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Ânfora premiada mostrando uma corrida de bigas

Ânfora premiada mostrando uma corrida de bigas



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As corridas de carruagem eram o único esporte olímpico em que as mulheres podiam participar, como donas de equipes de cavalos. Kyniska, uma princesa de Esparta, foi a primeira mulher a ganhar a coroa olímpica neste esporte.
Judith Swaddling, curadora do Museu Britânico, descreve a ânfora.


Ânfora de prêmio panatenaico de terracota, arcaico, ca 525-500 aC, grego, ático, figura negra de terracota, H 25 pol. (635 cm), Vasos, Anverso, Atena, Reverso, corrida de carruagem Além de critérios estilísticos, o dispositivo de um cavalo voador em sugestões de escudo de Atenas & # 39

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Ânfora de prêmio Panathenaic de terracota (jarra).

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Museu J. Paul Getty

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Ânfora panatenaica ática com tampa

Marsyas Painter (grego (ático), ativo 370 - 330 a.C.) 78,5 × 39,2 cm (30 7/8 × 15 7/16 pol.) 79.AE.147

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Atualmente em exibição em: Getty Villa, Gallery 104, Grécia Arcaica e Clássica

Vistas Alternativas

Frente A

Inscrição, jogos em Atenas

Inscrição: TEIOFRASTOS

Detalhes do Objeto

Título:

Ânfora panatenaica ática com tampa

Artista / Criador:

Atribuído ao Pintor Marsyas (grego (ático), ativo 370 - 330 a.C.)

Cultura:
Lugar:

Atenas, Grécia (lugar criado)

Médio:
Número do objeto:
Dimensões:

78,5 × 39,2 cm (30 7/8 × 15 7/16 pol.)

Inscrição (ões):

Em A., correndo ao lado das colunas TON AΘENEΘEN AΘLON e ΘEIOΦΡAΣTOΣ AΡΧE ("dos prêmios em Atenas" e "[durante] arcontado de Teofrastos".)

Títulos alternativos:

Embarcação Prêmio dos Jogos Atenienses (Exibir Título)

Premiada vasija de los juegos atenienses (Exibir título)

Ânfora panatênica (título de exibição)

Departamento:
Classificação:
Tipo de objeto:
Descrição do Objeto

O Panathenaia, um festival religioso estadual, homenageou Atenas, a deusa padroeira de Atenas. Realizado a cada quatro anos, o festival incluía competições atléticas, musicais e outras. Ânforas cheias de óleo extraído de azeitonas das árvores sagradas de Atenas foram dadas como prêmios nos Jogos Panatenaicos. Essas ânforas tinham uma forma especial com pescoço e pés estreitos e uma decoração padrão. Um lado mostrava Atenas, a deusa da guerra, armada e caminhando entre as colunas, e incluía a inscrição "dos jogos de Atenas". O outro lado mostrava o evento pelo qual o vaso foi premiado. Os principais pintores de vasos, encomendados pelo Estado, decoraram esses vasos, que continuaram a ser decorados com a técnica da figura negra muito depois de terem saído de moda para outros vasos, provavelmente devido ao conservadorismo religioso. O mesmo conservadorismo é aplicado à representação de Atenas.

Neste exemplo, a figura de Atenas é retratada em um estilo arcaístico ou antiquado. Uma inscrição adicional, vista aqui à direita de Atenas, nomeia o arconte ou magistrado da cidade. Como os registros históricos datam esses magistrados, o vaso pode ser datado com muita precisão. O lado do evento deste vaso mostra uma corrida especial em que um apobata ou competidor armado tinha que pular de uma carruagem em movimento, correr ao lado dela e depois voltar a montar.

Trabalhos relacionados
Trabalhos relacionados
Proveniência
Proveniência

Carlo Fallani (Roma, Itália) e Dr. Giorgio Fallani, 1921 - 1994, vendido para o Museu J. Paul Getty, 1979.

Exposições
Exposições
Arte Antiga da Coleção Permanente (16 de março de 1999 a 23 de maio de 2004)
O período clássico da Grécia Antiga (1 de março a 2 de junho de 2002)
Bibliografia
Bibliografia

Fredericksen, Burton B., Jiří Frel e Gillian Wilson. Guia do J. Paul Getty Museum. 5ª ed. (Malibu: J. Paul Getty Museum, 1980), p. 47

The J. Paul Getty Museum Appointment Calendar (Malibu: J. Paul Getty Museum, 1981), Semana de 21 de dezembro.

Mattusch, C. "Field Notes", Archaeological News, vol. 10, 4, 1981, pág. 91, doente. p. 91

Simon, Erika. O Museu Kurashiki Ninagawa. Antiguidades gregas, etruscas e romanas (Mainz am Rhine: Verlag Philipp von Zabern, 1982), p.110.

O Manual das Coleções do J. Paul Getty Museum. 1ª ed. (Malibu: J. Paul Getty Museum, 1986), p. 47

O Manual das Coleções do J. Paul Getty Museum. 3ª ed. (Malibu: J. Paul Getty Museum, 1991), p. 51

Valavanes, P. D. Panathenaic Amphorai de Eretria, 1991, p. 69, 252, passim, ill. pls. 86-87.

Hamilton, R. Choes e Anthesteria. Iconografia e Ritual ateniense. Ann Arbor: 1992, p. 237, Apêndice 7.

Frel, Jirí. "O túmulo de um atleta tarentino." Taras 12.1 (1992), 131-134, nota de rodapé 19.

Frel, Jiří. "Os retratos de Demetrios Polioketes de Lysippos e Teisikrates." No Studia Varia (Roma: Bretschneider, 1994), "Nugae Panathenaicae," p. 29, h fig. 11

Manakidou, Elene P. Parastaseis me Armata. Thessaloniki: 1994, p. 296, no. 11

Frel, Jiří. "Nugae Panathenaicae." No Studia Varia, Jiří Frel, ed. (Roma: L'Erma di Bretschneider, 1994), p. 29, fig. 11

Eschbach, Norbert. Resenha de Panos Valavanis, Panathenaichoi Amphoreis apo ten Eretria. Gnomon 67 (1995), pp. 455-463, pp. 460-461, 463.

Hamilton, Richard. "Ânforas panatênicas. O outro lado." Adorando Atenas. Panathenaia e Partenon (ed. J. Neils). 1996. 137-162, p. 154, nota 103.

O Manual das Coleções do J. Paul Getty Museum. 4ª ed. (Los Angeles: J. Paul Getty Museum, 1997), p. 53

Bentz, Martin. Panathenaeische Preisamphoren. Eine Athenische Vasengattung und ihre Funktion vom 6.-4.Jahrhundert v. Chr. Antike Kunst Suppl. 18. Basel: 1998, pp. 175-76, no. 4.080 pls. 117-118.

O Manual das Coleções do J. Paul Getty Museum. 6ª ed. (Los Angeles: J. Paul Getty Museum, 2001), p. 53

Neils, Jenifer. O Friso do Partenon (Cambridge: 2001), p. 138, n. 33 pág. 139, fig. 101

Maischberger, M. e Wolf-Deiter Heilmeyer. Die griechische Klassik: Idee oder Wirklichkeit. Exh. gato. Martin-Gropius-Bau, Berlin, março 1o junho 2, 2002. Antikensammlung Berlin: 2002, p. 258, cat. não. 156

Manual da coleção de antiguidades do J. Paul Getty Museum (Los Angeles: 2002), p. 84

Miller, Stephen G. Atletismo da Grécia Antiga (New Haven: Yale University Press, 2004), pp. 142-143, fig. 229 (citado incorretamente como 77.AE.147).

Laurin, Joseph R. Mulheres da Atenas Antiga (Victoria: Trafford, 2005), p. 58, fig. 2

Simon, Erika. "Ein Fund attischer Keramik aus dem Jahrzehnt 340/330 v. Chr.", Em Carina Weiss e Erika Simon (eds.), Ruth Linder. Folia in Memoriam Collecta (Dettelbach: Verlag J.H. Roll GmbH, 2010), 146-159, figs. 1-2.

The J. Paul Getty Museum Handbook of the Antiquities Collection. Rev. ed. (Los Angeles: J. Paul Getty Museum, 2010), p. 81

Laurin, Joseph R. A vida das mulheres na Atenas antiga (Bloomington: Authorhouse, 2013), p. 8

Langner, Martin. “Grundlagen der Chronologie spätrotfiguriger Vasen aus Athen.” BABesch 88 (2013), 127-170, pp. 132-133, fig. 6e.

Eschbach, N. Pananthenäische Preisamphoren aus dem Kerameikos zu Athen. Kerameikos 21. Berlin: Dr. Ludwig Reichert Verlag Wiesbaden, 2017, pp. 50, 78n634, 93-94, fig. 15d.

Schertz, P., "From Myth to History: The Chariot in Ancient Greek Art", em The Horse in Ancient Greek Art, editado por Stribling, N e Schertz, P. New Haven: Yale University Press, 2017, p. 47, fig. 36

Massar, N., "Inscribed Black-Glaze Attic Vases", em Anais do Nono Encontro Científico Internacional sobre Cerâmica Helenística, Thessaloniki, 5 a 9 de dezembro de 2012 (Atenas, 2018), 663-676, pp. 665n12.

McPhee, Ian. "Um Sino Krater com Figuras Vermelhas no Ático de Corinto e o Pintor de Atenas, 1472." In Studi Miscellanei di Ceramografia Greca V, editado por Elvia Giudice e Giada Giudice (Catania: Ediarch, 2015), 121-176, 135.

Recursos Educacionais
Recursos Educacionais

Recurso Educacional

Aula em que os alunos pesquisam e estudam obras de arte que retratam divindades gregas e romanas e apresentam um talk show de TV simulado com as divindades.


Conteúdo

Como local dos Jogos Olímpicos, a arquitetura de Olímpia é fortemente influenciada pelo tema do atletismo. O templo de Zeus, por exemplo, é decorado com um friso contendo os 12 trabalhos de Hércules, que se acredita ser o fundador dos Jogos Olímpicos, e um frontão representando o mito de Pélops, outro conto de origem das Olimpíadas.

O principal local onde aconteceram os Jogos Olímpicos foi o Estádio de Olímpia, que está localizado a leste do santuário de Zeus. Os marcos físicos do estádio têm 212,54 metros de comprimento e 30-34 metros de largura, e serviu principalmente para corridas que determinaram a pessoa mais rápida do mundo. A pista foi feita de argila bem compactada para servir de tracção às pessoas que competem nas provas de running.

O local de Nemea mostra o uso prático e cerimonial da arquitetura atlética no início da monumentalização helenística dos santuários pan-helênicos. A casa de banhos Nemean Baths contém uma sala ocidental com banheiras de bacia e uma banheira de imersão oriental. A sala da bacia oeste é comum nos banhos do século 4 em toda a Grécia e provavelmente era o lugar onde os atletas visitantes podiam se lavar durante sua estadia. O banho de imersão oriental, no entanto, é um dos apenas 4 outros na Grécia, todos encontrados em locais rituais pan-helênicos. Embora sua função exata seja desconhecida, sua natureza pública sugere que pode ter tido um componente ritual nos jogos ou cerimônias atléticas. Nemea também abrigava um estádio, onde os atletas participavam de jogos, especificamente o estádio (evento de corrida).

Durante a Idade do Bronze, os minoanos praticavam vários esportes, incluindo luta livre, salto em touro, acrobacia e boxe. Isso é aparente em várias peças de arte, que vão desde afrescos à cerâmica. A juventude dos meninos do Afresco do Boxer Akrotiri sugere que os atletas começaram a treinar muito cedo na vida, sugerindo que os esportes eram extremamente importantes para a sociedade minóica. Já foi sugerido que o atletismo desempenhava um papel religioso na sociedade devido à sua prática generalizada. Finalmente, a juventude dos atletas em muitas peças de arte indica que a competição atlética pode ter sido um rito de passagem à idade adulta para os minoanos. [1]

Um dos esportes de combate mais populares e famosos da Grécia Antiga era o boxe. O boxe na Grécia Antiga era muito menos regulamentado do que o boxe moderno, com os oponentes escolhidos ao acaso, independentemente do peso ou da idade, e as lutas duravam até que um dos competidores admitisse a derrota ou ficasse inconsciente. [2] Os lutadores frequentemente ficavam desfigurados, por exemplo, uma lesão de boxe comumente retratada era a orelha de couve-flor, que foi retratada notavelmente na Estela Boxer de Kerameikos. [3] Muitos dos que participaram dessas lutas de boxe antigas ficaram gravemente feridos ou até mesmo mortos. Apesar disso, o boxe era muito popular entre a população da Grécia Antiga e, portanto, era frequentemente apresentado em obras de arte. Outra representação notável de um boxeador antigo é Boxer at Rest, também conhecido como Terme Boxer, que acaba de terminar uma luta. [5] Por exemplo, o tripé kothon de figuras negras do Boeotian Dancer's Group apresenta dois homens envolvidos em uma luta de boxe em uma de suas pernas. [6]

Os eventos esportivos, principalmente os festivais pan-helênicos, atraíram atletas e espectadores. As ocorrências de competições atléticas foram registradas pela primeira vez por Homero na Ilíada. Como resultado, as competições tinham vínculos com a guerra e o treinamento militar. [7] As representações de eventos atléticos na arte antiga às vezes mostram os atletas vestindo armaduras para ilustrar a conexão entre atletas e guerreiros.

Representações de eventos esportivos também foram retratadas em peças de cerâmica usadas na vida cotidiana. Artistas como Onesimos e Foundry Painter retrataram eventos como cenas de pancration e lutas de luta em kylixes que eram então usados ​​em simpósios ou festas masculinas. Ambos os pintores usaram a técnica das figuras vermelhas, desenvolvida em Atenas em 530 a.C., em seus trabalhos e essa técnica permitiu que eles tivessem maior liberdade para expressar movimento, emoção e anatomia. [8]

As representações de eventos atléticos na arte se expandiram como os principais eventos atléticos também se expandiram. Em 708 aC, o pentatlo foi adicionado aos jogos olímpicos. Uma vez que esse evento exigia as habilidades para cinco eventos diferentes (disco, dardo, salto em distância, corrida e luta livre), esses atletas eram tidos em alta conta pela sociedade. [9] Tornou-se comum ter um kylix ou ânfora retratando esses eventos e, por sua vez, elogiava os atletas por deixar seu legado na arte.

A ânfora do prêmio Panathenaic da Kleophrades terracota (ca. 500 AC) fornece um exemplo de reconhecimento para o sucesso em empreendimentos atléticos. Nos Jogos Panatênicos, os vencedores receberiam uma ânfora premiada com um produto de luxo como o azeite de oliva. A ânfora em si representaria Atenas Promachos, ou Atenas como um líder militar dirigindo as tropas para a batalha, e o evento atlético em que o vencedor competia. O reconhecimento pelos empreendimentos atléticos e sucesso ao retratar o evento em si como esta ânfora do prêmio Panathenaic destaca o quão importante o atletismo era para os gregos antigos. Outro exemplo das muitas Ânforas do Prêmio Panatenaico é a Ânfora Panatenaica do Pintor Euphiletos (530 aC). Pintada em preto, esta ânfora panatenaica retrata um estádio dos jogos Panatenaicos. Como outras ânforas de prêmio, esta ânfora serve para enfatizar o atletismo e os vencedores desses eventos.

As descrições do esporte feminino durante o período arcaico vêm principalmente de fontes literárias, e há alguns exemplos de eventos esportivos femininos. Uma das formas mais populares de atividade física para as mulheres da Grécia Antiga é a corrida. [10] As estatuetas de bronze da atlética garota espartana, que retratam mulheres espartanas envolvidas em jogos de corrida, fornecem evidências materiais para os relatos de diferentes corridas femininas na Grécia antiga.

A proeminência do material esportivo na arte grega não é coincidência. Até a estatuária, chamada de Dedicatória Atlética, surgiu como uma forma de imortalizar os atletas gregos e os jogos atléticos. Os eventos esportivos e a arte estavam tão intimamente relacionados que uma prática comum dos atletas era comemorar suas vitórias com dedicatórias artísticas. Um exemplo disso seria a Base dos Apobates de mármore, que comemora a vitória em uma corrida de bigas nos Jogos Panatenaicos. Um competidor erigia uma dedicatória para comemorar uma vitória atlética e colocá-la em um santuário ou local pan-helênico. Essas dedicatórias eram uma celebração artística das proezas atléticas que todo grego podia observar. [11]

Como parte dos jogos que acontecem no Olympia, muitos indivíduos competem no pentatlo, uma competição que consiste em cinco eventos. O Pentatlo Olímpico Antigo consistia em lançamento de disco, saltos longos com pesos presos aos pés, lançamento de dardo, corrida e luta livre. [12] Muitos vencedores do pentatlo iriam receber prêmios como itens exclusivos feitos especificamente para o vencedor. Por exemplo, as ânforas dos Jogos Panatênicos, muitas vezes cheias de caro azeite de oliva, apresentavam Atenas em pé com uma espada e um escudo para representar sua vitória nos jogos. [13] Como as Olimpíadas eram dedicadas a Zeus, muitas vezes esses prêmios se tornavam dedicatórias votivas a ele. [13]

O atirador de disco de bronze (Discobolus) era uma mercadoria rara que veio de uma época em que poucas peças sobreviveram: o fim das Guerras Persas. A peça em si ainda exibe muitos traços da arte arcaica, apesar de vir do início do período clássico (480-460 aC). O atleta da estátua era participante do lançamento de diskos, um evento muito popular na Grécia Antiga e até nas Olimpíadas dos dias modernos.


Jogos Olímpicos de Londres e # 8211 Success in the Ancient & # 038 Modern World

E assim como nos Jogos Olímpicos, as coroas da vitória não são concedidas às pessoas mais bonitas e fortes presentes, mas aos homens que entram nas competições. . . então são aqueles que agem corretamente que levam os prêmios e as coisas boas da vida *

Este é um ano monumental para os ingleses, com as celebrações do Jubileu de Diamante da Rainha e # 8217s e os Jogos Olímpicos de Londres. O Museu Britânico, como tantas outras de suas instituições, está marcando o evento com exposições e eventos especiais. De 1 ° de junho a 9 de setembro de 2012, ele apresentará uma trilha de vitória em torno de sua coleção grega e romana, consistindo em doze objetos de estrelas unidos pelo tema de & # 8216Vencendo nos Jogos antigos & # 8217. Os destaques incluirão o icônico Discobolus, possivelmente a mais famosa e, de fato, bela escultura da antiguidade. O original foi esculpido por Myron c450 aC e o sátiro romano do primeiro século Petrônio em seu Satyricon, uma sátira sobre a esterilidade e corrupção da sociedade romana, disse de Myron que ele… Quase capturou as almas dos homens e animais em seus bronzes. Esta estátua, conhecida como Townley Discobolus, representa a descoberta de Myron das possibilidades de demonstração em mármorea harmonia dinâmica do corpo humano em um único plano '. Ele apareceu no pôster olímpico de Londres de 1948, a única outra vez em que a cidade de agosto sediou os jogos.

