigh ganhou um Oscar por sua atuação como Scarlett O'Hara.

Wiley acrescentou que a popularidade do livro best-seller de Margaret Mitchell de 1936 e a íntima história de amor do filme na Guerra Civil entre Rhett Butler de Clark Gable e Scarlett O'Hara de Vivien Leigh foram outros fatores que atraíram o público em massa.

O filme de US $ 1,6 bilhão supera outros clássicos da lista de todos os tempos, como "Star Wars" e "The Sound of Music". Ele também está no topo do atual filme # 1, "Avatar" de James Cameron, que vem em # 14 quando se ajusta aos preços inflacionados dos ingressos.

Especiais de TV e Ted Turner

Embora seus números de bilheteria possam ser surpreendentes, a primeira exibição do filme na televisão também foi impressionante.

Quando a NBC transmitiu o filme pela primeira vez em 1976, um recorde de 47% dos lares americanos sintonizou. Como o tempo de execução do filme chega a quase quatro horas, a rede teve que dividi-lo em duas noites.

E em sua segunda noite, "Gone With the Wind" manteve seu recorde de audiência.

O filme acabou sendo comprado pelo fundador da CNN, Ted Turner, que adquiriu os direitos do filme da CBS em 1987.

“Isso é ótimo. Agora temos os direitos televisivos do melhor filme já feito ", disse Turner na época.

Turner, um ávido fã do filme, faria mais tarde "E o Vento Levou" o primeiro filme exibido em sua rede "Turner Classic Movies" quando foi lançado em 1994. (Esse canal é propriedade da Time Warner, que também é dona desta web local.)

Mais de 33 milhões de famílias sintonizaram para assistir "E o Vento Levou" em 1976.

Francamente, ainda nos importamos

Ao longo de seus 75 anos, "E o Vento Levou" recebeu elogios e polêmica.

O retrato da escravidão no filme, junto com uma cena que envolve o que muitos consideram ser estupro conjugal, foram examinados por críticos e fãs.

No entanto, continua sempre popular. Na verdade, o filme se tornou uma espécie de atração turística. Estima-se que 33.000 visitantes por ano vão à Margaret Mitchell House, em Atlanta, para ver cenários, memorabilia e artefatos do filme.

O filme também se tornou um evento geracional para famílias, amantes do cinema e fãs, mostrando que mesmo depois de três quartos de século, muitos ainda se importam com "E o Vento Levou".


& # 8220Gone With the Wind & # 8221 Mansion definida para leilão & # 8211 Dê uma olhada por dentro

A mansão da Geórgia que inspirou uma das casas em E o Vento Levou será leiloado no final de julho de 2019. Twelve Oaks é o nome da casa de fazenda da família Wilkes no romance, e a aristocrática Ashley Wilkes é o homem pelo qual Scarlett O & # 8217Hara fica obcecada há anos, para desgosto de Rhett Butler .

Construída em 1836, esta mansão do sul & # 8220Gone With the Wind & # 8221 em Covington, originalmente chamada de Harris Plantation, foi nomeada um dos 10 principais locais Antebellum na Geórgia e está no Registro Nacional. Enquanto o romance estava sendo adaptado, a autora Margaret Mitchell teria visto uma foto da casa no Atlanta Journal, e enviou um recorte para a equipe de produção do filme & # 8217s com uma nota manuscrita dizendo: "Gosto disso para a casa de Ashley."

Doze Oaks ao crepúsculo. Cortesia da Target Auctions

Eventualmente chamada de Twelve Oaks, sua encarnação mais recente foi como uma pousada e um espaço para eventos. & # 8220A mansão imponente coberta por pilares brancos possui mais de 10.000 pés quadrados de espaço renovado - mais de US $ 2 milhões foram gastos consertando-a recentemente, de acordo com um comunicado de imprensa emitido pela Target Auction, a empresa que supervisiona a venda. & # 8221

Hall de entrada. Cortesia da Target Auctions

Cortesia da Target Auctions

Hoje relatado, & # 8220Quanto ao motivo de eles & # 8217 estarem vendendo a propriedade, o atual proprietário explicou em um comunicado: & # 8216 Sentimos que cumprimos o que nos propusemos a fazer e estamos prontos para começar uma nova aventura. & # 8217 & # 8220O leilão ao vivo ocorrerá na propriedade em 25 de julho.

