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Aulos Players and Dancers

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10 Maiores Dançarinos do Século XX

A arte da dança é uma forma única de expressão, empregando uma linguagem corporal universal que todos entendem. Do balé ao contemporâneo, do hip-hop à salsa e do oriental ao flamenco, a dança certamente está passando por um renascimento ultimamente.

Mas quando se trata de dançarinos individuais, quem tem os melhores movimentos? O maior equilíbrio, poder e pungência? Esta lista apresenta dez dos maiores dançarinos do século XX & mdash selecionados por sua fama, popularidade e influência em todo o mundo.

Vaslav Nijinsky foi um dos dançarinos de balé mais talentosos da história, talvez até o maior. Infelizmente, não há nenhuma imagem clara de seu incrível talento em movimento, que é a principal razão pela qual ele ocupa uma posição tão baixa nesta lista.

Nijinsky era conhecido por sua incrível habilidade de desafiar a gravidade com seus saltos magníficos, e também por sua habilidade de caracterização intensa. Ele também é lembrado por dançar en pointe, uma habilidade não comumente vista por dançarinos do sexo masculino. Nijinsky foi par em papéis principais com a lendária bailarina Anna Pavlova. Ele foi então parceiro de Tamara Karsavina, uma fundadora da Royal Academy of Dancing de Londres e rsquos. Ele e Karsavina são conhecidos como os & ldquomost artistas exemplares da época. & Rdquo

Nijinsky retirou-se do palco em 1919, com uma idade relativamente jovem de 29 anos. Acredita-se que sua aposentadoria tenha sido causada por um colapso nervoso, e ele também foi diagnosticado com esquizofrenia. Nijinsky passou os últimos anos de sua vida em hospitais psiquiátricos e asilos. Ele dançou em público pela última vez durante os dias finais da Segunda Guerra Mundial, impressionando um grupo de soldados russos com suas complexas habilidades de dança. Nijinsky morreu em Londres em 8 de abril de 1950.

Martha Graham é considerada a mãe da dança moderna. Ela criou a única técnica de dança moderna totalmente codificada, coreografou mais de 150 obras durante sua vida e teve um impacto notável em todo o campo da dança moderna.

Seu desvio técnico do balé clássico e seu uso de movimentos corporais específicos, como contração, liberação e espiral, exerceram uma profunda influência no mundo da dança. Graham chegou ao ponto de criar um movimento & ldquolinguagem & rdquo baseado na capacidade expressiva do corpo humano.

Ela dançou e coreografou por mais de setenta anos, e durante esse tempo foi a primeira dançarina a se apresentar na Casa Branca, a primeira dançarina a viajar para o exterior como embaixadora cultural e a primeira dançarina a receber o maior prêmio civil, a Medalha da Liberdade. Como a mãe da dança moderna, ela será imortalizada por suas performances intensamente emocionais, sua coreografia única e especialmente por sua técnica local.

Embora Josephine Baker esteja principalmente associada à Era do Jazz, sua influência ainda está viva e crescendo, por assim dizer, quase cento e dez anos após seu nascimento.

Muitas décadas antes de Madonna, Beyoncé, Janet Jackson, Britney Spears e Jennifer Lopez, houve Josephine Baker, uma das primeiras celebridades mundiais de origem africana. Josephine viajou para Paris em 1925 para aparecer em La Revue N ​​& egravegre. Ela impressionou bastante o público francês, com seu charme exótico e seus talentos formando uma combinação perfeita.

Ela se apresentou no Folies Berg & egravere no ano seguinte e isso foi o que realmente fez sua carreira. Ela apareceu vestindo uma saia feita de bananas e encantou a multidão com seu estilo de dança. Mais tarde, ela acrescentou o canto à sua atuação e permaneceu popular na França por muitos anos. Josephine Baker retribuiu o afeto do povo francês, tornando-se ela própria cidadã francesa em 1937.

Na França, ela não sentia o mesmo nível de preconceito racial que prevalecia nos Estados Unidos na época. Perto do fim de sua vida, Josephine Baker esperava criar uma & ldquoworld village & rdquo em sua propriedade na França, mas esses planos fracassaram devido a problemas financeiros. Para arrecadar fundos, ela voltou ao palco. Esse retorno envolveu uma curta mas triunfante corrida na Broadway na década de 1970 e, em 1975, ela abriu uma retrospectiva em Paris. Ela morreu naquele mesmo ano de hemorragia cerebral, uma semana após a estreia do programa.