Vencer os Jogos Olímpicos foi tão poderoso para os atletas dos tempos antigos quanto é hoje. No mundo moderno, as vitórias nos Jogos Olímpicos ainda são vistas pelos esportistas como o penúltimo lugar para alcançar o sucesso. 776 AC é um ano na história cronológica grega apresentado como marcando a transição do reino do mito e da lenda para o da história real, com o primeiro registro de "jogos" sendo realizado em Olympia em Elis. Ainda há muita discussão e debate sobre a fixação de datas exatas para eventos antigos, uma das razões sendo a variedade de diferentes calendários observados pelas cidades-estado gregas. O que sabemos, no entanto, é que em nossa forma moderna de calcular, e sobre aquela época, um Hípias de Elis gravou para a posteridade que Koroibos, uma cozinheira de Elis, ganhou o Stadion, ou corrida a pé, o único evento realizado no Olympia naquele ano. Seu equivalente hoje seria o sprint de 100 metros, o principal evento dos Jogos antigos e modernos, revelando o homem mais rápido do planeta.

Também em exibição estará O cocheiro motya ainda outro exemplo muito raro de sobrevivência de uma estátua de um vencedor grego original. É considerado por muitos um dos melhores exemplos sobreviventes de uma escultura clássica em qualquer lugar do mundo. As estátuas gregas foram criadas em três materiais principais, bronze, mármore e criselefantino (ouro e marfim sobre base de madeira). Quando foram produzidos originalmente, eles pareciam muito diferentes do estado natural da pedra em que os vemos hoje. Seus escultores procuravam imitar o que viam diante deles e coloriam sua pele, cabelo e roupas como deveriam ser.

A carruagem pode ser descrita como o equivalente às corridas de carros de Fórmula 1 atuais com proprietários e patrocinadores - a corrida completa com voltas, trilhos de segurança, etc. A Ilíada do escritor e poeta grego antigo Homero inclui um relato de uma corrida de carruagens, como parte de jogos fúnebres realizada em homenagem a Patroclos, o amado camarada e irmão de armas de Aquiles, herói grego, diante das muralhas de Tróia.

Modelo moderno de cera perdida de uma maçã

Os gregos eram uma civilização para a qual a nudez, em particular a nudez masculina, era aceita e esperada ao se exercitar ou participar de jogos públicos, como as Olimpíadas.

Em nossa própria sociedade, entretanto, é muito diferente. Embora algumas pessoas sejam capazes de lidar com isso e não se incomodem com isso, para a maioria a nudez ainda permanece um tabu. A única arena aceitável para isso aparentemente continua sendo o mundo da arte, e mais especialmente da escultura em particular.

A escultura de bronze foi produzida pelo método conhecido como & # 8216perda de cera & # 8217. Um modelo de argila dura da figura em todos os seus detalhes foi produzido primeiro e depois coberto com uma fina camada de cera. Essa cera foi então totalmente coberta com uma camada externa áspera de argila que endureceu para produzir um molde. Neste tubo e respiradouros foram fixados em certos pontos e alfinetes foram usados ​​para manter o revestimento externo no lugar.

O calor era então aplicado para que a cera derretesse e fluía pelos tubos, deixando um espaço vazio entre as camadas interna e externa. Em seguida, paradas foram aplicadas aos tubos e o bronze quente foi derramado no espaço vazio. Uma vez resfriado e duro, o molde externo foi removido para revelar o bronze formado na forma exata da estátua de argila que estava cobrindo. Puro gênio, na verdade.

Seis séculos antes do evento de Cristo (AC), o mármore começou a ser usado e surgiu como um material superior para a criação de esculturas. É um material denso e, portanto, tornou o & # 8216movimento & # 8217 um desafio para o artista e uma verdadeira façanha de alcançar. Foi extraído nas ilhas Cíclades, em Naxos e Paros. Naxos também era uma grande fonte de esmeril no mundo antigo, uma das pedras mais duráveis ​​usadas para polir superfícies duras, incluindo armamentos.

Cocheiro de bronze da Delphi

A outra fonte foi a montanha Pentelikon perto de Atenas, onde a extração começou por volta de 570 aC. Seu mármore foi usado para construir a Acrópole e muitos outros edifícios antigos da cidade. Seu mármore era conhecido por ser impecável, branco com um estanho uniforme e amarelo claro que garantia que ele brilhasse dourado ao sol.

Reconstrução do Templo de Zeus em Olímpia

A escultura grega foi a primeira, a única arte antiga a se libertar das convenções & # 8216conceituais & # 8217 de representação de homens e animais e a explorar conscientemente como a arte pode imitar a natureza ou até mesmo melhorá-la.

Não houve um esforço consciente em direção ao realismo até que ele fosse entendido como uma meta possível e desejável e isso começou a acontecer durante o século VI aC.

No início do século V antes de Cristo, o panteão grego dos deuses estava completo e os grandes mitos sobre eles haviam adquirido uma forma definitiva.

A vida religiosa girava principalmente em torno dos cultos dos 'Deuses Olímpicos Zeus, Hera, Poseidon, Atenas, Afrodite, Deméter, Ártemis, Apolo, Héstia, Hermes, Ares e Hefesto, e seu local de residência era o Monte Olimpo no norte da Grécia.

Os deuses do Olimpo eram homenageados com ofertas de várias formas, desde o sacrifício de animais até esplêndidos festivais que duravam dois ou três dias. O Deus do vinho, Dionísio, em particular, que pode ter parecido um pouco marginal, fazia parte de um conceito ou religião, se você gosta, muito mais preocupado com o ritual do que com o dogma.

Por mais de 1000 anos, entre 776 AC e 395 ACE, cidadãos de todo o mundo clássico se reuniram a cada quatro anos para Olympia. Os espectadores vinham de lugares distantes como Espanha e África, longas distâncias quando a maioria das viagens era feita a pé. Houve um banquete público para os vencedores e várias celebrações privadas onde o vinho correu e canções, folia e hinos de vitória celebraram a ocasião.

E todo o grupo deu um grande grito de alegria, enquanto a adorável luz da bela lua iluminava a noite *

Os atletas competiram individualmente, embora a vitória trouxesse grande honra para sua cidade natal. As principais recompensas da vitória nos Jogos Olímpicos antigos, assim como hoje, foram a fama e a celebridade.

Prêmio Ânfora Panatenaica Feita na Ática Kamiros escavados, feita em 520 aC adquirida em 1863: Cocheiro vestindo um longo chiton branco com cinta preta cortesia do Museu Britânico

Os vencedores tiveram o privilégio de ter uma estátua feita para ser erguida em Olímpia, o mais antigo santuário de Zeus, que se tornou uma espécie de ‘hall da fama’ atlético. No entanto, ao contrário dos Jogos modernos, em que participar é considerado uma conquista em si, na antiguidade vencer era o único objetivo. Chegar em segundo ou terceiro não veio em absoluto.

A trilha do Museu Britânico começará com a escultura que se tornou um símbolo das Olimpíadas modernas, embora seja uma cópia romana de um original grego agora perdido. O que faz é captar as ideias gregas de proporção, harmonia, ritmo e equilíbrio, elementos que eram procurados tanto na natureza como na arte.

Os visitantes seguirão a trilha até a galeria do Partenon, onde o vitorioso cocheiro aguardará sua chegada. Ele está sendo exibido pela primeira vez na Inglaterra e muito raramente é emprestado de Mozia (Motya) na Sicília, onde é um tesouro nacional.

Outra das paradas da trilha é uma magnífica ânfora (uma espécie de vaso em forma de vaso, geralmente de cerâmica), que foi entregue como prêmio nos Jogos Panatênicos de Atenas. A indústria da cerâmica foi um fator chave na força da economia grega e vasos de terracota gregos e recipientes de armazenamento para vinho, azeite e produtos de luxo como perfumes e unguentos foram exportados para todo o mundo então conhecido. É incompreensível quando você sabe que a criação das cenas nesses vasos foi feita com um deslizamento brilhante, que era da mesma cor de sua base. Só ficou preto depois que o vaso acabou de ser queimado no forno.

A cena na ânfora retrata um cocheiro vencedor desgrenhado, vestido com túnicas brancas tradicionais, limpando triunfantemente o poste de chegada. A sensação de movimento que o artista capturou é verdadeiramente emocionante e mostra por que esse evento espetacular permaneceu tão popular ao longo da antiguidade.

Por suas emoções e perigos, as corridas de bigas eram muito populares e também o único esporte olímpico em que as mulheres podiam participar, embora apenas como donas de equipes de cavalos.

As doze paradas do Museu também incluem uma variedade de objetos impressionantes perto de cada local. Seguindo a trilha gratuita pelo Museu, os visitantes têm a oportunidade de descobrir todos esses raros e maravilhosos objetos culturais, cujas histórias contarão mais sobre os jogos antigos na Grécia e em Roma. Por sua vez, eles também irão demonstrar como a mesma paixão e aspirações permanecem inalteradas até os Jogos modernos que acontecerão em Londres em 2012.

Carolyn McDowall, The Culture Concept Circle 2012

Winged Victory (Nike) pegando uma coroa de flores vencedora

Vencendo nos Jogos Antigos

O Museu Britânico
1 de junho - 9 de setembro de 2012
Várias galerias
Uma trilha livre
Horário de funcionamento 10.00-17.30 Sábado a Quinta, 10.00-20.30 Sextas-feiras. A trilha será realizada de 1 de junho a 9 de setembro de 2012

Objetos na trilha:

1. Lançador de disco: O Townley Discobolus
2. Atleta Vitorioso: O Vaison Daidoumenos
3. Modelo da antiga Olímpia
4. O cocheiro Motya
5. Ânfora premiada mostrando uma corrida de bigas
6. Um competidor no salto em distância
7. Estela de Lúcio
8. Sprinter em um vaso e uma garota correndo de bronze
9. Mosaico de Hércules
10. A vitória do trapaceiro pankratiast
11. A deusa Nike coroando um atleta
12. Medalha de ouro nas Olimpíadas de 2012

NB: O cocheiro está em empréstimo especial para esta trilha, cortesia da Regione Siciliana Assessorato dei Beni Culturali a dell’Identità Siciliana, com agradecimentos ao Instituto Cultural Italiano em Londres.
Com o Museu & # 8220Townley & # 8221 Discobolus em exibição no Grande Tribunal, esta é uma oportunidade única de considerá-los dentro do contexto mais amplo da história da escultura.

* Aristóteles, Ética a Nicômaco 1099a 1

Charles Townley e seus amigos na Galeria Townley, 33 Park Street, Westminster (1781-83) pintado por Johann Zoffany

Informações adicionais: The Townley Discobolus
Muito poucas esculturas clássicas originais chegaram à Grã-Bretanha durante o século XVIII, então a maioria dos entusiastas dessa forma de arte teve que se contentar em levar para casa um elenco excelente.

Levar para casa um gesso ou uma cópia de um original não era vergonhoso. Foi a única maneira de compartilhar com amigos e familiares o que os anos de distância significaram e o quanto você aprendeu sobre a herança da Grécia e de Roma.

No entanto, se você estivesse atrás de uma peça realmente notável de escultura clássica, ou de um mestre original da Alta Renascença como Ticiano ou Rafael, embora fossem extremamente difíceis de encontrar, não seriam impossíveis se você tivesse as conexões certas.

Country Gentleman Charles Towneley (1733 & # 8211 1805) formou uma coleção formidável de antiguidades, que o Museu Britânico comprou da família em 1805. Foi alojado em sua casa de cidade construída propositalmente no oeste de Londres em sua vida, então ele e seus amigos poderiam discutir os méritos de cada peça.

O que é significativo é que muitos deles aparecem em uma peça de conversa pintada pelo artista Johann Zoffany, ele mesmo um astro da época. Em agosto de 1781 Townley escreveu a seu negociante em Roma & # 8220Mr Zoffany está pintando & # 8230 um cômodo da minha casa, onde ele apresenta os assuntos que seleciona em minha coleção. Será uma foto de extraordinário efeito e verdade amp & # 8230


Conteúdo

Não se sabe exatamente quando as corridas de bigas começaram, mas pode ter sido tão antigo quanto as próprias bigas. É conhecido por evidências artísticas em cerâmica que o esporte existia no mundo micênico, [a] mas a primeira referência literária a uma corrida de carruagem é aquela descrita no Ilíada por Homer, nos jogos fúnebres de Pátroclo. [1] Os participantes desta corrida foram Diomedes, Eumelus, Antilochus, Menelaus e Meriones. A corrida, que foi uma volta ao redor do toco de uma árvore, foi vencida por Diomedes, que recebeu como prêmio uma escrava e um caldeirão. Uma corrida de carruagem também foi considerada o evento que fundou os Jogos Olímpicos de acordo com uma lenda, mencionada por Píndaro, o Rei Enomau desafiou pretendentes de sua filha Hipodâmia para uma corrida, mas foi derrotado por Pélops, que fundou os Jogos em homenagem a seu vitória. [2] [3]

Nos Jogos Olímpicos antigos, assim como nos outros Jogos Pan-helênicos, havia ambos os quatro cavalos (Tetrippon, Grego: τέθριππον) e dois cavalos (synoris, Grego: συνωρὶς) corridas de carruagens, que eram essencialmente as mesmas, exceto pelo número de cavalos. [b] O evento de corrida de carruagem foi adicionado aos Jogos Olímpicos em 680 aC com os jogos se expandindo de um dia para um evento de dois dias para acomodar o novo evento (mas não foi, na realidade, o evento de fundação). [4] [5] A corrida de bigas não foi tão prestigiosa quanto a corrida a pé de 195 metros (estádio, Grego: στάδιον), mas era mais importante do que outros eventos equestres, como corridas a cavalo, que foram retirados dos Jogos Olímpicos muito cedo. [6]

As corridas em si eram realizadas no hipódromo, que realizava corridas de carruagem e corridas de equitação. A corrida de cavalos única era conhecida como "keles" (Keles, Grego: κέλης). [c] O hipódromo estava situado no canto sudeste do santuário de Olímpia, na grande área plana ao sul do estádio e corria quase paralelo a este último. Até recentemente, a sua localização exata era desconhecida, uma vez que está soterrada por vários metros de material sedimentar do rio Alfeios. Em 2008, no entanto, Annie Muller e funcionários do Instituto Arqueológico Alemão usaram radar para localizar uma grande estrutura retangular semelhante à descrição de Pausanias. Pausânias, que visitou Olímpia no século II dC, descreve o monumento como um grande espaço alongado e plano, com aproximadamente 780 metros de comprimento e 320 metros de largura (quatro estádios longo e um stade quatro plethra ampla). O autódromo alongado foi dividido longitudinalmente em duas faixas por uma barreira de pedra ou madeira, o embolon. Todos os cavalos ou carruagens correram em uma trilha em direção ao leste, então viraram ao redor do embolon e voltou para o oeste. As distâncias variaram de acordo com o evento. O autódromo foi cercado por margens natural (ao norte) e artificial (ao sul e leste) para os espectadores, um lugar especial foi reservado para os juízes no lado oeste da margem norte. [7] [8]

A corrida foi iniciada com uma procissão até o hipódromo, enquanto um arauto anunciava os nomes dos pilotos e proprietários. O tethrippon consistia em doze voltas ao redor do hipódromo, [9] com curvas fechadas em torno dos postes em cada extremidade. Vários dispositivos mecânicos foram usados, incluindo as portas de partida (hispleges, Grego: ὕσπληγες singular: hysplex, Grego: ὕσπληξ) que foram rebaixados para iniciar a corrida. [10] De acordo com Pausanias, estes foram inventados pela arquiteta Cleoitas, e escalonados de forma que as bigas do lado de fora começaram a corrida antes que as do lado de dentro. A corrida não começou adequadamente até que o portão final fosse aberto, momento em que cada carruagem estaria mais ou menos alinhada uma ao lado da outra, embora as que haviam partido do lado de fora estivessem viajando mais rápido do que as do meio. Outros dispositivos mecânicos conhecidos como "águia" e "golfinho" foram erguidos para significar que a corrida havia começado e foram abaixados conforme a corrida continuava para indicar o número de voltas restantes. Provavelmente eram esculturas de bronze desses animais, colocadas em postes na linha de partida. [11]

Na maioria dos casos, o proprietário e o motorista da carruagem eram pessoas diferentes. Em 416 aC, o general ateniense Alcibíades tinha sete carros na corrida e ficou em primeiro, segundo e quarto, obviamente, ele não poderia estar competindo em todos os sete carros sozinho. [12] Filipe II da Macedônia também venceu uma corrida de carruagem olímpica em uma tentativa de provar que não era um bárbaro, embora se ele mesmo tivesse dirigido a carruagem, provavelmente teria sido considerado ainda inferior a um bárbaro. O poeta Píndaro elogiou a coragem de Herodotes de Tebas, porém, por dirigir sua própria carruagem. [13] Essa regra também significava que as mulheres poderiam vencer a corrida por posse, apesar do fato de que as mulheres não foram autorizadas a participar ou mesmo assistir aos Jogos. [4] Isso acontecia raramente, mas um exemplo notável é a espartana Cynisca, filha de Arquidamo II, que venceu a corrida de carruagem duas vezes. [14] As corridas de carruagem eram uma forma dos gregos demonstrarem sua prosperidade nos jogos. O caso de Alcibiades indica também que as corridas de bigas eram uma rota alternativa para a exposição pública e a fama dos ricos. [15]

O cocheiro era geralmente um membro da família do dono da carruagem ou, na maioria dos casos, um escravo ou um profissional contratado. [5] Dirigir uma carruagem de corrida exigia força, habilidade e coragem incomuns. No entanto, sabemos os nomes de muito poucos cocheiros, [16] e canções de vitória e estátuas regularmente planejam deixá-los fora da conta. [17] Ao contrário dos outros eventos olímpicos, os cocheiros não atuavam nus, provavelmente por razões de segurança devido à poeira levantada pelos cavalos e carruagens e à probabilidade de acidentes com sangue. Os pilotos usavam uma roupa com mangas chamada xystis. Ele caía até os tornozelos e era preso na altura da cintura com um cinto simples. Duas tiras que cruzavam alto na parte superior das costas impediam o xystis de "inflar" durante a corrida. [18]

As próprias carruagens eram carruagens de guerra modificadas, essencialmente carrinhos de madeira com duas rodas e uma traseira aberta, [19] embora as carruagens a essa altura não fossem mais usadas em batalha.Os pés do cocheiro foram mantidos no lugar, mas a carroça estava apoiada no eixo, então a viagem foi acidentada. A parte mais emocionante da corrida de carruagem, pelo menos para os espectadores, foram as curvas nas extremidades do hipódromo. Essas curvas eram muito perigosas e muitas vezes mortais. Se uma carruagem ainda não tivesse sido derrubada por um oponente antes da curva, ela poderia ser virada ou esmagada (junto com os cavalos e o condutor) pelas outras carruagens que contornaram o poste. Correr deliberadamente contra um oponente para fazê-lo cair era tecnicamente ilegal, mas nada poderia ser feito sobre isso (nos jogos do funeral de Patroclus, Antilochus de fato faz Menelau cair desta forma, [20]) e os acidentes eram prováveis ​​de acontecer por acidente de qualquer maneira.