De acordo com o Target Auction, & # 8220There são 12 grandes quartos e 12 1/2 banheiros luxuosos, juntamente com uma grande sala de jantar, sala de estar, jantar informal e áreas de estar e a cozinha dos sonhos de um chef. Um dos banheiros inclui um chuveiro de luxo antigo muito raro que é um dos únicos no mundo. Há duas banheiras que custam mais de US $ 14.000 cada & # 8230 A propriedade fica em mais de 3 hectares de jardins com piscina, gazebo e pérgula e com uma casa de carruagem histórica para 4 carros. & # 8221

Sala de jantar. Cortesia da Target Auctions

Salão. Cortesia da Target Auctions

Sala de estar. Cortesia da Target Auctions

Covington, a 35 milhas de Atlanta, é conhecida como a Hollywood do Sul. Mais de 125 filmes e programas de TV foram filmados por lá e nos arredores. Inside the Twelve Oaks & # 8220Gone With the Wind & # 8221 mansão são quatro reproduções dos vestidos de Scarlett (Vivien Leigh) do filme, bem como dois dos ternos de Rhett (Clark Gable).

De acordo com o site de Twelve Oaks, o juiz John Harris a construiu como sua casa geminada em 1836. & # 8220Ele possuía uma grande plantação perto de Covington que foi roubada por tropas federais em 1864 quando eles estavam começando a marcha de Sherman para o mar & # 8221 disse o site. & # 8220O Atlanta History Center tem entradas de diário de Sherman e Harris descrevendo detalhes da estadia de trinta dias de Sherman na Harris Plantation. & # 8221

Cozinha. Cortesia da Target Auctions

Cozinha. Cortesia da Target Auctions

Banheiro Master. Cortesia da Target Auctions

Banheiro Master. Cortesia da Target Auctions

Após a Guerra Civil, Robert Franklin Wright comprou a propriedade por US $ 1.000 e chamou-a de The Cedars. A família remodelou o interior e acrescentou um jardim de buxo na parte de trás da mansão. Em 1903, eles venderam a casa para Nathanial S. Turner, um corretor de algodão que era dono da Covington Mills. A casa acabou adquirindo um novo nome, Whitehall. No entanto, a casa caiu em ruínas na década de 1930.

Suíte master. Cortesia da Target Auctions

Salvatore Study. Cortesia da Target Auctions

Quarto. Cortesia da Target Auctions

Suíte Grand Katherine & # 8217s. Cortesia da Target Auctions

Magnolia Spa Suite. Cortesia da Target Auctions

Quarto. Cortesia da Target Auctions

Suíte Grand Cannonball Run. Cortesia da Target Auctions

Na década de 1940, após a produção do filme E o Vento Levou, a mansão e toda a área de Covington se tornaram uma atração para os turistas. Um artigo publicado na época dizia: & # 8220As belas casas antigas de Covington foram abertas ao público pela primeira vez em 1948 para uma excursão patrocinada pelo Covington Garden Club ... Mais de 2.500 realmente desceram sobre a pequena cidade & # 8230Polícia tentou em vão lidar com o inchaço constante maré que despejou ... de todas as direções. Os visitantes vieram de lugares distantes como Nova York e Califórnia. Um antiquário expressou surpresa com as belas casas e seus belos móveis. & # 8221

Sacada. Cortesia da Target Auctions

Área de piscina. Cortesia da Target Auctions

Embora a casa Harris Plantation e outras mansões Deep South tenham inspirado Margaret Mitchell e as fotos tenham sido usadas como guias, nenhuma cena do filme clássico foi realmente filmada na Geórgia. Foi filmado no que então era o Selznick International Studios e em outras locações perto de Los Angeles. O famoso churrasco em Twelve Oaks aproveitou o antigo Busch Gardens em Pasadena, uma propriedade construída pela família cervejeira Busch. Remanescentes do paisagismo ainda podem ser vistos nos jardins das casas ao redor do Arroyo Boulevard, entre a rua Bellefontaine e a Madeline Drive & # 8211, os jardins também ocuparam os terrenos de & # 8220Xanadu & # 8221 em Citizen Kane.

Architectural Digest escreveu, & # 8220Embora E o Vento Levou foi filmado em um set, Twelve Oaks serviu como local de filmagem para outras produções, incluindo Diários de um vampiro, Tyler Perry & # 8217s The Family That Preys, e Halloween II.


LOVEJOY, Geórgia - Foi uma história para séculos - e 75 anos depois de "E o Vento Levou" ter feito sua estreia, ainda está atraindo o público para um lugar improvável.

Segunda-feira marcará três quartos de século desde a estreia do filme clássico, mais tarde ganhando 10 Oscars e imortalizando aquela cena quando Rhett se volta para Scarlett e profere aquelas palavras de despedida inesquecíveis: "Francamente, minha querida, eu não dou a mínima. "

Mas, todos aqueles anos atrás, enquanto os espectadores assistiam Scarlett prometer voltar para casa, poucos teriam imaginado o que seria daquele precioso lar, Tara.