Gene Kelly foi uma das maiores estrelas e maiores inovadores durante a época de ouro dos musicais de Hollywood. Kelly considerou seu próprio estilo um híbrido de várias abordagens de dança, incluindo moderna, balé e sapateado.

Kelly levou a dança para os cinemas, utilizando cada centímetro de seu cenário, cada superfície possível, cada ângulo de câmera amplo para quebrar a limitação bidimensional do filme. E ao fazer isso, ele mudou a maneira como os diretores pensavam sobre a câmera, ela se tornou uma ferramenta fluida, tanto uma dançarina em si quanto as coisas que estava documentando.

O legado da Kelly & rsquos permeia a indústria de videoclipes. O fotógrafo Mike Salisbury fotografou Michael Jackson para a capa de & ldquoOff the Wall & rdquo no visual de assinatura & ldquoGene Kelly white sox e mocassins & rdquo & mdasha para a estrela de cinema, que logo se tornaria a própria marca reconhecível do cantor & rsquos.

Paula Abdul, originalmente conhecida principalmente por sua dança e coreografia, fez referência à famosa dança de Kelly & rsquos com Jerry, o rato, em seu vídeo kitsch para & ldquoOpposites Attract & rdquo, que inclui uma análise final do sapateado. Usher foi mais um artista campeão de vendas a prestar homenagem explícita a Kelly. Nunca haverá outra como Kelly, seu trabalho continua a ressoar com geração após geração de dançarinos americanos.

Aos 48 anos, Sylvie Guillem continua a desafiar as leis do balé e da gravidade. Guillem mudou a cara do balé com seus dons extraordinários, que sempre utilizou com inteligência, integridade e sensibilidade. Sua curiosidade e coragem naturais a conduziram por caminhos ousados, além dos limites usuais do balé clássico.

Em vez de passar toda a sua carreira em produções & ldquosafe & rdquo, ela fez escolhas ousadas, igualmente capaz de se apresentar na ópera de Paris como & ldquoRaymonda & ldquo, ou como parte do inovador & ldquoIn The Middle Somewhat Elevated & rdquo de Forsythe. Quase nenhuma outra dançarina tem tal alcance, e não é de se admirar que ela se tornou o modelo para a maioria dos dançarinos ao redor do mundo. Como Maria Callas no mundo da ópera, Guillem reformulou a imagem popular da bailarina.

Michael Jackson foi basicamente o homem que fez dos videoclipes uma tendência e, sem dúvida, aquele que fez da dança um elemento essencial da música pop moderna. Os movimentos de Jackson e Rsquos agora se tornaram o vocabulário padrão nas rotinas pop e hip-hop. A maioria dos ícones pop modernos, como Justin Bieber, Usher e Justin Timberlake, admitem que foram fortemente influenciados pelo estilo de Michael Jackson e rsquos.

Suas contribuições para a dança foram originais e extraordinárias. Jackson foi um inovador que foi basicamente autodidata, projetando novos movimentos de dança em seu corpo talentoso sem os efeitos muitas vezes limitantes do treinamento formal. Sua graça natural, flexibilidade e ritmo surpreendente contribuíram para a criação do & ldquo estilo Jackson. & Rdquo Seus colaboradores o chamavam de & ldquothe esponja & rdquo um apelido que se referia ao seu talento para absorver idéias e técnicas onde quer que as encontrasse.

As principais inspirações de Jackson foram James Brown, Marcel Marceau, Gene Kelly e & mdashperhaps surpreendentemente para muitas pessoas & muitos dançarinos de balé clássico. Sem o conhecimento de muitos de seus fãs, ele já havia tentado & ldquopirouette como Baryshnikov & rdquo e & ldquotap como Fred Astaire & rdquo e falhou miseravelmente. Sua dedicação ao seu estilo único, no entanto, deu-lhe a glória que procurava e hoje ele está ao lado de outros gigantes da música popular, como Elvis e The Beatles, como um dos maiores ícones pop de todos os tempos.

Joaqu & iacuten Cort & eacutes é a entrada mais jovem nesta lista & mdashand embora ele & rsquos ainda no processo de construção de seu legado, ele & rsquos um dos poucos dançarinos na história que conseguiu se tornar um símbolo sexual fenomenal, amado por homens e mulheres. Elle Macpherson o descreveu como & ldquosex nas pernas & rdquo Madonna e Jennifer Lopez declararam publicamente adorá-lo, enquanto Naomi Campbell e Mira Sorvino estão entre as mulheres cujos corações ele (supostamente) partiu.