Como resultado da ascensão das cidades gregas do período clássico, outros grandes festivais surgiram na Ásia Menor, Magna Grécia e no continente, proporcionando aos atletas a oportunidade de ganhar fama e riqueza. Além das Olimpíadas, os mais respeitados foram os Jogos Ístmicos em Corinto, os Jogos da Neméia, os Jogos Pítios em Delfos e os Jogos Panatenaicos em Atenas, onde o vencedor da corrida de carruagem de quatro cavalos recebeu 140 ânforas de azeite ( muito procurado e precioso nos tempos antigos). Os prêmios em outras competições incluíram milho em Elêusis, escudos de bronze em Argos e vasos de prata em Maratona. [d] Outra forma de corrida de carruagem nos Jogos Panatenaicos era conhecida como a apobatai, em que o competidor usava uma armadura e periodicamente saltava de uma carruagem em movimento e corria ao lado dela antes de voltar a montar. [21] Nessas corridas, havia um segundo cocheiro (um "portador de rédeas") enquanto o apobatas saltou nos catálogos com os vencedores ambos os nomes dos apobatas e do porta-rédeas são mencionados. [22] Imagens deste concurso mostram guerreiros, armados com capacetes e escudos, empoleirados na parte traseira de seus carros de corrida. [23] Alguns estudiosos acreditam que o evento preservou as tradições da guerra homérica. [24]

Os romanos provavelmente pegaram emprestado as corridas de carruagem e também o design das pistas de corrida dos etruscos, que os emprestaram dos gregos, mas os romanos também foram influenciados diretamente pelos gregos. [25] [26] [e] De acordo com a lenda romana, as corridas de carruagem foram usadas por Rômulo logo após ele fundar Roma em 753 aC como uma forma de distrair os homens sabinos. Rômulo enviou convites às cidades vizinhas para celebrar o festival da Consualia, que incluía corridas de cavalos e corridas de carruagens. Enquanto os sabinos desfrutavam do espetáculo, Rômulo e seus homens agarraram e levaram as mulheres sabinas, que se tornaram esposas dos romanos. [27] [28] As corridas de carruagem faziam parte de vários festivais religiosos romanos e, nessas ocasiões, eram precedidas por um desfile (pompa circensis) que apresentava os cocheiros, música, dançarinos fantasiados e imagens dos deuses. Embora o valor de entretenimento das corridas de carruagem tendesse a ofuscar qualquer propósito sagrado, no final da antiguidade os Padres da Igreja ainda as viam como uma prática tradicional "pagã" e aconselhavam os cristãos a não participar. [29]

Na Roma antiga, as corridas de carruagem geralmente aconteciam em um circo. [30] O principal centro das corridas de carruagem era o Circus Maximus no vale entre o Monte Palatino e o Monte Aventino, [f] que podia acomodar 250.000 pessoas. [27] Foi o primeiro circo da cidade de Roma. [30] O Circo supostamente datava dos primeiros tempos da cidade, [g] mas Júlio César o reconstruiu por volta de 50 aC para um comprimento e largura de cerca de 650 metros (2.130 pés) e 125 metros (410 pés), respectivamente. [31] Uma extremidade da pista era mais aberta do que a outra, pois era aqui que as bigas se alinhavam para começar a corrida. Os romanos usaram uma série de portas conhecidas como carceras, equivalente ao grego hysplex. Estes foram escalonados como o hysplex, mas de uma maneira ligeiramente diferente, uma vez que o centro das pistas de corrida romanas também incluía medianas (o espinha) [32] O carceras assumiu a extremidade angular da pista, [33] onde - antes de uma corrida - as bigas eram carregadas atrás de portões de mola. Normalmente, quando as carruagens estavam prontas, o imperador (ou quem quer que estivesse hospedando as corridas, se fora de Roma) deixou cair um pano conhecido como mappa, sinalizando o início da corrida. [34] Os portões se abririam ao mesmo tempo, permitindo um começo justo para todos os participantes.

Assim que a corrida começou, as bigas podiam se mover uma na frente da outra na tentativa de fazer com que seus oponentes colidissem com o espinha (singular espinha) No topo do espinha havia pequenas mesas ou molduras apoiadas em pilares, e também pequenos pedaços de mármore em forma de ovos ou golfinhos. [33] [35] O espinha eventualmente tornou-se muito elaborado, com estátuas e obeliscos e outras formas de arte, mas a adição desses múltiplos adornos teve um resultado infeliz: eles obstruíram a visão dos espectadores nos assentos inferiores. [36] Em cada extremidade da espinha havia um meta, ou ponto de viragem, consistindo em grandes colunas douradas. [37] [35] Batidas espetaculares em que a carruagem foi destruída e o cocheiro e os cavalos incapacitados foram chamados naufragia, uma palavra latina que também significa "naufrágio". [38]

A corrida em si era muito parecida com sua contraparte grega, embora normalmente houvesse 24 corridas por dia que, durante o século IV, ocorriam em 66 dias por ano. [39] No entanto, uma corrida consistia em apenas 7 voltas (e depois 5 voltas, para que pudesse haver ainda mais corridas por dia), em vez das 12 voltas da corrida grega. [33] O estilo romano também era mais voltado para o dinheiro, os pilotos eram profissionais e havia apostas generalizadas entre os espectadores. [40] [41] [42] Havia carros de quatro cavalos (quadriga) e carros de dois cavalos (bigae), mas as corridas de quatro cavalos eram mais importantes. [33] Em casos raros, se um piloto quisesse mostrar sua habilidade, ele poderia usar até 10 cavalos, embora isso fosse extremamente impraticável.

A técnica e as roupas dos cocheiros romanos diferiam significativamente das usadas pelos gregos. Os motoristas romanos enrolavam as rédeas em volta da cintura, enquanto os gregos seguravam as rédeas nas mãos. [h] Por causa disso, os romanos não podiam largar as rédeas em um acidente, então seriam arrastados pelo circo até serem mortos ou se libertarem. Para cortar as rédeas e não serem arrastados em caso de acidente, eles carregavam um falx, uma faca curva. Eles também usavam capacetes e outros equipamentos de proteção. [43] [35] Em qualquer corrida, pode haver um número de equipes colocadas por cada facção, que cooperaria para maximizar suas chances de vitória agrupando-se contra os oponentes, forçando-os a sair da pista interna preferida ou fazendo-os perdem a concentração e se expõem a acidentes e ferimentos. [43] [35] Os espectadores também podem desempenhar um papel, pois há evidências de que eles jogaram amuletos "maldição" de chumbo cravejados de pregos em times opostos ao seu favorito. [44]

Outra diferença importante era que os próprios cocheiros, os aurigae, foram considerados os vencedores, embora também fossem geralmente escravos (como no mundo grego). Eles receberam uma coroa de folhas de louro e provavelmente algum dinheiro, se ganhassem corridas suficientes, poderiam comprar sua liberdade. [17] Os motoristas podiam se tornar celebridades em todo o Império simplesmente sobrevivendo, já que a expectativa de vida de um cocheiro não era muito alta. Um desses pilotos famosos foi Scorpus, que ganhou mais de 2.000 corridas [3] antes de ser morto em uma colisão no meta quando ele tinha cerca de 27 anos. O mais famoso de todos foi Gaius Appuleius Diocles, que ganhou 1.462 em 4.257 corridas. Quando Diocles se aposentou aos 42 anos após uma carreira de 24 anos, seus ganhos supostamente totalizaram 35.863.120 sestércios (US $ 15 bilhões), tornando-o o astro do esporte mais bem pago da história. [45] Os cavalos também podiam se tornar celebridades, mas sua expectativa de vida também era baixa. Os romanos mantinham estatísticas detalhadas dos nomes, raças e pedigrees de cavalos famosos.

Os lugares no Circo eram gratuitos para os pobres, que na época do Império pouco tinham para fazer, pois não estavam mais envolvidos em assuntos políticos ou militares como na República. Os ricos podiam pagar por assentos à sombra, de onde tivessem uma visão melhor, e provavelmente também passavam grande parte do tempo apostando nas corridas. O circo era o único lugar onde o imperador se mostrava diante de uma multidão reunida em grande número, e onde esta podia manifestar seu afeto ou raiva. A caixa imperial, chamada de pulvinar no Circo Máximo, estava diretamente ligado ao palácio imperial. [46]

As roupas do piloto eram codificadas por cores de acordo com sua facção, o que ajudaria os espectadores distantes a acompanhar o andamento da corrida. [47] De acordo com Tertuliano, originalmente havia apenas duas facções, a Branca e a Vermelha, consagradas ao inverno e ao verão, respectivamente. [48] ​​Quando totalmente desenvolvido, havia quatro facções, a Vermelha, a Branca, a Verde e a Azul. [49] Cada equipe pode ter até três bigas cada uma em uma corrida. Membros da mesma equipe frequentemente colaboravam uns com os outros contra as outras equipes, por exemplo, para forçá-los a colidir com o espinha (uma tática legal e incentivada). [33] Os motoristas podem trocar de equipe, da mesma forma que os atletas podem ser trocados por equipes diferentes hoje.

Uma rivalidade entre os vermelhos e os brancos havia se desenvolvido em 77 aC, quando durante o funeral de um motorista vermelho, um apoiador dos vermelhos se jogou na pira funerária do motorista. Nenhum escritor da época, entretanto, referiu-se a essas facções como organizações oficiais, como seriam descritas em anos posteriores. [33] Escrevendo perto do início do século III, um comentarista escreveu que os Vermelhos eram dedicados a Marte, os Brancos aos Zéfiros, os Verdes à Mãe Terra ou primavera, e os Azuis ao céu e mar ou outono. [48] ​​Durante seu reinado de 81-96 DC, o imperador Domiciano criou duas novas facções, os roxos e os dourados, mas estes desapareceram logo após sua morte. [33] The Blues and the Greens gradualmente se tornaram as facções de maior prestígio, apoiadas por imperadores e também pela população. Os registros indicam que em várias ocasiões, confrontos azuis contra verdes irromperiam durante as corridas. A literatura sobrevivente raramente menciona os vermelhos e os brancos, embora sua atividade continuada seja documentada em inscrições e tabuletas de maldição. [50]

Como muitos outros aspectos do mundo greco-romano, as corridas de bigas continuaram no Império Bizantino, embora os bizantinos não mantivessem tantos registros e estatísticas quanto os gregos e romanos. No lugar das inscrições detalhadas das estatísticas de corrida romanas, vários epigramas curtos em versos foram compostos celebrando alguns dos mais famosos cocheiros bizantinos. [51] Os seis cocheiros sobre os quais esses versos laudatórios foram escritos foram Anastácio, Juliano de Tiro, Faustinus, seu filho Constantino, Urânio e Porfírio. [52] Embora o único epigrama de Anastácio não revele quase nada sobre ele, Porfírio é muito mais conhecido, tendo trinta e quatro poemas dedicados a ele. [53]

Constantino I (r. 306–337) preferia as corridas de carruagem ao combate de gladiadores, que ele considerava um vestígio do paganismo. [54] No entanto, o fim dos jogos de gladiadores no Império pode ter sido mais o resultado da dificuldade e despesas que vieram com a aquisição de gladiadores para lutar nos jogos, do que a influência do Cristianismo em Bizâncio. [55] Os Jogos Olímpicos foram eventualmente encerrados pelo imperador Teodósio I (r. 379-395) em 393, talvez em um movimento para suprimir o paganismo e promover o cristianismo, mas as corridas de carruagem permaneceram populares. O fato de as corridas de carruagem terem ficado ligadas à majestade imperial significou que a Igreja não o impediu, embora gradualmente escritores cristãos proeminentes, como Tertuliano, começassem a atacar o esporte. [56] Apesar da influência do Cristianismo no Império Bizantino, Venationes, sangrentas caças de feras, continuaram como uma forma de entretenimento popular durante os primeiros dias do Império, como parte do entretenimento extra que acompanhava as corridas de carruagem. Eventualmente, o imperador Leão (r. 457–474) proibiu os entretenimentos públicos aos domingos em 469, mostrando que as caçadas não tinham apoio imperial e as venationes foram completamente proibidas pelo imperador Anastácio (r. 491–518) em 498. Anastácio foi elogiados por essa ação por algumas fontes, mas sua preocupação parece ser mais com o perigo que as caçadas poderiam colocar os humanos do que com objeções à brutalidade ou objeções morais. [55] Continuou a haver queimaduras e mutilações de humanos que cometeram crimes ou eram inimigos do estado no hipódromo em todo o Império Bizantino, bem como celebrações de vitória e coroações imperiais. [57]

As corridas de carruagem eram importantes no Império Bizantino, assim como no Império Romano, como uma forma de reforçar a classe social e o poder político, incluindo o poder do imperador bizantino, e muitas vezes eram organizadas por razões políticas ou religiosas. [58] Além disso, corridas de bigas às vezes eram realizadas em comemoração ao aniversário de um imperador. [59] Um paralelo explícito foi traçado entre os cocheiros vitoriosos e o imperador vitorioso. As facções se dirigiram a seus vencedores gritando "Alegrem-se. Seus Senhores conquistaram" enquanto o cocheiro dava uma volta de vitória, indicando ainda o paralelo entre a vitória do cocheiro e a vitória do imperador. [60] De fato, os relevos de Porfírio, o famoso cocheiro bizantino, mostram-no em uma pose de vitorioso sendo aclamado por guerrilheiros, que é claramente modelado nas imagens na base do obelisco do imperador Teodósio. [61] As corridas também podem ser usadas para fazer afirmações religiosas simbolicamente, como quando um cocheiro, cuja mãe se chamava Maria, caiu de sua carruagem e voltou e a multidão descreveu como "O filho de Maria caiu e ressuscitou novamente e é vitorioso. " [62]

O Hipódromo de Constantinopla (na verdade um circo romano, não o espaço aberto que eram os hipódromos gregos originais) era conectado ao palácio do imperador e à Igreja de Hagia Sophia, permitindo que os espectadores vissem o imperador como em Roma. [i] Os cidadãos usavam sua proximidade com o imperador nos circos e teatros para expressar a opinião pública, assim como sua insatisfação com a política errônea do imperador. [63] Tem sido argumentado que o povo se tornou tão poderoso que os imperadores não tiveram escolha a não ser conceder-lhes mais direitos legais. No entanto, ao contrário dessa visão tradicional, parece, com base em pesquisas históricas mais recentes, que os imperadores bizantinos trataram os protestos e petições de seus cidadãos nos circos com maior desprezo e os desprezaram mais do que seus predecessores romanos. Justiniano I (r. 527-565), por exemplo, parece ter rejeitado as petições dos Verdes e nunca ter negociado com eles. [64]

Não há muitas evidências de que as corridas de bigas estivessem sujeitas a subornos ou outras formas de trapaça no Império Romano. No Império Bizantino, parece ter havido mais trapaça. O código legal reformado de Justiniano I proíbe os motoristas de lançar maldições sobre seus oponentes, mas por outro lado não parece ter havido qualquer adulteração mecânica ou suborno. Usar as cores da equipe tornou-se um aspecto importante da vestimenta bizantina.