Agora, em uma manhã fria do lado de fora de um velho celeiro de laticínios ao sul de Atlanta, o historiador Peter Bonner exibe com orgulho uma das peças mais icônicas do cinema americano.

À sua maneira, ele está tentando restaurar uma das fachadas mais famosas de todos os tempos.

"Bem-vindo a Tara!" ele grita em um alegre sotaque sulista.

Afinal, Tara não era um lar de verdade - apenas um cenário externo de Hollywood. (Bonner brinca que não é surpreendente, já que a maioria das pessoas em Hollywood é falsa, de qualquer maneira.) A fachada foi construída na Califórnia em 1939. Ela ficou em um lote de cinema por 20 anos antes que o dono do estúdio Desi Arnaz a demolisse e vendesse as peças.

Uma empresa da Geórgia esperava transformá-lo em uma atração turística - mas os planos fracassaram. Finalmente, Betty Talmadge, esposa do senador Herman Talmadge, comprou a fachada por US $ 5.000 em 1979, disse Bonner. Desde que ela morreu, em 2005, as peças permanecem intactas no estábulo de laticínios.


35 curiosidades sobre E o vento levou

O diretor original de E o Vento Levou foi George Cukor, que passou mais de dois anos planejando e desenvolvendo o filme. No entanto, houve um atrito no set quando se tornou público que Cukor era gay.Clark Gable (Rhett Butler) expressou preocupação em trabalhar com Cukor por uma variedade de razões ... uma sendo que o próprio Gable tinha sido um vigarista homossexual em sua juventude e não queria que Cukor o expusesse ... a outra sendo que Cukor tinha uma reputação fazer “filmes de mulher” e, portanto, Gable perderia os holofotes. Seja qual for o motivo, Cukor não foi o único a andar. O filme, na verdade, teve três diretores ao longo de sua produção (Cukor filmou 18 dias, Victor Fleming filmou 93 e Sam Wood filmou 24).

Leslie Howard (Ashley Wilkes) absolutamente odiou seu papel no filme. Ele sentia que seu corpo esguio de 40 anos não era crível como um belo rapaz de 21 anos, como Ashley deveria ser. Ele sentiu que “não era nem de perto bonito ou jovem o suficiente para interpretar Ashley”.

O produtor David Selznick queria nada menos que 2.500 figurantes caídos no chão, retratando os soldados confederados mortos e feridos no final da guerra. No entanto, o Screen Actors Guild tinha apenas 1.500 para oferecer na época. Portanto, Selznick encomendou 1.000 bonecos para completar a cena.

Foram necessários 16 escritores diferentes para tornar o roteiro uma duração viável.

Selznick usou todas as 7 câmeras Technicolor existentes para a filmagem de E o Vento Levou.

A autora Margaret Mitchell começou a escrever E o Vento Levou fora do tédio. Ela estava se recuperando de uma lesão quando decidiu se envolver por escrito. Seu projeto levaria 10 anos para ser concluído. Você não está sozinho, Conseguiu fãs!

O pistoleiro do Velho Oeste Doc Holliday era primo de Mitchell ... e muitos acreditam que ele foi a inspiração para o personagem de Ashley Wilkes.

Estima-se que se Selznick incluiu todos os diálogos do livro no filme, E o Vento Levou seria cerca de 168 horas de duração!

Selznick comprou os direitos do filme de Mitchell por $ 50.000. Na época, foi o preço mais alto já pago por um primeiro romance.

O romance E o Vento Levou tinha sido um best-seller fenomenal em seu lançamento ... e o filme foi muito aguardado. Mais de 1 milhão de pessoas foram a Atlanta para testemunhar a estreia do filme. O governador da Geórgia declarou o dia feriado estadual e o prefeito de Atlanta organizou três dias de desfiles e festas.

Os participantes da estreia incluíram os Vanderbilts, os Rockerfellers, os Astors, J.P. Morgan e todos os governadores do que costumava ser a Confederação.

Na verdade, havia mais pessoas na estreia de E o Vento Levou do que em Atlanta, no auge da Guerra Civil.

O título E o Vento Levou vem do poema “Cynara!” por Ernest Dowson.

Meio milhão de pés de filme foram rodados para este filme de quase 4 horas. Ele foi reduzido para apenas 20.000 pés no final.

Cerca de 1.100 cavalos foram usados ​​na produção deste filme ... ah, antes da CGI ...

E o Vento Levou foi o primeiro filme a receber mais de cinco Oscars, recebendo oito Oscars regulares e dois especiais. O recorde durou 20 anos até Ben-Hur ganhou 11 em 1959.