As corridas de carruagem no Império Bizantino também incluíram os clubes de corrida romanos, que continuaram a desempenhar um papel proeminente nessas exibições públicas. Por esta altura, o Blues (Vénetoi) e os verdes (Prásinoi) veio para ofuscar as outras duas facções dos brancos (Leukoí) e Reds (Roúsioi), embora ainda mantendo as alianças emparelhadas, embora estas agora tenham sido fixadas como Azul e Branco vs. Verde e Vermelho. [j] Essas facções circenses não eram mais negócios privados que eram durante o Império Romano. Em vez disso, as corridas começaram a receber financiamento público regular, colocando-as sob controle imperial. [65] Conduzir as corridas de bigas com despesas públicas foi provavelmente uma medida de corte de custos e redução de mão de obra, tornando mais fácil canalizar os fundos adequados para as organizações de corrida. [66] O próprio imperador pertencia a uma das quatro facções e apoiava os interesses dos azuis ou verdes. [67] [68]

Adotar a cor de seus quadrigários favoritos era uma forma de os fãs mostrarem sua lealdade a aquele piloto ou facção em particular. [69] Muitos dos jovens nos fãs-clubes, ou facções, adotaram roupas e estilos de cabelo extravagantes, como mangas esvoaçantes, estilos de cabelo "Hunnic" e pelos faciais "persas". [70] [71] Há evidências de que esses jovens eram os membros da facção mais sujeitos à violência e extrema rivalidade entre facções. [72] Alguns estudiosos tentaram argumentar que a rivalidade e violência entre facções era resultado de visões religiosas ou políticas opostas, mas é mais provável que os jovens simplesmente se identificassem fortemente com sua facção por solidariedade de grupo. A violência faccional provavelmente tinha semelhanças com a violência do futebol moderno ou dos fãs de futebol. [73] Os próprios jogos eram o foco usual da violência faccional, mesmo quando era levada para as ruas. [74] Embora os fãs que foram ao hipódromo aplaudissem seus cocheiros favoritos, sua lealdade parece ser para com a cor pela qual o cocheiro dirigia mais do que para o motorista individual. Os cocheiros podiam mudar a lealdade da facção e correr por cores diferentes durante suas carreiras, mas os fãs não mudaram sua lealdade a sua cor. [75]

Os Blues e os Verdes eram agora mais do que simplesmente times esportivos. Eles ganharam influência em assuntos militares, políticos [k] e teológicos, embora a hipótese de que os verdes tendiam para o monofisismo e os azuis representavam a ortodoxia seja contestada. Agora é amplamente aceito que nenhuma das facções tinha qualquer tendência ou lealdade religiosa consistente, apesar do fato de que operavam em um ambiente repleto de controvérsia religiosa. [76] [77] De acordo com alguns estudiosos, a rivalidade Azul-Verde contribuiu para as condições que sustentaram a ascensão do Islã, enquanto inimizades faccionais foram exploradas pelo Império Sassânida em seus conflitos com os bizantinos durante o século anterior ao advento do Islã. [eu]

A rivalidade Azul-Verde frequentemente explodiu em guerras de gangues, e a violência nas ruas aumentou no reinado de Justino I (r. 518–527), que tomou medidas para restaurar a ordem, quando as gangues assassinaram um cidadão em Hagia Sophia . [76] Os motins culminaram nos distúrbios de Nika em 532 DC durante o reinado de Justiniano, que começaram quando as duas facções principais se uniram e tentaram sem sucesso derrubar o imperador. [78]

As corridas de carruagem parecem ter diminuído no decorrer do século VII, com as perdas que o Império sofreu nas mãos dos árabes e o declínio da população e da economia. [79] Os azuis e verdes, privados de qualquer poder político, foram relegados a um papel puramente cerimonial.Depois dos distúrbios de Nika, as facções ficaram menos violentas à medida que sua importância nas cerimônias imperiais aumentava. [80] Em particular, o imperador iconoclasta Constantino V (r. 741-775) cortejou as facções por seu apoio em suas campanhas contra os monges. Eles ajudaram o imperador a executar seus prisioneiros e a fazer shows em que monges e freiras davam as mãos enquanto a multidão assobiava para eles. Constantino V parece ter dado às facções um papel político, além de seu papel tradicionalmente cerimonial. [81] As duas facções continuaram suas atividades até que a corte imperial foi transferida para Blachernae durante o século 12. [82]

O Hipódromo em Constantinopla permaneceu em uso para corridas, jogos e cerimônias públicas até o saque de Constantinopla pela Quarta Cruzada em 1204. No século 12, o Imperador Manuel I Comnenos (r. 1143–1180) até organizou justas de estilo ocidental jogos no Hipódromo. Durante o saque de 1204, os cruzados saquearam a cidade e, entre outras coisas, removeram a quadriga de cobre que ficava acima do carceras agora é exibido na Catedral de São Marcos em Veneza. [83] Posteriormente, o hipódromo foi negligenciado, embora ainda ocasionalmente usado para óculos. Uma impressão do Hipódromo do século XV mostra um sítio abandonado, algumas paredes ainda de pé, e o espinha, a reserva central, roubada de seu esplendor. Hoje, apenas os obeliscos e a Coluna da Serpente permanecem onde durante séculos os espectadores se reuniram. [3] No Ocidente, os jogos terminaram muito antes, no final do século IV, os entretenimentos públicos na Itália chegaram ao fim em quase todas as cidades. [84] A última corrida de carruagem registrada em Roma ocorreu no Circus Maximus em 549 DC. [85]

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  1. ^ Vários fragmentos de cerâmica mostram duas ou mais carruagens, obviamente no meio de uma corrida. Bennett afirma que esta é uma indicação clara de que as corridas de bigas já existiam como um esporte desde o século XIII aC. Corridas de carruagem também são representadas em vasos geométricos tardios (Bennett 1997, pp. 41-48).
  2. ^Synoris conseguiu Tetrippon em 384 AC. Tethrippon foi reintroduzido em 268 aC (Valettas & amp Ioannis 1955, p. 613).
  3. ^ Pouco se sabe sobre a construção de hipódromos antes do período romano (Adkins & amp Adkins 1998a, pp. 218-219)
  4. ^ Os atletas que retornaram também ganharam vários benefícios em suas cidades nativas, como isenção de impostos, roupas e refeições gratuitas e até mesmo prêmios em dinheiro (Bennett 1997, pp. 41-48).
  5. ^ Em Roma, as corridas de bigas constituíam um dos dois tipos de jogos públicos, o ludi circenses. O outro tipo, ludi scaenici, consistia principalmente em performances teatrais (Balsdon 1974, p. 248 Mus 2001–2011).
  6. ^ Houve muitos outros circos em todo o Império Romano. O Circo de Maxêncio, outro grande circo, foi construído no início do século IV aC fora de Roma, perto da Via Appia. Havia grandes circos em Alexandria e Antioquia, e Herodes, o Grande, construiu quatro circos na Judéia. Arqueólogos trabalhando em um conjunto habitacional em Essex descobriram o que acreditam ser a primeira arena romana de corrida de carruagem encontrada na Grã-Bretanha (Prudames 2005).
  7. ^ De acordo com a tradição, o Circo provavelmente datava da época dos etruscos (Adkins & amp Adkins 1998b, pp. 141-142 Boatwright, Gargola & amp Talbert 2004, p. 383).
  8. ^ Os motoristas romanos dirigiam usando seu peso corporal com as rédeas amarradas em seus torsos, os cocheiros podiam inclinar-se de um lado para o outro para direcionar o movimento do cavalo, mantendo as mãos livres para o chicote e tal (Futrell 2006, pp. 191–192 Köhne, Ewigleben & amp Jackson 2000, p. 92).
  9. ^ O hipódromo estava situado imediatamente a oeste do palácio imperial, e havia uma passagem privada do palácio para o camarote do imperador, o kathisma, onde o imperador se mostrou a seus súditos. Um dos primeiros atos de Justiniano ao se tornar imperador foi reconstruir o kathisma, tornando-o mais elevado e impressionante (Evans 2005, p. 16).
  10. ^ Um dos cocheiros mais famosos, Porphyrius, foi membro dos Blues e dos Verdes em várias épocas no século V (Futrell 2006, p. 200).
  11. ^ Na raiz do poder político eventualmente conquistado pelas facções estava o fato de que, a partir de meados do século V, a formação de um imperador exigia que ele fosse aclamado pelo povo (Liebeschuetz 2003, p. 211).
  12. ^Khosrau I (r. 531–579) ergueu um hipódromo perto de Ctesiphon e apoiou os Verdes em contraste deliberado com seu inimigo, Justiniano, que favorecia os Blues (Hathaway 2003, p. 31).
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  18. ^ Um deles é Carrhotus, que é elogiado por Píndaro por manter sua carruagem ilesa (Píndaro. Pythian, 5,25-5,53). Ao contrário da maioria dos cocheiros, Carrhotus era amigo e cunhado do homem por quem dirigia, Arcesilaus of Cyrene, então seu sucesso afirmou o sucesso do modo aristocrático tradicional de organização da sociedade (Dougherty & amp Kurke 2003, Nigel Nicholson, "Aristocrático Victory Memorials ", p. 116
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  58. ^Tertuliano (De Spectaculis, 16) e Cassiodorus chamou a corrida de carruagem um instrumento do Diabo. Salvian criticou aqueles que correram para o circo para "deleitar seu olhar impuro e adúltero em obscenidades vergonhosas" (Olivová 1989, p. 86). Os espetáculos públicos também foram atacados por John Chrysostom (Liebeschuetz 2003, pp. 217–218).
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Editar fontes primárias

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Conteúdo

A base da pintura em cerâmica é o suporte da imagem, ou seja, o vaso no qual uma imagem é pintada. As formas populares se alternavam com as modas passageiras. Enquanto muitos recorreram após intervalos, outros foram substituídos com o tempo. Mas todos eles tinham um método comum de fabricação: depois que o vaso foi feito, ele primeiro foi seco antes de ser pintado. As oficinas estavam sob o controle dos oleiros, que como donos de empresas tinham uma posição social elevada [ citação necessária ] .

Até que ponto ceramistas e pintores eram idênticos é incerto. É provável que muitos mestres oleiros tenham dado sua principal contribuição no processo de produção como pintores de vasos, ao mesmo tempo em que empregaram outros pintores. No entanto, não é fácil reconstruir ligações entre oleiros e pintores. Em muitos casos, como Tleson and the Tleson Painter, Amasis and the Amasis Painter ou mesmo Nikosthenes e Painter N, é impossível fazer atribuições inequívocas, embora em grande parte da literatura científica esses pintores e ceramistas sejam considerados a mesma pessoa [ citação necessária ] Mas tais atribuições só podem ser feitas com confiança se as assinaturas do oleiro e do pintor estiverem disponíveis.

Os pintores, que eram escravos ou artesãos pagos como pintores de cerâmica, trabalharam em vasos secos de couro cru. No caso da produção de figuras negras, o tema era pintado no vaso com uma pasta de argila (uma barbotina, na literatura mais antiga também chamada de verniz) que ficava preta e brilhante após o cozimento.Não se tratava de "tinta" no sentido usual, uma vez que esta lâmina de superfície era feita do mesmo material de argila do vaso, diferindo apenas no tamanho das partículas componentes, obtidas durante o refinamento da argila antes do início do envasamento. A área para as figuras foi pintada primeiro com um instrumento em forma de pincel. Os contornos internos e detalhes estruturais foram entalhados na tira para que a argila subjacente pudesse ser vista através dos arranhões. Dois outros pigmentos baseados na terra, dando vermelho e branco, foram usados ​​para adicionar detalhes como ornamentos, roupas ou partes de roupas, cabelos, crinas de animais, partes de armas e outros equipamentos. O branco também era freqüentemente usado para representar a pele das mulheres.

O sucesso de todo esse esforço só pôde ser avaliado após um complicado processo de queima trifásico que gerou a cor vermelha da massa do corpo e o preto da barbotina aplicada. Especificamente, o vaso foi queimado em um forno a uma temperatura de cerca de 800 ° C, com a oxidação resultante tornando o vaso uma cor laranja-avermelhada. A temperatura foi então elevada para cerca de 950 ° C com as aberturas do forno fechadas e madeira verde adicionada para remover o oxigênio. O navio então ficou totalmente preto. O estágio final exigia que as aberturas fossem reabertas para permitir que o oxigênio entrasse no forno, que poderia esfriar. O vaso então voltou à sua cor laranja-avermelhada devido à oxidação renovada, enquanto a camada pintada agora sinterizada permaneceu com a cor preta brilhante que havia sido criada no segundo estágio.

Embora a pontuação seja um dos principais indicadores estilísticos, algumas peças dispensam. Para estes, a forma é tecnicamente semelhante ao estilo orientalizante, mas o repertório de imagens não reflete mais a prática orientalizante. [1]

A evolução da pintura em cerâmica com figuras negras é tradicionalmente descrita em termos de vários estilos e escolas regionais. Usando Corinto como centro, havia diferenças básicas nas produções das regiões individuais, mesmo que se influenciassem mutuamente. Especialmente na Ática, embora não exclusivamente lá, os melhores e mais influentes artistas de sua época caracterizaram a pintura em cerâmica clássica grega. O desenvolvimento posterior e a qualidade das embarcações como portadoras de imagem são os assuntos desta seção.

Corinth Edit

A técnica da figura negra foi desenvolvida por volta de 700 aC em Corinto [2] e usada pela primeira vez no início do século 7 aC por pintores de cerâmica proto-coríntios, que ainda pintavam no estilo orientalizante. A nova técnica lembrava peças de metal gravadas, com os utensílios de mesa de metal mais caros sendo substituídos por vasos de cerâmica com figuras pintadas neles. Um estilo característico de figura negra desenvolvido antes do final do século. A maioria dos elementos de orientação foi abandonada e não havia ornamentos, exceto para rosetas salpicadas (as rosetas sendo formadas por um arranjo de pequenos pontos individuais)

A argila usada em Corinto era macia, com uma tonalidade amarela, ocasionalmente verde. O disparo defeituoso era normal, ocorrendo sempre que o complicado procedimento de disparo não funcionava como desejado. O resultado geralmente era uma coloração indesejada de todo o vaso ou de partes dele. Após a queima, a tira brilhante aplicada ao vaso tornou-se preta opaca. As cores complementares vermelha e branca apareceram pela primeira vez em Corinto e depois se tornaram muito comuns. Os vasos pintados são geralmente de pequeno formato, raramente com mais de 30 cm. Frascos de óleo (alabastra, aryballos), pyxides, kraters, oenochoes e copos foram os vasos mais comumente pintados. Os vasos esculpidos também eram comuns. Em contraste com os vasos do ático, as inscrições são raras e as assinaturas dos pintores ainda mais. A maioria dos navios sobreviventes produzidos em Corinto foram encontrados na Etrúria, na baixa Itália e na Sicília. Na 7ª e na primeira metade do século 6 aC, a pintura em vasos coríntios dominou o mercado mediterrâneo de cerâmica. É difícil construir uma sequência estilística para a pintura de vasos coríntios. Em contraste com a pintura ática, por exemplo, as proporções da base de cerâmica não evoluíram muito. Também é frequentemente difícil datar vasos coríntios; frequentemente, temos que confiar em datas secundárias, como a fundação de colônias gregas na Itália. Com base nessas informações, uma cronologia aproximada pode ser traçada usando comparações estilísticas, mas raramente chega perto da precisão da datação de vasos áticos.

Cenas mitológicas são freqüentemente representadas, especialmente Hércules e figuras relacionadas à Guerra de Tróia. Mas as imagens dos vasos coríntios não têm uma gama temática tão ampla quanto as obras posteriores de pintores áticos. Os deuses raramente são representados, Dioniso nunca. Mas o Ciclo Tebano foi mais popular em Corinto do que mais tarde em Atenas. Principalmente lutas, cavaleiros e banquetes eram as cenas mais comuns da vida cotidiana, os últimos aparecendo pela primeira vez durante o início do período coríntio. Cenas de esportes são raras. Cenas com bailarinas barrigudas são únicas e seu significado é disputado até os dias de hoje. São bebedores cujas barrigas e nádegas são acolchoadas com travesseiros e podem representar uma das primeiras formas da comédia grega. [3]

Estilo de transição Editar

O estilo transicional (640-625 aC) vinculou o estilo orientalizante (proto-coríntio) ao estilo da figura negra. O antigo estilo de friso animal do período proto-coríntio havia secado, assim como o interesse dos pintores de vasos por cenas mitológicas. Durante este período, criaturas animais e híbridas eram dominantes. A forma de índice da época eram os aryballos esféricos, produzidos em grande quantidade e decorados com frisos de animais ou cenas da vida cotidiana. A qualidade da imagem é inferior em comparação com o período de orientação. Os artistas mais ilustres da época foram o Pintor do Touro Shambling, cuja obra mais famosa é um aryballos com cena de caça, o Pintor de Palermo 489, e seu discípulo, o Pintor Colombo. O estilo pessoal deste último pode ser mais facilmente reconhecido em suas imagens de leões poderosos. Ao lado dos aryballos, o kotyle e o alabastron são as formas de vaso mais importantes. As bordas dos kotyles eram ornamentadas e as outras decorações consistiam em animais e raios. As duas superfícies verticais dos vasos freqüentemente apresentam cenas mitológicas. Os alabastrons geralmente eram pintados com figuras únicas.

Editar Coríntia Antiga e Média

O Duel Painter foi o mais importante pintor Corinthian (625-600 AC) [4] que representou cenas de luta em aryballos. A partir do período médio do Corinto (600-575 aC), as cores opacas foram usadas cada vez com mais frequência para enfatizar os detalhes. As figuras também foram pintadas com uma série de pontos brancos. Os aryballos ficaram maiores e receberam uma base plana.

O pintor Pholoe é bem conhecido, sua obra mais famosa sendo um skyphos com uma imagem de Hércules. O Pintor Dodwell continuou a pintar frisos de animais, embora outros pintores já tivessem abandonado esta tradição. [5] Seu período criativo estendeu-se até o final do Corinto [ esclarecimento necessário ] e sua influência não pode ser superestimada na pintura de vasos da época. Igualmente de excepcional reputação foram o mestre do Gorgoneion Group e do Cavalcade Painter, dado esta designação devido à sua preferência por representar cavaleiros em interiores de taças, ele era ativo por volta de 580 aC. [6] Duas de suas obras-primas [7] são uma xícara [8] mostrando o suicídio de Ajax e uma coluna krater mostrando um casal de noivos em uma carruagem. Todas as figuras mostradas na tigela estão etiquetadas.

O primeiro artista conhecido pelo nome é o pintor de vasos policromados Timonidas [de], que assinou [9] um frasco [10] e uma pinax. [11] O nome de um segundo artista, Milonidas, também aparece em uma pinax.

O jarro de vinho olpe coríntio foi substituído por uma versão ática do oinochoe com labelo em folha de trevo. No tempo médio de Corinto, as representações de pessoas tornaram-se novamente mais comuns. O Eurytios Krater datado de cerca de 600 aC é considerado de qualidade particularmente alta, pois mostra um simpósio no friso principal com Hércules, Euríticos e outras figuras míticas.

Edição final do Corinthian

No final dos tempos de Corinthian (às vezes designados Late Corinthian I, 575-550 aC) os vasos coríntios tinham uma cobertura vermelha para realçar o contraste entre as grandes áreas brancas e a cor bastante pálida do vaso de argila. Isso colocou os artesãos coríntios em competição com os pintores de cerâmica áticos, que, nesse ínterim, assumiram um papel de liderança no comércio de cerâmica. As formas dos vasos do sótão também foram cada vez mais copiadas. Oinochoes, cuja forma permanecera basicamente inalterada até aquele momento, começaram a se assemelhar a formas áticas lekythos também começaram a ser cada vez mais produzidos. A coluna krater, uma invenção coríntia que por isso foi chamada de korinthios no resto da Grécia, foi modificada. O encurtamento das volutas acima das alças deu origem ao krater calcídico. O campo principal da imagem foi decorado com várias representações da vida quotidiana ou cenas mitológicas, o campo secundário continha um friso de animais. As costas geralmente mostravam dois animais grandes.

As copas já haviam se aprofundado já na época do meio do Corinto e essa tendência continuou. Eles se tornaram tão populares quanto os kotyles. Muitos deles têm cenas mitológicas por fora e uma careta de górgona por dentro. Este tipo de pintura também foi adotado por pintores áticos. Por sua vez, os pintores coríntios conquistaram os campos de imagens emolduradas de Atenas. Os frisos de animais tornaram-se menos importantes. Durante esse tempo, o terceiro pintor coríntio com um nome conhecido, Chares, estava ativo. [12] O Pintor de Tydeus também deve ser mencionado, que por volta de 560 aC gostava de pintar ânforas de pescoço com um fundo vermelho. [13] Rosetas incisas continuaram a ser colocadas em vasos, faltando apenas em algumas krateras e xícaras. A obra de arte de maior destaque neste período é o Amphiaraos Krater, uma coluna krater criada por volta de 560 aC como a principal obra do Pintor de Amphiaraos. Mostra vários acontecimentos da vida do herói Amphiaraos.

Por volta de 550 aC chegou ao fim a produção de vasos com figuras. O seguinte Estilo Coríntio tardio II é caracterizado por vasos apenas com ornamentos, geralmente pintados com uma técnica de silhueta. Foi sucedido pelo estilo de figuras vermelhas, que entretanto não alcançou uma qualidade particularmente alta em Corinto.

Editar Attica

Com mais de 20.000 peças existentes, os vasos áticos de figuras negras compreendem a maior e ao mesmo tempo mais significativa coleção de vasos, perdendo apenas para os vasos áticos de figuras vermelhas. [14] Os ceramistas áticos se beneficiaram da excelente argila rica em ferro encontrada na Ática. Os vasos áticos de figuras pretas de alta qualidade têm um revestimento uniforme, brilhante, preto como breu e a base de argila de terracota com cores intensas foi meticulosamente alisada. A pele feminina é sempre indicada com a cor branca opaca, que também é muito utilizada para detalhes como cavalos individuais, roupas ou enfeites. Os mais notáveis ​​artistas áticos elevaram a pintura em vasos a uma arte gráfica, mas um grande número de produtos de qualidade média e de mercado de massa também foram produzidos. O significado notável da cerâmica ática vem de seu repertório quase infinito de cenas que cobrem uma ampla gama de temas. Estes fornecem ricos testemunhos, especialmente no que diz respeito à mitologia, mas também à vida diária. Por outro lado, praticamente não existem imagens referentes a eventos contemporâneos. Essas referências são apenas ocasionalmente evidentes na forma de anotações, por exemplo, quando as inscrições de kalos são pintadas em um vaso. Os vasos eram produzidos para o mercado interno, por um lado, e eram importantes para festas ou para atos rituais. Por outro lado, eram também um importante produto de exportação vendido em toda a área do Mediterrâneo. Por esta razão, a maioria dos vasos sobreviventes vêm de necrópoles etruscas. [15]

Pioneiros Editar

A técnica da figura negra foi aplicada pela primeira vez em meados do século 7 aC, durante o período da pintura proto-ática em vasos. Influenciados pela cerâmica de Corinto, que oferecia a mais alta qualidade na época, os pintores de vasos áticos mudaram para a nova tecnologia entre cerca de 635 aC e o final do século. No início, eles seguiram de perto os métodos e assuntos dos modelos coríntios. O Pintor de Berlim A 34 no início deste período é o primeiro pintor individual identificado. O primeiro artista com um estilo único foi o Pintor Nessos. Com sua ânfora Nessos, ele criou a primeira peça notável no estilo ático de figuras negras. [16] Ao mesmo tempo, ele foi um dos primeiros mestres do estilo de friso animal ático. Um de seus vasos também foi o primeiro vaso ático conhecido exportado para a Etrúria. [17] Ele também foi responsável pelas primeiras representações de harpias e sereias na arte ática. Em contraste com os pintores coríntios, ele usou linhas incisas duplas e até triplas para melhor representar a anatomia animal. Uma linha de ombro com estrias duplas tornou-se uma característica dos vasos do ático. As possibilidades inerentes a grandes peças de cerâmica, como ânforas de barriga, como portadores de imagens, também foram reconhecidas desde muito cedo. Outros pintores importantes desta época pioneira foram o Pintor Pireu, o Pintor Belerofonte e o Pintor Leão.

Primeiros vasos do sótão Editar

O estilo das figuras negras tornou-se geralmente estabelecido em Atenas por volta de 600 AC. Um dos primeiros desenvolvimentos atenienses foi a ânfora com cabeça de cavalo, o nome vindo da representação de cabeças de cavalo em uma janela de imagem. As janelas de imagem foram usadas com frequência no período subsequente e mais tarde foram adotadas até mesmo em Corinto. O Pintor Cerameicus e o Pintor Górgona estão associados às ânforas com cabeça de cavalo. A influência coríntia não foi apenas mantida, mas até mesmo intensificada. O friso animal foi reconhecido como geralmente obrigatório e habitualmente usado. Isso tinha razões econômicas e estilísticas, porque Atenas competia com Corinto por mercados. Os vasos de sótão foram vendidos na área do Mar Negro, Líbia, Síria, baixa Itália e Espanha, bem como na pátria grega.

Além de seguir os modelos coríntios, os vasos atenienses também apresentam inovações locais. Assim, no início do século VI aC, surgiu um "tipo Deianaira" de lekythos, com uma forma oval alongada. [18] O pintor mais importante dessa época foi o Pintor Górgona (600–580 aC). Era um artista muito produtivo que raramente fazia uso de temas mitológicos ou figuras humanas e, quando o fazia, sempre os acompanhava com animais ou frisos de animais. Alguns de seus outros vasos tinham apenas representações de animais, como era o caso de muitos vasos coríntios. Além do Gorgon Painter, os pintores do Grupo Komast (585–570 aC) devem ser mencionados. Este grupo decorava tipos de vasos que eram novos em Atenas, nomeadamente lekanes, kotyles e kothons. A inovação mais importante foi, no entanto, a introdução da xícara komast, que junto com as "xícaras prekomast" da classe Oxford Palmette está no início do desenvolvimento das xícaras Attic. Pintores importantes neste grupo foram o mais velho KX Painter e o um tanto menos talentoso KY Painter, que apresentou a coluna krater a Atenas. [19] Esses vasos foram projetados para uso em banquetes e, portanto, foram decorados com cenas komos relevantes, como cenas komos dos performers komast.

Outros pintores importantes da primeira geração foram o Pintor da Pantera, o Pintor Anagyrus, o Pintor do Dresden Lekanis e o Pintor Polos. O último representante significativo da primeira geração de pintores foi Sophilos (580–570 aC), que é o primeiro pintor de vasos ático conhecido pelo nome. Ao todo, ele assinou quatro vasos sobreviventes, três como pintor e um como oleiro, revelando que nessa data os oleiros também eram pintores de vasos no estilo figura negra. Uma separação fundamental de ambos os ofícios parece ter ocorrido apenas no decorrer do desenvolvimento do estilo das figuras vermelhas, embora a especialização anterior não possa ser descartada. Sophilos faz uso liberal de anotações. Ele aparentemente se especializou em grandes vasos, já que especialmente dinossauros e ânforas são conhecidos por serem seu trabalho. Com muito mais frequência do que seus predecessores, Sophilos mostra cenas mitológicas como os jogos fúnebres de Pátroclo. O declínio do friso animal começa com ele, e as plantas e outros ornamentos também são de qualidade inferior, uma vez que são considerados menos importantes e, portanto, recebem pouca atenção do pintor. Mas em outros aspectos, Sophilos mostra que ele era um artista ambicioso. Em dois dinos, o casamento de Peleu e Tétis é retratado. Esses vasos foram produzidos mais ou menos na mesma época que o vaso François, que retrata este assunto com perfeição. No entanto, Sophilos dispensa quaisquer enfeites em forma de frisos de animais em um de seus dois dinossauros, [20] e ele não combina diferentes mitos em cenas distribuídas em várias superfícies de vasos. É o primeiro grande vaso grego mostrando um único mito em vários segmentos inter-relacionados. Uma característica especial dos dinossauros é a aplicação, pelo pintor, da tinta branca opaca que designa as mulheres diretamente na base de argila, e não como de costume no brilho preto. Os detalhes e contornos do interior da figura são pintados em um vermelho opaco. Esta técnica particular é rara, encontrada apenas em vasos pintados na oficina de Sophilos e em painéis de madeira pintados no estilo coríntio no século VI aC. Sophilos também pintou um dos raros cálices (uma variedade de taças) e criou a primeira série sobrevivente de tabuinhas votivas. Ele próprio ou um de seus sucessores também decorou o primeiro vaso de casamento (conhecido como Lebes Gamikos) a ser encontrado. [21]

Edição do período pré-clássico arcaico

A partir do segundo terço do século 6 aC, os artistas áticos se interessaram por cenas mitológicas e outras representações de figuras. Os frisos de animais tornaram-se menos importantes. Apenas alguns pintores cuidaram deles, e geralmente eram transferidos do centro das atenções para áreas menos importantes dos vasos. Este novo estilo é especialmente representado pelo vaso François, assinado pelo oleiro Ergotimos e pelo pintor Kleitias (570–560 aC). Este krater é considerado o mais famoso vaso pintado na Grécia. [22] É a primeira krater voluta conhecida feita de argila. Os eventos mitológicos são representados em vários frisos, com frisos de animais sendo mostrados em locais secundários. Vários detalhes iconográficos e técnicos aparecem neste vaso pela primeira vez. Muitos são únicos, como a representação de um mastro abaixado de um veleiro outros passaram a fazer parte do repertório padrão, como pessoas sentadas com uma perna atrás da outra, ao invés do tradicional posicionamento paralelo das pernas. [23] Quatro outros vasos menores foram assinados por Ergotimos e Kleitias, e vasos e fragmentos adicionais são atribuídos a eles. Eles fornecem evidências para outras inovações de Kleitias, como a primeira representação do nascimento de Atenas ou da Dança em Creta.

Nearchos (565–555 aC) assinou como oleiro e pintor. Ele preferia figuras grandes e foi o primeiro a criar imagens que mostrassem os arreios de uma carruagem. Outra inovação foi colocar um desenho de língua em um fundo branco sob a borda do vaso. [24] Outros pintores talentosos foram o Pintor de Akropolis 606 e o ​​Pintor Ptoon, cuja peça mais conhecida é Hearst Hydria. O Grupo Burgon também é significativo, sendo a fonte da primeira ânfora panatenaica totalmente preservada.

A taça Siana evoluiu a partir da taça komast por volta de 575 AC.Enquanto o Grupo Komast produzia outros formatos que não as xícaras, alguns artesãos se especializaram na produção de xícaras após a época do primeiro exemplificador importante das xícaras Siana, o C Painter (575-555 aC). As taças têm uma borda mais alta do que antes e uma base em forma de trombeta em uma haste oca relativamente curta. Pela primeira vez na pintura de vaso ático, o interior da xícara foi decorado com imagens emolduradas (tondo). Havia dois tipos de decoração. No estilo de "dois andares", o corpo da xícara e a borda possuem decorações separadas. No estilo "sobreposição", a imagem se estende pelo corpo e pelos lábios. A partir do segundo quartel do século 6 aC passou a haver mais interesse em decorar, principalmente, xícaras com fotos de atletas. Outro importante pintor de copos de Siana foi o pintor de Heidelberg. Ele também pintou quase exclusivamente xícaras de Siana. Seu assunto favorito era o herói Hércules. O pintor de Heidelberg é o primeiro pintor ático a mostrá-lo com o javali Erymanthian, com Nereus, com Busiris e no jardim das Hespérides. A Pintora Cassandra, que decorou as xícaras de tamanho médio com bases e lábios altos, marca o fim do desenvolvimento da xícara Siana. Ele é principalmente significativo como o primeiro pintor conhecido a pertencer aos chamados Pequenos Mestres, um grande grupo de pintores que produziram a mesma gama de vasos, conhecidos como xícaras de Pequenos Mestres. Os chamados copos Merrythought foram produzidos simultaneamente com os copos Siana. Suas alças têm a forma de um garfo de duas pontas e terminam no que parece ser um botão. Essas xícaras não têm borda delineada. Eles também têm uma tigela mais profunda com um pé mais alto e mais estreito.

O último pintor notável do Período Arcaico Pré-Clássico foi Lido (560-540 aC), que assinou duas de suas peças sobreviventes com Ho Lydos (o lídio). Ele ou seus ancestrais imediatos provavelmente vieram da Ásia Menor, mas sem dúvida foi treinado em Atenas. Mais de 130 vasos sobreviventes agora são atribuídos a ele. Uma de suas fotos em uma hidria é a primeira representação ática conhecida da luta entre Hércules e Geryon. Lido foi o primeiro a mostrar Hércules com a pele de um leão, que depois se tornou comum na arte ática. Ele também descreveu a batalha entre os deuses e os gigantes em um dinos encontrado na acrópole de Atenas, e Hércules com Cycnus. Lydos decorava outros tipos de vasos além de hydriai e dinos, como pratos, xícaras (xícaras de Siena sobrepostas), kraters de coluna e psykters, bem como tabletes votivas. Continua a ser difícil identificar os produtos de Lydos como tais, uma vez que frequentemente eles diferem apenas ligeiramente daqueles de seu meio imediato. O estilo é bastante homogêneo, mas as peças variam consideravelmente em qualidade. Os desenhos nem sempre são produzidos com cuidado. Lydos era provavelmente um capataz em uma oficina muito produtiva no distrito de olaria de Atenas. Ele foi provavelmente o último pintor de vasos áticos a colocar frisos de animais em vasos grandes. Ainda na tradição coríntia, seus desenhos de figuras são um elo na cadeia de pintores de vasos que vai de Kleitias, passando por Lido e pelos Pintores Amasis, até Exekias. Junto com eles participou da evolução desta arte na Ática e teve uma influência duradoura. [25]

Uma forma especial de vasos áticos desse período era a ânfora tirrênica (550-530 aC). Eram ânforas de pescoço em forma de ovo com decorações atípicas do cânone de design ático usual do período. Quase todos os c. 200 vasos sobreviventes foram encontrados na Etrúria. O corpo da ânfora é geralmente subdividido em vários frisos paralelos. O friso superior ou do ombro geralmente mostra uma cena popular da mitologia. Às vezes, há assuntos menos comuns, como uma cena única do sacrifício de Polyxena. As primeiras imagens eróticas conhecidas em vasos áticos também são encontradas neste local de vaso. Os pintores freqüentemente colocam anotações na ânfora tirrênica que identificam as pessoas mostradas. Os outros dois ou três frisos eram decorados com animais, às vezes um deles era substituído por um friso vegetal. O pescoço é normalmente pintado com uma cruz de palmeta de lótus ou festões. As ânforas são bastante coloridas e lembram produtos coríntios. Neste caso, uma forma coríntia foi obviamente copiada deliberadamente para produzir um tipo de vaso específico para o mercado etrusco, onde o estilo era popular. É possível que essa forma não tenha sido fabricada em Atenas, mas em algum outro lugar da Ática, ou mesmo fora da Ática. Pintores importantes foram o Pintor Castellani e o Pintor Goltyr.

Os anos de maestria Editar

O período entre 560 e o início da pintura em cerâmica com figuras vermelhas por volta de 530/520 aC é considerado o auge absoluto da pintura em vasos com figuras negras. Neste período, os melhores e mais conhecidos artistas exploraram todas as possibilidades que este estilo oferece. [26]

O primeiro pintor importante dessa época foi o Pintor Amasis (560–525 aC), em homenagem ao famoso oleiro Amasis, com quem trabalhou principalmente. Muitos pesquisadores os consideram a mesma pessoa. Ele começou sua carreira de pintor quase na mesma época que Lydos, mas foi ativo por um período quase duas vezes mais longo. Enquanto Lydos mostrava mais as habilidades de um artesão habilidoso, o Pintor Amasis era um artista talentoso. Suas imagens são inteligentes, charmosas e sofisticadas [27] e seu desenvolvimento artístico pessoal se aproxima de um reflexo da evolução geral da pintura de vasos áticos de figuras negras naquela época. Seus primeiros trabalhos mostram sua afinidade com os pintores das xícaras de Siana. Os avanços podem ser mais facilmente reconhecidos na maneira como ele desenha as dobras da roupa. Suas primeiras figuras femininas usam roupas sem dobras. Mais tarde, ele pinta dobras planas e angulares e, no final, é capaz de transmitir a impressão de roupas flexíveis e esvoaçantes. [28] Desenhos de roupas eram uma das principais características que ele gostava de representar em roupas estampadas e com franjas. Os grupos de figuras que o Pintor Amasis mostra foram cuidadosamente desenhados e simetricamente compostos. Inicialmente eram bastante estáticos, as figuras posteriores transmitem uma impressão de movimento. Embora o Pintor Amasis frequentemente retratasse eventos mitológicos - ele é conhecido por seus sátiros com cara de porco, por exemplo - ele é mais conhecido por suas cenas da vida diária. Ele foi o primeiro pintor a retratá-los de forma significativa. Seu trabalho influenciou decisivamente o trabalho dos pintores de figuras vermelhas mais tarde. Ele possivelmente antecipou algumas de suas inovações ou foi influenciado por elas no final de sua carreira de pintor: em muitos de seus vasos as mulheres são mostradas apenas em contorno, sem um preenchimento preto, e elas não são mais identificáveis ​​como mulheres pela aplicação de opaco branco como a cor da pele. [29]

O Grupo E (550-525 v. Chr.) Era uma coleção grande e independente de artesãos e é considerado o grupo anônimo mais importante na produção de cerâmica ática com figuras negras. Rompia rigorosamente com a tradição estilística de Lydos, tanto no que diz respeito à imagem como ao corpo. As ânforas de pescoço em forma de ovo foram completamente abandonadas, as krateras de coluna quase totalmente abandonadas. Em vez disso, esse grupo introduziu as ânforas da barriga do Tipo A, que se tornaram uma forma de índice. As ânforas de pescoço geralmente eram produzidas apenas em versões personalizadas. O grupo não tinha interesse em formatos pequenos. Muitas cenas, especialmente aquelas originadas em mitos, foram reproduzidas repetidamente. Assim, várias ânforas deste grupo mostram Hércules com Gerião ou o Leão da Neméia, e cada vez mais Teseu e o Minotauro, bem como o nascimento de Atenas. O significado particular do grupo está, no entanto, na influência que exerceu sobre Exekias. A maioria dos artistas áticos do período copiaram os estilos do Grupo E e Exekias. O trabalho de Lydos e o Pintor Amasis, ao contrário, não foi imitado com tanta freqüência. Beazley descreve a importância do grupo para Exekias da seguinte forma: “O Grupo E é o terreno fértil de onde brota a arte de Exekias, a tradição que ele retoma e supera ao passar de excelente artesão a verdadeiro artista”. [30]