Entre seus elogios, E o Vento Levou levou para casa Melhor Filme, Melhor Diretor, Melhor Roteiro Adaptado, Melhor Atriz, Melhor Atriz Coadjuvante, Melhor Fotografia, Melhor Decoração de Cenário e Melhor Edição. Tanto Clark Gable quanto Olivia de Havilland (Melanie Hamilton) foram indicados, mas perderam suas categorias.

Hattie McDaniel (Mammy) se tornou a primeira atriz negra a ganhar um Oscar por seu papel no filme, no entanto, ela e seus colegas atores negros foram proibidos de comparecer à estreia do filme em Atlanta.

Cerca de 1.400 candidatos foram entrevistados para o papel de Scarlett e, desses, apenas 90 fizeram testes de tela. Selznick tinha Katharine Hepburn como sua favorita, mas no final achou que ela não era sexy o suficiente para o papel.

Incapaz de tomar uma decisão, Selznick transformou a busca por Scarlett em um golpe publicitário. Ele perguntou ao público quem eles achavam que deveria marcar o papel. As principais opções incluem: Joan Crawford, Bette Davis, Susan Hayward, Lana Turner e Tallulah Bankhead.

Apesar de não ter Scarlett escalado, Selznick continuou com as filmagens. Diz a lenda que durante as filmagens da grande cena "Burning of Atlanta", a atriz Vivien Leigh estava sendo apresentada ao produtor pelo irmão de Selznick. Ela derrotou cerca de 1.400 outras garotas para o papel de Scarlett O’Hara.

O capítulo das Filhas Unidas da Confederação na Flórida ficou muito ofendido com o fato de uma atriz britânica ter sido escolhida para interpretar um personagem sulista tão icônico. No entanto, quando souberam que o papel estava perto de ir para Katharine Hepburn, eles pararam de protestar. Melhor um britânico do que um ianque!

Em um exemplo épico de direitos salariais justos, Gable recebeu US $ 120.000 para trabalhar no filme, trabalhando cerca de 70 dias não consecutivos. Leigh, por outro lado, trabalhou 125 dias e recebeu cerca de US $ 25.000.

Apesar de seu romance na tela, Leigh disse que beijar Gable não foi tudo o que parecia ser. Ele usava dentadura e fumava muito e ela foi citada como tendo dito, “a dentadura dele cheirava algo horrível”.

A cena “Burning of Atlanta” foi na verdade a primeira cena que eles filmaram, já que seria a mais cara e eles realmente só tinham uma cena para fazer funcionar. Eles realmente fizeram muito sucesso ao queimar jogos antigos no backlot.

Foram necessários 15.000 galões de água para apagar as chamas após o término das filmagens.

O personagem de Ashley Wilkes foi um dos poucos compatriotas a sobreviver à guerra. Ironicamente, o homem que o interpretou (Leslie Howard) morreu como soldado na Segunda Guerra Mundial.

Ao contrário de outros filmes de guerra épicos, E o Vento Levou não mostra nenhuma batalha ... apenas os efeitos da guerra.

No leilão, Michael Jackson pagou $ 1.542.500 pelo Oscar de Melhor Filme de David Selznick por E o Vento Levou.

Uma mulher brasileira, que afirma ter visto E o Vento Levou 8.000 TIMES, comprei o vestido rosa de Scarlett usado durante a cena "Queima de Atlanta" por $ 95.500.

Se E o Vento Levou fosse feito hoje, estima-se que viria com um preço de $ 40 milhões.

Três dos quatro atores principais que interpretaram os sulistas (Leslie Howard, Olivia de Havilland e Vivien Leigh) eram britânicos.

Geral, E o Vento Levou custou cerca de US $ 4,25 milhões para ser feito. Em sua primeira exibição, o filme arrecadou US $ 21 milhões apenas na América do Norte e um total de US $ 32 milhões em todo o mundo.

Quando ajustado pela inflação, E o Vento Levou é o filme de maior bilheteria já feito, arrecadando cerca de US $ 390 milhões em todo o mundo. Em dinheiro de hoje, isso é cerca de US $ 3,3 bilhões, mais do que os dois maiores sucessos de bilheteria de hoje, Avatar ($ 2,8 bilhões) e Titânico (US $ 2,7 bilhões).

Também é considerado o filme mais assistido de todos os tempos, o que significa que mais pessoas compraram ingressos, independentemente do preço, para este filme do que para qualquer outro.

Às vezes você só precisa de um pouco de diversão em sua vida! Volte todas as semanas para ver um novo post & # 8220Just Bee-cause & # 8221, onde discuto tudo, desde notícias de celebridades a vídeos e sites favoritos!


Assista o vídeo: Apollo 20, a missão secreta da NASA que trouxe um. - E Se For Verdade? (Pode 2022).