Exekias (545-520 aC) é geralmente considerado o mestre absoluto do estilo das figuras negras, que atinge seu ápice com ele. [31] Seu significado não se deve apenas à sua pintura magistral em vasos, mas também à sua cerâmica inovadora e de alta qualidade. Ele assinou 12 de seus vasos sobreviventes como oleiro, dois como pintor e oleiro. Exekias provavelmente teve um grande papel no desenvolvimento das xícaras Little-master e da ânfora abdominal Tipo A mencionada acima, e ele possivelmente inventou o krater cálice, pelo menos a peça mais antiga existente é de sua oficina. Em contraste com muitos outros artesãos comparáveis, como pintor, ele atribuía grande importância à elaboração cuidadosa dos ornamentos. Os detalhes de suas imagens - crinas de cavalos, armas, roupas - também são excepcionalmente bem executados. Suas cenas costumam ser monumentais e as figuras emanam uma dignidade até então desconhecida na pintura. Em muitos casos, ele rompeu com as convenções do sótão. Para seu vaso mais famoso, a xícara de Dionísio, ele foi o primeiro a usar um revestimento interno vermelho-coral em vez da cor vermelha habitual. Esta inovação, assim como a colocação de dois pares de olhos no exterior, conecta Exekias com as clássicas xícaras. Provavelmente ainda mais inovador foi o uso de todo o interior da xícara para a foto de Dioniso, reclinado em um navio de onde brotam videiras. Naquela época, era de fato costume decorar a superfície interna apenas com uma face de górgona. A xícara [32] é provavelmente uma das experiências realizadas no distrito da cerâmica para abrir novos caminhos antes que o estilo das figuras vermelhas fosse introduzido. Ele foi o primeiro a pintar um navio navegando ao longo da borda de um dinos. Ele raramente aderiu aos padrões tradicionais de retratar temas mitológicos habituais. Sua descrição do suicídio de Ajax também é significativa. Exekias não mostra o ato em si, que estava na tradição, mas sim os preparativos de Ajax. [33] Tão famosa quanto a taça de Dionísio é uma ânfora com sua visualização de Ajax e Aquiles envolvidos em um jogo de tabuleiro. [34] Não apenas o retrato é detalhado, Exekias também transmite o resultado do jogo. Quase no estilo de um balão de fala, ele faz os dois jogadores anunciarem os números que lançaram com seus dados - Ajax, um três e Aquiles, um quatro. Esta é a representação mais antiga conhecida desta cena, da qual não há menção na literatura clássica. Nada menos que 180 outros vasos sobreviventes, datando da versão Exekias até cerca de 480 aC, mostram essa cena. [35]

John Boardman enfatiza o status excepcional de Exekias, que o distingue dos pintores de vasos tradicionais: "As pessoas retratadas pelo artista anterior são, na melhor das hipóteses, bonecas elegantes. Amasis (o Pintor Amasis) era capaz de visualizar as pessoas como pessoas. Mas Exekias podia imaginá-las como deuses e, assim, dar-nos um antegozo da arte clássica ". [36]

Reconhecendo que os pintores de vasos na Grécia antiga eram considerados artesãos em vez de artistas, Exekias é, no entanto, considerado pelos historiadores da arte de hoje como um artista talentoso, cujo trabalho pode ser comparado com as "principais" pinturas (murais e painéis) desse período. [37] Seus contemporâneos aparentemente reconheceram isso também. A Coleção de Antiguidades Clássicas de Berlim no Museu Altes contém os restos de uma série de suas tabuinhas votivas. A série completa provavelmente tinha 16 painéis individuais. Fazer tal encomenda a um oleiro e pintor de vasos é provavelmente único na Antiguidade e é uma prova da elevada reputação deste artista. As tabuinhas mostram luto por uma mulher ateniense morta, bem como ela deitada no estado e sendo transportada para um túmulo. Exekias transmite a dor e a dignidade das figuras. Uma característica especial, por exemplo, é que o líder do cortejo fúnebre vira o rosto para olhar diretamente para o espectador, por assim dizer. A representação dos cavalos também é única, eles têm temperamentos individuais e não são reduzidos à sua função de animais nobres, como é habitual em vasos. [38]

Houve uma maior especialização entre os produtores de vasos e xícaras durante o período clássico maduro. As xícaras komast e Siana de grande volume evoluíram através das xícaras Gordion [39] para variantes graciosas chamadas xícaras Little-master por causa de sua pintura delicada. Os oleiros e pintores desta forma são chamados de Pequenos Mestres. Eles pintaram principalmente copos de banda e copos de lábios. Os copos labiais [40] receberam seu nome por causa de seus lábios relativamente pronunciados e delineados. A parte externa da xícara retinha muito do fundo de argila e normalmente exibia apenas algumas pequenas imagens, às vezes apenas inscrições, ou em alguns casos, a xícara inteira estava minimamente decorada. Também na área das alças raramente há mais do que palmetas ou inscrições perto dos pontos de fixação. Essas inscrições podem ser a assinatura do oleiro, o brinde de um bebedor ou simplesmente uma sequência de letras sem sentido. Mas os interiores do copo labial geralmente também são decorados com imagens.

Copos de banda [41] têm uma transição mais suave entre o corpo e a borda. A decoração tem a forma de uma faixa a circundar o exterior da chávena e pode frequentemente ser um friso muito elaborado. Neste caso, a borda é revestida com uma pasta preta brilhante. O interior mantém a cor do barro, exceto por um ponto preto pintado no centro. As variações incluem copos Droop e copos Kassel. As xícaras caídas [42] têm lábios côncavos pretos e pé alto. Tal como acontece com os copos de banda clássicos, a borda é deixada preta, mas a área abaixo é decorada com ornamentos como folhas, botões, palmetas, pontos, nimbos ou animais no exterior do copo. As xícaras Kassel [43] são pequenas, mais achatadas do que outras xícaras Little Masters, e todo o exterior é decorado. Como no caso das xícaras Droop, principalmente os ornamentos são pintados. Pequenos mestres famosos são os oleiros Phrynos, Sokles, Tleson e Ergoteles, sendo os dois últimos filhos do oleiro Nearchos. Hermogenes inventou uma variedade de skyphos do Pequeno Mestre [44] agora conhecida como skyphos Hermogenes. O Pintor Phrynos, o Pintor Taleides, o Pintor Xenokles e o Grupo de Rodes 12264 também devem ser mencionados aqui.

Copo para lábios do oleiro Tleson com assinatura ("Tleson, filho de nearchos, me fez"), c. 540 a.C., agora na Coleção Estadual de Antiguidades de Munique

Taça da banda por um artista desconhecido mostrando lutadores, c. 540 AC, de Vulci, agora no Louvre, Paris

Copo Droop de um artista desconhecido, c. 550/530 AC, da Grécia, agora no Louvre, Paris

Copo Kassel de um artista desconhecido, c. 540 a.C., agora no Louvre, Paris

Último quarto do século 6 aC Editar

Até o final do século, a qualidade da produção de vasos de figuras negras podia basicamente ser mantida. Porém, após o desenvolvimento do estilo das figuras vermelhas por volta de 530 aC, presumivelmente pelo Pintor de Andokides, mais e mais pintores adotaram o estilo das figuras vermelhas, que fornecia muito mais possibilidades para adicionar detalhes dentro dos contornos das figuras. O novo estilo também permitiu muitos experimentos mais promissores com encurtamento, vistas em perspectiva e novos designs de arranjos. Os conteúdos das cenas, como sempre, refletiam as tendências de gosto e o espírito da época, mas o estilo das figuras vermelhas criava melhores pré-condições para apresentar cenas mais elaboradas, explorando as novas possibilidades de arranjo.

Enquanto isso, alguns artesãos inovadores ainda poderiam dar novos impulsos à produção de vasos de figuras negras. O ceramista mais imaginativo da época, também empresário talentoso, foi Nikosthenes. Mais de 120 vasos levam sua assinatura, indicando que foram feitos por ele ou em sua oficina. Ele parece ter se especializado particularmente na produção de vasos para exportação para a Etrúria. Em sua oficina foram produzidas as habituais ânforas para o pescoço, Little Masters, Droop e copos para os olhos, mas também um tipo de ânfora que lembra a cerâmica bucchero etrusca, batizada de ânfora nikostênica em homenagem a seu criador. Essas peças foram encontradas principalmente em Caere, os outros tipos de vasos geralmente em Cerveteri e Vulci. As muitas invenções em sua oficina não se limitaram a formas. Na oficina de Nikosthenes, o que é conhecido como a técnica dos Seis foi desenvolvido, em que as figuras eram pintadas em marrom avermelhado ou branco sobre uma combinação preta brilhante. Não está claro se Nikosthenes também pintou vasos, caso em que geralmente se presume que ele seja idêntico ao Painter N. [45] O Painter BMN e o pintor Nikosthenes de figura vermelha também têm o nome de Nikosthenes. Em sua oficina, ele empregou muitos pintores de vasos famosos, incluindo os idosos Lydos, Oltos e Epiktetos. A tradição da oficina foi continuada pelo sucessor de Nikosthenes, Pamphaios. [46]

Dois pintores de vasos de figuras negras são considerados maneiristas (540-520 aC). O pintor Elbows Out decorava principalmente as xícaras dos Little Masters. Os cotovelos estendidos de suas figuras são conspícuos, uma característica responsável por seu nome pragmático. Ele raramente retratava cenas mitológicas - cenas eróticas são muito mais comuns. Ele também decorou uma forma rara de vaso conhecida como lydion. O mais importante dos dois pintores foi The Affecter, cujo nome vem da impressão exageradamente artificial de suas figuras. Essas figuras de cabeça pequena não parecem estar agindo tanto quanto posando. Seus primeiros trabalhos mostram cenas da vida cotidiana, mais tarde ele se voltou para cenas decorativas em que figuras e atributos são reconhecíveis, mas dificilmente ações. Se suas figuras estão vestidas, parecem acolchoadas, se estiverem nuas, são muito angulares. O Affecter foi oleiro e pintor, mais de 130 de seus vasos sobreviveram. [47]

O Pintor de Antimenes (530–500 aC) gostava de decorar hidria com frisos de animais na predela, e especialmente ânforas no pescoço. Duas hidrias atribuídas a ele são decoradas na região do pescoço na técnica de fundo branco. Ele foi o primeiro a pintar ânforas com uma máscara de Dioniso. O mais famoso de seus mais de 200 vasos sobreviventes mostra uma colheita de azeitonas no verso. Seus desenhos raramente são realmente precisos, mas também não são excessivamente descuidados. [48] ​​Estilisticamente, o pintor Psiax está intimamente relacionado ao Pintor Antimenes, embora o primeiro também usasse a técnica das figuras vermelhas. Como professor dos pintores Euphronius e Phintias, Psiax teve uma grande influência no desenvolvimento inicial do estilo das figuras vermelhas. Ele freqüentemente mostra cenas de cavalos e carruagens e arqueiros. [49]

O último grupo importante de pintores foi o Grupo Leagros (520-500 aC), batizado em homenagem à inscrição kalos que eles freqüentemente usavam, Leagros. Ânforas e hidria, esta última frequentemente com palmetas na predela, são os vasos pintados com mais frequência. O campo da imagem geralmente é preenchido de forma absoluta, mas a qualidade das imagens ainda é mantida muito alta. Muitos dos mais de 200 vasos neste grupo foram decorados com cenas da Guerra de Tróia e da vida de Hércules [50]. Pintores como o espirituoso Pintor Acheloos, o Pintor Chiusi convencional e o Pintor Daybreak com seus detalhes fiéis pertencem ao Grupo Leagros . [51]

Outros pintores de vasos bem conhecidos da época são o Pintor do Enlutado do Vaticano, o Pintor de Princeton, o Pintor de Munique de 1410 e o Pintor de Swing (540-520 aC), a quem muitos vasos são atribuídos. Ele não é considerado um artista muito bom, mas suas figuras são involuntariamente engraçadas por causa das figuras com suas cabeças grandes, narizes estranhos e punhos frequentemente cerrados. [52] O trabalho do Pintor Rycroft tem uma semelhança com a pintura de vasos de figuras vermelhas e as novas formas de expressão.Ele gostava de retratar cenas dionisíacas, cavalos e carruagens, e as aventuras de Hércules. Ele costuma usar desenhos de contorno. Os cerca de 50 vasos geralmente grandes atribuídos a ele são elegantemente pintados. [53] A classe de C.M. 218 variações decoradas principalmente das ânforas nikostênicas. A Classe Hypobibazon trabalhou com um novo tipo de ânfora abdominal com alças e pés arredondados, cuja decoração é caracterizada por um meandro chave acima dos campos da imagem. Uma variante menor de ânfora de pescoço foi decorada pelo Grupo de Três Linhas. O Grupo Perizoma adotou por volta de 520 aC a forma recém-introduzida de estamnos. No final do século, produções de alta qualidade ainda eram produzidas pelo Pintor Euphiletos, pelo Pintor de Madrid e pelo imaginativo Pintor Priam.

Particularmente pintores de copos como Oltos, Epiktetos, Pheidippos e Skythes pintaram vasos em estilos de figuras vermelhas e pretas (cerâmica bilíngüe), principalmente copos para olhos. O interior era geralmente no estilo figura negra, o exterior no estilo figura vermelha. Existem vários casos de ânforas cujas faces frontal e posterior são decoradas em dois estilos diferentes. As mais famosas são as obras do Pintor Andokides, cujas cenas de figuras negras são atribuídas ao Pintor Lysippides. Os estudiosos estão divididos quanto à questão de saber se esses pintores são a mesma pessoa. Apenas alguns pintores, por exemplo o Pintor Nikoxenos e o Pintor Atenas, produziram grandes quantidades de vasos usando ambas as técnicas. Embora a cerâmica bilíngue tenha sido bastante popular por um curto período, o estilo saiu de moda já no final do século. [54]

Edição do período tardio

No início do século 5 aC até 480 aC, o mais tardar, todos os pintores de renome usavam o estilo das figuras vermelhas. Mas os vasos de figuras negras continuaram a ser produzidos por cerca de 50 anos adicionais, com sua qualidade diminuindo progressivamente. Os últimos pintores que produziram imagens de qualidade aceitável em grandes vasos foram o Pintor Eucarides e o Pintor Cleofrades. Apenas as oficinas que produziam formas menores como olpes, oenoches, skyphos, pequenas ânforas de pescoço e lekythos particulares usavam cada vez mais o estilo antigo. O Pintor Phanyllis usou a técnica Seis, entre outros métodos, e tanto o Pintor de Edimburgo quanto o Pintor de Gela decoraram o primeiro lekythos cilíndrico. O primeiro produziu principalmente cenas casuais, claras e simples usando um estilo de figura negra sobre fundo branco. O fundo branco dos vasos era bastante espesso e não era mais pintado diretamente sobre a base de argila, técnica que se tornou o padrão para todos os vasos de fundo branco. O Pintor de Safo se especializou em lekythos funerários. A oficina do Pintor Haimon foi especialmente produtiva, mais de 600 de seus vasos sobreviveram. O Pintor de Atenas (que talvez seja idêntico ao Pintor de Bowdoin de figura vermelha) e o Pintor de Perseu continuaram a decorar lekythos grandes e padrão. As cenas do Pintor de Atenas ainda irradiam um pouco da dignidade inerente ao trabalho do Grupo Leagros. O Pintor de Maratona é conhecido principalmente pelos lekythos funerários encontrados no túmulo pelos atenienses que morreram na Batalha de Maratona em 490 aC. O último pintor lekythos significativo, o Pintor Beldam, trabalhou por volta de 470 aC até 450 aC. Exceto pelas ânforas do prêmio Panathenaic, o estilo da figura negra chegou ao fim na Ática nessa época. [55]

Ânforas Prêmio Panatenaico Editar

Entre os vasos áticos de figuras negras, as ânforas do prêmio Panathenaic desempenham um papel especial. Depois de 566 aC - quando as celebrações panatenaicas foram introduzidas ou reorganizadas - elas eram o prêmio para os vencedores das competições esportivas e eram cheias de azeite, um dos principais produtos de exportação da cidade. Na frente, eles rotineiramente traziam a imagem da deusa Atena parada entre dois pilares nos quais galos empoleirados nas costas havia um cenário de esportes. A forma foi sempre a mesma e só foi modificada ligeiramente ao longo do longo período de produção. A ânfora abdominal era, como o nome sugere, originalmente especialmente bulbosa, com um pescoço curto e um pé longo e estreito. Por volta de 530 aC, os pescoços ficam mais curtos e o corpo um pouco mais estreito. Por volta de 400 aC, os ombros do vaso foram consideravelmente reduzidos em largura e a curva do corpo do vaso parecia apertada. Depois de 366 aC, os vasos voltaram a ser mais elegantes e tornaram-se ainda mais estreitos.

Esses vasos foram produzidos principalmente nas principais oficinas do distrito de Kerameikos. Parece ter sido uma honra ou particularmente lucrativo receber uma comissão pela produção dos vasos. Isso também explica a existência de muitas ânforas premiadas de excelentes pintores de vasos. Além de pintores de figuras negras superiores como o Pintor Euphiletos, Exekias, Hypereides e o Grupo Leagros, muitos artesãos mestres de figuras vermelhas são conhecidos como criadores de ânforas premiadas. Entre eles estão o Pintor Eucarides, o Pintor Kleophrades, o Pintor de Berlim, o Pintor Achilleus e Sophilos, que foi o único a ter assinado um dos vasos sobreviventes. O primeiro vaso conhecido foi produzido pelo Grupo Burgon e é conhecido como vaso Burgon. Como o nome do oficial governante (Arconte) ocasionalmente aparece no vaso após o século 4 aC, alguns dos vasos podem ser datados com precisão. Como a Panathenaia era uma festa religiosa, o estilo e o tipo de decoração não mudaram nem durante o período das figuras vermelhas, nem depois que os vasos com figuras deixaram de ser comercializados em Atenas. As ânforas premiadas foram produzidas no século 2 aC e cerca de 1.000 delas sobreviveram. Como em algumas datas o número de ânforas concedidas a um vencedor é conhecido, é possível deduzir que cerca de um por cento da produção total de vasos atenienses sobreviveu. Outras projeções levam à conclusão de que ao todo cerca de sete milhões de vasos com figuras pintadas foram produzidos em Atenas. [56] Além das ânforas de prêmio, formas imitativas conhecidas como ânforas de prêmio Pseudo-Panathenaic também foram fabricadas. [57]

Laconia Edit

Já no século 7 aC, cerâmica pintada era produzida em Esparta para consumo local e também para exportação. As primeiras peças de qualidade foram produzidas por volta de 580 AC. O zênite na cerâmica de figuras negras foi alcançado entre cerca de 575 e 525 AC. Além de Esparta, os principais locais de descoberta são as ilhas de Rodes e Samos, bem como Taranto, necrópoles etruscas e Cirene, que foi inicialmente considerada a fonte original da cerâmica. A qualidade dos navios é muito alta. A argila foi bem misturada e recebeu uma cobertura de cor creme. Ânforas, hidriai, crateras de coluna (chamadas Krater Lakonikos na antiguidade), kraters voluta, kraters calcídicos, lebes, aryballoi e o copo espartano para beber, o lakaina, foram pintados. Mas a forma de índice e achado mais frequente é a xícara. Na Lacônia, a tigela profunda costumava ser colocada em um pé alto. Os copos nos pés baixos são raros. O exterior é tipicamente decorado com ornamentos, geralmente festões de romãs, e a cena interna é bastante grande e contém figuras. Na Lacônia, mais cedo do que no resto da Grécia, o tondo se tornou a estrutura principal para as cenas da xícara. A imagem principal foi igualmente dividida em dois segmentos em uma data anterior, uma cena principal e outra menor e inferior. Freqüentemente, o vaso era revestido apenas com uma combinação brilhante ou decorado com apenas alguns enfeites. As inscrições são incomuns, mas podem aparecer como anotações de nome. As assinaturas são desconhecidas tanto para os ceramistas quanto para os pintores. É provável que os artesãos laconianos fossem pintores de cerâmica perioeci. Os traços característicos da cerâmica freqüentemente combinam com a moda de pintores conhecidos. Também é possível que eles fossem oleiros migrantes do leste da Grécia, o que explicaria a forte influência da Grécia oriental, especialmente no Pintor Boreads.

Nesse ínterim, pelo menos oito pintores de vasos podem ser distinguidos. Cinco pintores, o Pintor Arkesilas (565–555), o Pintor Boreads (575–565), o Pintor Hunt, o Pintor Naucratis (575–550) e o Pintor Rider (550–530) são considerados os representantes mais importantes do estilo, enquanto outros pintores são considerados artesãos de menor habilidade. As imagens são geralmente angulares e rígidas e contêm frisos de animais, cenas da vida diária, especialmente simpósios e muitos assuntos mitológicos. Destes últimos, Poseidon e Zeus são retratados com especial frequência, mas também Hércules e seus doze trabalhos, bem como os ciclos das lendas de Tebano e Troia. Especialmente nos primeiros vasos, uma careta de górgona é colocada em um tondo de xícara. Uma representação da ninfa Cirene e um tondo com um cavaleiro com uma gavinha de rolagem crescendo em sua cabeça (vaso do nome do Cavaleiro Pintor) são excepcionais. [58] Também é importante uma xícara com a imagem de Arcesilaus II. A taça Arcesilas forneceu o nome pragmático para o Pintor Arcesilas. [59] É uma das raras representações na cerâmica grega de eventos atuais ou pessoas. Os assuntos sugerem influência ática. Um roxo avermelhado era a principal cor opaca. Atualmente são conhecidos mais de 360 ​​vasos laconianos, sendo quase um terço deles, 116 peças, atribuídas ao Pintor Naucratis. O declínio por volta de 550 aC da pintura de vasos de figuras negras coríntias, que teve uma influência importante na pintura laconiana, levou a uma redução maciça na produção laconiana de vasos de figuras negras, que chegou ao fim por volta de 500 aC. A cerâmica foi amplamente distribuída, de Marselha à Grécia Jônica. Em Samos, a cerâmica laconiana é mais comum do que a cerâmica coríntia devido à estreita aliança política com Esparta. [60]

Boeotia Edit

Os vasos de figuras negras foram produzidos na Beócia do século 6 ao 4 aC. Ainda no início do século 6 aC, muitos pintores da Boeot usavam a técnica de contorno de orientação. Posteriormente, eles se orientaram de perto na produção do sótão. As distinções e atribuições a uma das duas regiões às vezes são difíceis e os vasos também podem ser confundidos com a cerâmica coríntia. Os vasos de sótão e coríntios de baixa qualidade são freqüentemente declarados como obras de Boeot. Freqüentemente, bons vasos de Boeotian são considerados Áticos e vasos pobres de Ático são falsamente considerados Beócios. Provavelmente houve uma troca de artesãos com Attica. Em pelo menos um caso, é certo que um oleiro ático emigrou para a Beócia (o Pintor Cavalo-Pássaro, e possivelmente também o Pintor Tokra, e entre os ceramistas certamente Teisias o Ateniense). Os temas mais importantes são frisos de animais, simpósios e cenas de komos. As cenas mitológicas são raras e, quando presentes, geralmente mostram Hércules ou Teseu. Do final do século 6 ao século 5, um estilo de silhueta predominou. Especialmente kantharos, lekanis, copos, pratos e jarros foram pintados. Como acontecia em Atenas, existem inscrições kalos. Os ceramistas de Boeot gostavam especialmente de produzir vasos moldados, bem como kantharos com adições esculpidas e tripé pyxides. As formas de lekanis, taças e ânforas de pescoço também foram herdadas de Atenas. O estilo de pintura costuma ser bem-humorado, havendo preferência por cenas de komos e sátiros. [61]

Entre 425 e 350 aC, os vasos kabeiric eram o principal estilo de figuras negras na Beócia. Na maioria dos casos, esta era uma forma híbrida entre um kantharos e um skyphos com uma tigela profunda e alças de anel verticais, mas também havia lebes, xícaras e pyxides. Têm o nome do local principal onde foram encontrados, o Santuário do Kabeiroi, perto de Tebas. As cenas, geralmente pintadas em apenas um lado do vaso, retratam o culto local. Os vasos caricaturam eventos mitológicos de forma humorística e exagerada. Às vezes, cenas de komos são mostradas, que presumivelmente estão relacionadas diretamente ao culto. [62]

Euboea Edit

A pintura de vasos de figuras negras na Eubeia também foi influenciada por Corinto e especialmente pela Ática. Nem sempre é fácil distinguir essas obras dos vasos áticos. Os estudiosos presumem que a maior parte da cerâmica foi produzida em Eretria. Principalmente ânforas, lekythos, hidria e placas foram pintadas. Ânforas de grande formato eram geralmente decoradas com cenas mitológicas, como as aventuras de Hércules ou o Julgamento de Paris. As grandes ânforas, derivadas de formas do século 7, têm lábios afilados e geralmente cenas relacionadas a casamentos. Aparentemente, são vasos funerários produzidos para crianças que morreram antes de se casarem. O uso restrito de incisão e o uso regular de branco opaco para os ornamentos florais eram características típicas da cerâmica de figuras negras de Eretria. Além de cenas que refletiam modelos áticos, também havia cenas mais selvagens, como o estupro de um cervo por um sátiro ou Hércules com centauros e demônios. Os vasos da classe Dolphin eram anteriormente considerados áticos, mas agora são considerados Euboic. No entanto, sua argila não corresponde a nenhuma fonte eretriana conhecida. Talvez as peças tenham sido produzidas em Chalcis. [63]

A origem de alguns estilos regionais de figuras negras é contestada. Por exemplo, a pintura em cerâmica da Calcídia já foi associada à Eubeia, enquanto a produção na Itália é considerada mais provável.

Grécia Oriental Editar

Em quase nenhuma outra região da Grécia as fronteiras entre os estilos de orientação e figura negra são tão incertas quanto no caso dos vasos do leste da Grécia. Até cerca de 600 aC, apenas desenhos de contorno e espaços vazios eram empregados. Então, durante a fase final do estilo de orientação, desenhos incisos começaram a aparecer, a nova técnica vinda do norte da Jônia. O estilo de friso animal que antes predominava era certamente decorativo, mas oferecia poucas oportunidades para um maior desenvolvimento técnico e artístico. Estilos regionais surgiram, especialmente na Jônia.

Perto do final do estilo Wild Goat, os artistas jônicos do norte imitaram - um tanto mal - os modelos coríntios. Mas já no século 7, vasos de alta qualidade eram produzidos em Ionia. Desde aproximadamente 600 aC, o estilo de figuras negras foi usado inteiramente ou em parte para decorar vasos. Além dos estilos regionais que se desenvolveram em Klazomenai, Éfeso, Mileto, Quios e Samos, havia estilos especialmente no norte da Jônia que não podem ser precisamente localizados. Frascos de óleo que aderiam ao modelo lídio (lídios) eram comuns, mas a maioria deles era decorada apenas com listras. Existem também cenas originais, por exemplo, um cita com um camelo bactriano ou um sátiro e um carneiro. Para alguns estilos, a atribuição é controversa. Assim, o Grupo de Northampton mostra forte influência jônica, mas a produção provavelmente foi na Itália, talvez por imigrantes da Jônia. [64]

Em Klazomenai, principalmente ânforas e hidria foram pintadas em meados do século 6 aC (c. 550 a 350 aC), bem como tigelas profundas com figuras planas de aparência angular. Os vasos não são muito elegantes no acabamento. Mulheres dançando e animais eram freqüentemente retratados. As oficinas principais foram as do Pintor Tübingen, do Pintor Petrie e do Grupo Urla. A maioria dos vasos foi encontrada em Naukratis e em Tell Defenneh, que foi abandonada em 525 AC. Sua origem era inicialmente incerta, mas Robert Zahn identificou a fonte por comparação com imagens em sarcófagos Klazomenianos. A cerâmica costumava ser decorada com máscaras femininas esculpidas. Cenas mitológicas eram ornamentos raros em escala de peixe, fileiras de pontos brancos e mulheres dançantes de aparência rígida eram populares. A descrição de um herold diante de um rei e uma rainha é única. Em geral, os homens eram caracterizados por grandes barbas em forma de pá. Começando já em 600 aC e continuando até cerca de 520 aC taças de roseta, sucessoras das taças de pássaros do leste da Grécia, foram produzidas, provavelmente em Klazomenai. [65]

A cerâmica de Sâmia apareceu pela primeira vez por volta de 560/550 aC com formas adotadas da Ática. Estas são as xícaras dos Pequenos Mestres e kantharos com formas faciais. A pintura é precisa e decorativa. Samos, juntamente com Milet e Rodes, foi um dos principais centros de produção de vasos ao estilo da Cabra Selvagem. [66]

A pintura em vaso de Rodes é conhecida principalmente nas placas de Rodes. Estas foram produzidas usando uma técnica policromada com muitos dos detalhes sendo incisos como na pintura de figuras negras. De cerca de 560 a 530 aC, as situlas eram comuns, inspiradas em modelos egípcios. Estes mostram tanto temas gregos, como Typhon, quanto temas egípcios antigos, como hieróglifos egípcios e disciplinas esportivas egípcias. [67]

Itália incluindo Etrúria Editar

Caeretan Hydria Editar

"Caeretan hydria" é o nome usado para um estilo especialmente colorido de pintura de vasos de figuras negras. A origem desses vasos é contestada na literatura. Com base na avaliação da pintura, os vasos foram considerados por muito tempo como etruscos ou coríntios, mas nos últimos anos predomina a visão de que os produtores eram dois pintores de cerâmica que emigraram do leste da Grécia para Caere (a moderna Cerveteri) na Etrúria. Inscrições em grego jônico apóiam a teoria da emigração. A oficina existiu por apenas uma geração. Hoje são conhecidos cerca de 40 vasos produzidos pelos dois mestres artesãos neste estilo. Todos são hidriai, exceto um alabastron. Nenhum foi encontrado fora da Etrúria, a maioria veio de Caere, que é a razão de seu nome. Os vasos são datados de aproximadamente 530 a 510/500 aC. As hidria de Caeretan são seguidas estilisticamente por ânforas no pescoço decoradas com listras.

Estas Hydriai tecnicamente bastante inferiores têm 40–45 cm. Alto. Os corpos desses vasos têm pescoços altos e muito proeminentes, ombros largos e pés baixos em forma de cálices de cabeça para baixo. Muitas das Hydriai estão deformadas ou apresentam disparos defeituosos. As imagens pintadas estão em quatro zonas: uma zona dos ombros, uma zona do ventre com figuras e outra com ornamentos, e uma parte inferior. Todas, exceto a zona da barriga com figuras, são decoradas com ornamentos. Existe apenas um caso em que ambos os frisos da barriga apresentam figuras. Suas cores múltiplas os distinguem de todos os outros estilos de figuras negras. O estilo lembra pinturas de vasos jônicos e placas de madeira pintadas multicoloridas encontradas no Egito. Os homens são mostrados com pele vermelha, preta ou branca. As mulheres quase sempre são retratadas com uma cor branca opaca. Os contornos, bem como os detalhes, são recortados, como é típico do estilo de figuras negras. As superfícies da tira brilhante preta são frequentemente cobertas com uma tira colorida adicional, de modo que a tira preta que se torna visível onde há marcações fornece detalhes internos às várias formas. Na frente as imagens estão sempre cheias de ação, no verso os desenhos heráldicos são comuns. Os enfeites são um componente importante da hydrias, eles não são subsidiários de outros motivos. Os estênceis foram usados ​​para pintar os ornamentos que não foram gravados.

O Pintor Busiris e o Pintor Águia são nomeados pintores. Este último é considerado o principal representante desse estilo. Eles estavam particularmente interessados ​​em tópicos mitológicos que geralmente revelavam uma influência oriental. No vaso de nome do pintor Busiris, Héracles está pisoteando o mítico faraó egípcio Busiris. Hércules é freqüentemente retratado em outros vasos também, e cenas da vida diária também existem. Também há cenas incomuns, como Cetus acompanhado de uma foca branca. [68]

Vasos pônticos Editar

Os vasos pônticos também estão intimamente relacionados com a pintura em cerâmica jônica. Também neste caso, presume-se que foram produzidos em oficinas etruscas por artesãos que emigraram da Jônia.Os vasos receberam seu nome enganoso pela representação em um vaso de arqueiros que se pensava ser citas, que viviam no Mar Negro (Ponto). A maioria dos vasos foi encontrada em sepulturas em Vulci, um número significativo também em Cerveteri. A forma do índice era uma ânfora de pescoço com uma forma particularmente esguia, muito parecida com ânforas tirrênicas. Outras formas eram oenochoes com alças em espiral, dinos, kyathos, pratos, béqueres com bases altas e, menos frequentemente, kantharos e outras formas. O adorno dos vasos pônticos é sempre semelhante. Em geral, há uma decoração ornamental no pescoço, depois figuras no ombro, seguidas de outra faixa de ornamentos, um friso de animal e, por último, um anel de raios. Pé, pescoço e alças são pretos. A importância dos ornamentos é perceptível, embora eles sejam freqüentemente formados de forma um tanto descuidada, alguns vasos são decorados apenas com ornamentos. A argila desses vasos é vermelho-amarelada e a barbotina que cobre os vasos é preta ou vermelho-amarronzada, de alta qualidade e com brilho metálico. As cores opacas vermelhas e brancas são usadas generosamente para figuras e ornamentos. Os animais são geralmente decorados com uma faixa branca na barriga. Os estudiosos identificaram seis workshops até o momento. O mais antigo e melhor é considerado o do Pintor de Paris. Ele mostra figuras mitológicas, incluindo um Hércules imberbe, como era costume na Grécia oriental. Ocasionalmente, há cenas que não fazem parte da mitologia grega, como Hércules lutando contra Juno Sospita ("o Salvador") do Pintor de Paris, ou um demônio lobo do Pintor Tityos. Há também cenas da vida diária, cenas de komos e cavaleiros. Os vasos são datados de uma época entre 550 e 500 aC, e cerca de 200 são conhecidos. [69]

Etruria Editar

Os vasos etruscos produzidos localmente datam provavelmente do século 7 aC. No início, eles se assemelham a modelos de figuras negras de Corinto e do leste da Grécia. Presume-se que, na fase inicial, os produtores eram principalmente os imigrantes gregos. O primeiro estilo importante foi a pintura em cerâmica pôntica. Posteriormente, no período entre 530 e 500 aC, o Pintor Micali e sua oficina seguiram. Nessa época, os artistas etruscos tendiam a seguir os modelos áticos e produziram principalmente ânforas, hidria e jarros. Eles geralmente tinham komos e cenas de simpósios e frisos de animais. Cenas mitológicas são menos comuns, mas são produzidas com muito cuidado. O estilo de figuras negras terminou por volta de 480 AC. Perto do final, um estilo maneirista se desenvolveu e, às vezes, uma técnica de silhueta bastante descuidada. [70]

Cerâmica Calcidiana Editar

A pintura de vaso calcidiano foi nomeada a partir de inscrições mitológicas que às vezes apareciam na escrita calcidiana. Por esta razão, a origem da cerâmica foi inicialmente suspeitada de ser Euboea. Atualmente, presume-se que a cerâmica foi produzida em Rhegion, talvez também em Caere, mas a questão ainda não foi definitivamente decidida. [71] A pintura de vaso calcidiano foi influenciada pela pintura ática, coríntia e especialmente jônica. Os vasos foram encontrados principalmente em locais italianos como Caeri, Vulci e Rhegion, mas também em outros locais do Mediterrâneo Ocidental.

A produção de vasos da Calcídia começou repentinamente por volta de 560 aC. Até o momento, nenhum precursor foi identificado. Depois de 50 anos, por volta de 510 aC, já havia acabado. Cerca de 600 vasos sobreviveram e 15 pintores ou grupos de pintores foram identificados até agora. Esses vasos são caracterizados por um trabalho de cerâmica de alta qualidade. A folha brilhante que os cobre geralmente fica escura como breu após o cozimento. A argila tem uma cor laranja. Cores opacas vermelhas e brancas foram generosamente usadas na pintura, assim como pontuações para produzir detalhes de interiores. A forma de índice é a ânfora do pescoço, responsável por um quarto de todos os vasos conhecidos, mas também existem xícaras, oenochoes e hidria, outros tipos de vasos sendo menos comuns. Lekanis e xícaras no estilo etrusco são exceções. Os vasos são econômicos e rigorosos na construção. O "pé de xícara da Calcídia" é uma característica típica. Às vezes, é copiado em vasos áticos de figuras pretas, menos frequentemente em vasos de figuras vermelhas.

O mais importante dos artistas conhecidos da geração mais velha é o Pintor de Inscrição, dos representantes mais jovens o Pintor Phineus. O primeiro é presumivelmente o originador do estilo, cerca de 170 dos vasos sobreviventes são atribuídos à oficina muito produtiva do último. Ele é provavelmente também o último representante deste estilo. As imagens geralmente são mais decorativas do que narrativas. São apresentados cavaleiros, frisos de animais, imagens heráldicas ou grupos de pessoas. Uma grande cruz de palmeta de lótus freqüentemente faz parte da imagem. As cenas mitológicas são raras, mas quando ocorrem são, em geral, de qualidade excepcionalmente alta.

A pintura em vaso pseudo-Calcidiana é a sucessora da pintura calcidiana. É próxima da Calcídia, mas também tem fortes ligações com a pintura de vasos áticos e coríntios. Assim, os artistas usaram o alfabeto jônico em vez do alfabeto calcidiano para as inscrições. A estrutura do barro também é diferente. Existem cerca de 70 vasos desse tipo conhecidos, que foram classificados pela primeira vez por Andreas Rumpf. É possível que os artesãos tenham sido sucessores dos pintores e oleiros de vasos da Calcídia que emigraram para a Etrúria. [72]

A pintura em vaso pseudo-Calcidiana é classificada em dois grupos. O mais velho dos dois é o Grupo Polifemo, que produziu a maioria dos vasos sobreviventes, principalmente ânforas no pescoço e oinochoes. Grupos de animais geralmente são mostrados, menos raramente cenas mitológicas. Os navios foram encontrados na Etrúria, na Sicília, em Marsellle e Vix. O Grupo Memnon, mais jovem e menos produtivo, ao qual são atribuídos atualmente 12 vasos, teve uma distribuição geográfica muito menor, limitando-se à Etrúria e à Sicília. Exceto por um oinochoe, eles produziram apenas ânforas no pescoço, que geralmente eram decoradas com animais e cavaleiros. [73]

Outra edição

Os vasos do Grupo Northampton eram todos pequenos ânforas de pescoço, com exceção de uma única ânfora de barriga. Eles são estilisticamente muito semelhantes à pintura de vaso jônico do norte, mas provavelmente foram produzidos na Itália e não na Jônia, talvez na Etrúria por volta de 540 aC. Os vasos deste grupo são de altíssima qualidade. Eles mostram ricas decorações ornamentais e cenas que atraíram o interesse de estudiosos, como um príncipe com cavalos e alguém montado em um guindaste. São semelhantes ao trabalho do Grupo de Campana Dinoi e à chamada Ânfora de Northampton, cuja argila é semelhante à da hidriai de Caeretan. O Grupo Northampton recebeu o nome desta ânfora. A Campana hydriai redonda lembra os modelos boeotianos e euboeanos. [74]

Outras regiões Editar

Os alabastrons com corpos cilíndricos de Andros são raros, assim como os lekanis de Tasos. Estes são uma reminiscência de produtos da Boeotia, exceto que eles têm dois frisos de animais em vez do único friso comum para a Beócia. As placas de Thasian seguiram os modelos áticos e com suas cenas figuradas são mais ambiciosas do que nos lekanis. São conhecidas imitações de vasos de Chios no estilo das figuras negras. A cerâmica local de figuras negras de Halai também é rara. Depois que os atenienses ocuparam Elaious nos Dardanelos, a produção local de cerâmica com figuras negras também começou lá. Os produtos modestos incluíam lekanis simples com imagens contornadas. Um pequeno número de vasos em estilo de figura negra foi produzido na França celta. Eles também foram quase certamente inspirados por vasos gregos. [75]

A pesquisa acadêmica sobre esses vasos começou especialmente no século XIX. Desde então, intensificou-se a suspeita de que esses vasos sejam de origem grega e não etrusca. Especialmente uma ânfora de prêmio Panathenaic encontrada por Edward Dodwell em 1819 em Atenas forneceu evidências. O primeiro a apresentar uma prova foi Gustav Kramer em seu trabalho Styl und Herkunft der bemalten griechischen Tongefäße (1837). No entanto, demorou vários anos para que essa percepção fosse geralmente aceita. Eduard Gerhard publicou um artigo intitulado Rapporto Volcente no Annali dell’Instituto di Corrispondenza Archeologica no qual ele investigou sistematicamente os vasos, ele foi o primeiro estudioso a fazê-lo. Para isso, em 1830, ele estudou os vasos encontrados em Tarquinia, comparando-os, por exemplo, com os vasos encontrados na Ática e em Aegina. Durante este trabalho, ele identificou 31 assinaturas de pintores e oleiros. Anteriormente, apenas o oleiro Taleides era conhecido. [76]

O próximo passo da pesquisa foi a catalogação científica das principais coleções de vasos em museus. Em 1854, Otto Jahn publicou os vasos da Coleção de Antiguidades do Estado de Munique. Anteriormente, foram publicados catálogos dos museus do Vaticano (1842) e do Museu Britânico (1851). A descrição da coleção de vasos da Coleção de Antiguidades Clássicas de Berlim, reunida em 1885 por Adolf Furtwängler, foi especialmente influente. Furtwängler foi o primeiro a classificar os vasos por região de origem artística, tecnologia, estilo, forma e chiqueiro, o que teve um efeito duradouro nas pesquisas subsequentes. Em 1893, Paul Hartwig tentou em seu livro Meisterschalen para identificar vários pintores com base em inscrições kalos, assinaturas e análises de estilo. Edmond Pottier, curador do Louvre, iniciou em 1919 a Corpus Vasorum Antiquorum. Todas as principais coleções em todo o mundo são publicadas nesta série, que em 2009 somava mais de 300 volumes. [77]

A pesquisa científica sobre a pintura em vasos áticos deve muito a John D. Beazley. Ele começou a estudar esses vasos por volta de 1910, utilizando o método desenvolvido pelo historiador da arte Giovanni Morelli para estudar pinturas, que havia sido aprimorado por Bernard Berenson. Ele presumia que cada pintor criava obras originais que sempre poderiam ser atribuídas de forma inequívoca. Ele fez uso de detalhes particulares como rostos, dedos, braços, pernas, joelhos e dobras de roupas. Beazley estudou 65.000 vasos e fragmentos, dos quais 20.000 eram figuras negras. No decorrer de seus estudos, que duraram quase seis décadas, ele conseguiu atribuir 17.000 deles pelo nome ou por meio de um sistema de nomes pragmáticos, e os classificou em grupos de pintores ou oficinas, relações e afinidades estilísticas. Ele identificou mais de 1.500 ceramistas e pintores. Nenhum outro arqueólogo teve uma influência tão decisiva na pesquisa de um campo arqueológico como Beazley, cujas análises permanecem válidas em grande parte até os dias de hoje. Depois de Beazley, estudiosos como John Boardman, Erika Simon e Dietrich von Bothmer investigaram vasos áticos de figuras negras. [78]

A pesquisa básica sobre a cerâmica coríntia foi realizada por Humfry Payne, que nos anos 1930 fez uma primeira classificação estilística que está, em essência, em uso até os dias atuais. Ele classificou os vasos de acordo com a forma, o tipo de decoração e os temas da imagem, e só depois fez distinções quanto a pintores e oficinas. Ele seguiu o método de Beazley, exceto por atribuir menos importância à distribuição de pintores e grupos, uma vez que uma estrutura cronológica era mais importante para ele. Jack L. Benson assumiu essa tarefa de alocação em 1953 e distinguiu 109 pintores e grupos. Por fim, Darrell A. Amyx resumiu a pesquisa até aquele ponto em seu livro Corinthian Vase-Painting of the Archaic Period, de 1988. No entanto, é uma questão de controvérsia acadêmica se é possível, no caso da cerâmica coríntia, atribuir pintores específicos. [79]

A cerâmica laconiana era conhecida desde o século 19 devido a um número significativo de vasos de sepulturas etruscas. A princípio foram atribuídos erroneamente, sendo durante muito tempo considerados um produto de Cirene, onde também foram encontradas algumas das primeiras peças. Graças às escavações britânicas realizadas no Santuário de Artemis Orthia, em Esparta, sua verdadeira origem foi rapidamente identificada. Em 1934, Arthur Lane reuniu todo o material conhecido e foi o primeiro arqueólogo a identificar diferentes artistas. Em 1956, as novas descobertas foram estudadas por Brian B. Shefton. Ele reduziu o número de pintores distintos pela metade. Em 1958 e 1959, outro novo material de Taranto foi publicado. Um número significativo de outros vasos também foi encontrado em Samos. Conrad Michael Stibbe estudou novamente todos os 360 vasos conhecidos por ele e publicou suas descobertas em 1972. Ele identificou cinco pintores maiores e três menores. [80]

Além da pesquisa sobre a pintura de vasos áticos, coríntios e laconianos, os arqueólogos estão frequentemente interessados ​​em estilos italianos menores. As hidriai de Caeretan foram identificadas e nomeadas pela primeira vez por Carl Humann e Otto Puchstein. Andreas Rumpf, Adolf Kirchhoff e outros arqueólogos suspeitaram erroneamente que a origem da Cerâmica Chalkidischen era Eubeia. Georg Ferdinand Dümmler é o responsável pela denominação falsa dos vasos de pônticos, que ele supôs serem da área do Mar Negro por causa da representação de um cita em um dos vasos. [81] Nesse ínterim, a pesquisa em todos os estilos é realizada menos por indivíduos do que por um grande grupo internacional de cientistas.


O esqueleto de 2.500 anos é o mais antigo remanescente conhecido de um atleta panatenaico

Na Grécia antiga, os atletas de sucesso eram ricos e celebrados como são hoje. A prova disso vem na forma do esqueleto mais antigo conhecido de um jovem atleta, enterrado com ricas honras em Taranto, na Greco-Itália, há 2.500 anos. Seus ossos e sepulturas mostram todos os sinais de que ele era um atleta.

Quatro grandes ânforas panatenaicas que provavelmente continham azeite precioso foram enterradas com ele. Esses grandes potes mostravam cenas de pentatlo, corrida de carruagem de quatro cavalos e boxe, diz um artigo de 1984 do National Geographic New Service.

Além das ânforas, ele segurava na mão esquerda um pequeno pote que continha uma pomada, um tipo usado por atletas.

O esqueleto do antigo atleta encontrado em Taranto. Ele pode ser visto com o pequeno frasco de pomada em sua mão esquerda. ( repubblica.it)

Taranto estava na Magna Grécia, a parte da Itália então controlada pela Grécia.

Os Jogos Panatenaicos, realizados em intervalos de quatro anos, foram os mais populares em Atenas. Não há como saber se o atleta em questão competiu nos Jogos Olímpicos de maior prestígio que serviram de modelo para os Jogos Panatenaicos. Os pesquisadores acreditam que seu sucesso nos Jogos Panatênicos pode ter possibilitado que ele competisse nas Olimpíadas.

Ao contrário das Olimpíadas, durante as quais apenas ramos de oliveira foram premiados, os Jogos Panatênicos incluíram prêmios valiosos. A extrema antiguidade do sepultamento impede qualquer chance de encontrar evidências botânicas de ramos de oliveira na tumba, diz uma história na Forbes.com.

As investigações mostram marcadores musculares onde os músculos presos aos ossos eram grandes, especialmente nos músculos trapézio e deltóide, de acordo com um artigo da arqueóloga Kristina Killgrove na Forbes.com. Isso, somado ao fato de ele ter sofrido muito desgaste na articulação do ombro direito e um grande osso do antebraço direito, revela que ele pode ter sido um grande lançador de disco.

Ele também tinha músculos da panturrilha bem desenvolvidos, indicando que ele poderia ter a capacidade de pular até 3 metros (9,84 pés), de acordo com simulações realizadas pela antropóloga física Sara C. Bisel e sua equipe na década de 1980.

Esta antiga ânfora grega mostra o salto em distância e outras competições nas Olimpíadas semelhantes às encontradas na tumba do Atleta de Taranto. ( Foto do Wikimedia Commons / Carole Raddato)

O pentatlo inclui lançamento de disco, dardo, corrida, luta livre e salto em distância.

Outra equipe de pesquisa, liderada por Gaspare Baggieri nas décadas de 1990 e 2000, descobriu que o antigo atleta provavelmente estava na casa dos 20 ou 30 anos ao morrer. Ele tinha 1,7 metros, o que era mais alto do que a média da época. Ele tinha músculos fortes, ombros fortes e era robusto. Ele provavelmente comeu uma dieta de carne e frutos do mar, e seus dentes estavam em boas condições, confirmando uma dieta baixa em carboidratos, escreveu o Dr. Killgrove.

O bom estado de seus dentes e a retidão de seu nariz confundiram um pouco os pesquisadores por causa da ânfora de boxe encontrada em sua tumba, que foi desenterrada em 1959, quando operários da construção civil descobriram o esqueleto e a tumba.

“A ânfora de boxe é interessante porque não há indicação no esqueleto desse homem de que ele competiu em um esporte que envolvia combate corpo a corpo ou luta livre”, escreveu o Dr. Killgrove na Forbes. “Seus dentes eram perfeitos. Sua mandíbula e nariz eram retos. A completa falta de ossos quebrados e curados em seu corpo significa que esta ânfora ainda é um quebra-cabeça para os arqueólogos. ”

Os arqueólogos também ficaram intrigados com a presença da ânfora das corridas de carruagem, porque achavam que ele era um patrocinador das corridas, em vez de um competidor.

Seus restos mortais não mostraram nenhum sinal da causa da morte, mas o Dr. Killgrove escreve que na época não havia antibióticos para salvá-lo de uma série de doenças que poderiam tê-lo matado.

Os Jogos Panatenaicos eram celebrações da deusa Atenas e outras divindades gregas, incluindo Poseidon. Sacrifícios eram feitos à deusa e as pessoas competiam em eventos culturais e competições poéticas e musicais, além de atletismo.

Imagem superior: Principal: Um túmulo de atletas em Taranto (Foto por TarantoSotteranea) Detalhe: o esqueleto do antigo atleta encontrado em Taranto ( repubblica.it)

Mark Miller é bacharel em jornalismo e ex-redator de jornais e revistas e editor de texto que há muito se interessa por antropologia, mitologia e história antiga. Seus hobbies são escrever e desenhar.


Discussão

Este vaso data do período geométrico tardio (c. 700 a.C.) e é feito de uma argila grossa amarelo-avermelhada. O navio parece ter uma forma típica para sua época: as ânforas geométricas contemporâneas tendem a ser relativamente delgadas, com pescoços altos e alças altas (1). A forma de ânfora (plural: ânforas) é melhor entendida como um recipiente de armazenamento de uso geral para produtos secos, incluindo grãos, e líquidos, incluindo vinho, mel ou azeitonas. O nome é provavelmente uma combinação da palavra grega "amphi", que significa "em ambos os lados", referindo-se às alças, e a palavra "phoros", que significa "carregar" (2). O nome também pode ser um jogo de palavras que significam "uma orelha de cada lado", já que a palavra grega "anfotismo" se refere a uma cobertura protetora para o capacete usado pelos boxeadores.

As ânforas eram produzidas em uma grande variedade de tipos e algumas ânforas tinham finalidades específicas e especializadas. Um tipo especial de ânfora, as chamadas ânforas panatênicas, foram reservadas para uso como prêmio nas competições atléticas que faziam parte dos jogos panatênicos, que aconteciam em Atenas a cada quatro anos (3). Ânforas panatênicas foram enchidas com azeite e apresentadas aos vencedores nos vários eventos. Um início do século V a.C. Ânfora panatenaica na Getty Villa em Malibu, por exemplo, retrata uma corrida de carruagem de quatro cavalos, representando o evento para o qual foi dada como prêmio. Ânforas funerárias podem servir como lápides ou como urnas para guardar os restos mortais cremados do falecido.

Esta ânfora boeotiana em particular provavelmente serviu como urna funerária devido ao seu tamanho relativamente pequeno e à sua decoração. As cobras moldadas em suas alças e borda são semelhantes a outras encontradas associadas com ânforas funerárias no período geométrico na Grécia.

Esta ânfora é provavelmente de origem beócia, ou talvez ática, embora seja difícil determinar com certeza.As sepulturas de Boeot muitas vezes continham vasos importados da Ática. As imitações de Boeotian de mercadorias do Ático também são relativamente comuns, visto que a influência do Ático era proeminente na cerâmica da Boeóia durante o final do século VIII a.C. (4). Para complicar ainda mais a identificação, está a semelhança entre as argilas Boeotiana e Ática, embora a argila Boeotiana seja geralmente mais grossa e tenha uma cor mais clara (5). Como essa ânfora é feita de uma argila que é mais amarela do que o laranja-vermelho característico da argila ática e tem uma textura áspera, é provável que seja de origem boeotiana.

Infelizmente, a decoração deste vaso é difícil de ver na maioria dos lugares. Isso provavelmente se deve a uma falha de ignição durante o processo de produção da cerâmica (6). Também contribui para o seu mau estado uma quantidade significativa de eflorescência de sal, ou depósitos cristalinos na superfície do vaso, o que indica que o vaso já foi enterrado em solo muito salgado. É possível distinguir, no entanto, uma decoração monocromática preto acastanhada. Imediatamente abaixo da borda do vaso, há uma faixa de padrões verticais em zigue-zague delimitados por linhas horizontais. De cada lado do pescoço, entre as alças, estão metopes, ou painéis retangulares, cada um pintado com uma cabra selvagem em pé sobre as patas traseiras, com ornamentação vegetalista. Emoldurando as cabras em ambos os lados há painéis verticais de linhas diagonais abaixo de cada uma delas, uma faixa de linhas em zigue-zague. Uma linha sólida mais espessa separa o pescoço do ombro do vaso. Quase invisível no ombro, há uma faixa de linhas verticais interrompendo a faixa de cada lado, as metopes que são decoradas com uma cabra selvagem agachando a cabeça e virando a cabeça para o outro lado. Essas cabras evocam frisos de animais comuns em vasos no período chamado de orientalização na Grécia antiga. Esses frisos estavam se tornando populares nessa época, especialmente em Corinto. O restante do corpo da embarcação é decorado com faixas de linhas verticais em zigue-zague e linhas horizontais paralelas.


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