É seguro dizer que Cort & eacutes não é apenas um dos maiores dançarinos de Flamenco vivos, mas também aquele que consolidou o lugar do Flamenco na cultura popular. Seus fãs masculinos incluem Tarantino, Armani, Bertolucci, Al Pacino, Antonio Banderas e Sting. Muitos de seus fãs se referem a ele como um deus do flamenco e simplesmente um deus do sexo, e quando você tiver a chance de assistir a um de seus programas, você poderá ver o porquê. Mas aos 44 anos, Cort & eacutes continua solteiro, afirmando que & ldquoDancing é minha esposa, minha única mulher. & Rdquo

Astaire e Rogers eram certamente uma dupla formidável de dançarinos. It & rsquos disse que & ldquoHe deu aula, e ela deu a ele sex appeal. & Rdquo Eles tornaram a dança muito mais atraente para as massas em tempos bastante puritanos. Isso talvez se deva à atuação envolvida na performance, já que Rogers fez dançar com Astaire a experiência mais emocionante do mundo.

O momento era ideal, também durante a Era da Depressão, muitos americanos estavam lutando para sobreviver e esses dois dançarinos ofereceram a muitas pessoas uma maneira de escapar da realidade por um tempo e se divertir.

Mikhail Baryshnikov é um dos maiores bailarinos de todos os tempos, muitos críticos o consideram o maior. Nascido na Letônia, Baryshnikov estudou balé na Escola Vaganova em São Petersburgo (então conhecida como Leningrado) antes de ingressar no Balé Kirov em 1967. Desde então, ele desempenhou o papel principal em dezenas de balés. Ele desempenhou um papel fundamental ao tornar o balé parte da cultura popular no final dos anos 1970 e no início da década de 80, e foi o rosto dessa forma de arte por mais de duas décadas. Baryshnikov é provavelmente o dançarino mais influente de nosso tempo.

Baryshnikov conquistou os corações dos críticos e colegas dançarinos, mas Rudolf Nureyev foi quem conseguiu encantar milhões de pessoas comuns em todo o mundo. Nascido na Rússia, ele se tornou solista do Balé Kirov aos 20 anos. Em 1961, quando sua vida fora do palco o tornou objeto de escrutínio das autoridades russas, ele buscou asilo político em Paris e depois fez uma turnê com o Grand Ballet du Marquis de Cuevas.

Na década de 1970, ele estreou no cinema. A maioria dos críticos afirmam que tecnicamente ele não era tão bom quanto Baryshnikov, mas Nureyev ainda conseguiu encantar as multidões com seu incrível carisma e suas performances emocionais. Nureyev e Fonteyn & rsquos & ldquoRomeo e Juliet & rdquo permanece até hoje uma das apresentações mais poderosas e emocionantes de uma dupla de dançarinos na história do balé.

Infelizmente, Nureyev foi uma das primeiras vítimas do HIV e morreu de AIDS em 1993. Vinte anos depois, ainda podemos testemunhar o legado incrível que ele deixou para trás.

Donnie Burns é um dançarino de salão escocês especializado em dança latina. Ele e o ex-parceiro de dança Gaynor Fairweather foram campeões mundiais profissionais de latim um recorde de dezesseis vezes. Ele é o atual presidente do World Dance Council e também apareceu na décima segunda temporada do Dancing with the Stars.

He & rsquos é considerado o maior dançarino de salão de todos os tempos, e suas atuações no campeonato com seu parceiro são agora consideradas clássicas. Mas as coisas nem sempre foram tão boas para Burns. Durante uma entrevista ao Daily Sun, ele admitiu: & ldquoEu nunca pensei que um menininho de Hamilton jamais experimentaria uma fração do que eu já passei na vida. Fui importunado implacavelmente na escola e costumava entrar em brigas porque queria provar que não era uma "Rainha do Dança".

Temos certeza de que ele não se importaria com o epíteto comumente aplicado a ele hoje. Donnie Burns é agora amplamente considerado o "Rei do Dança".

Theodoros II é um colecionador de experiências e graduado em direito. Ele adora História, cultura Sci-Fi, política europeia e explorar os mundos do conhecimento oculto. Sua viagem ideal em um mundo alternativo seria para a cidade perdida de Atlântida. Suas maiores paixões incluem escrever, fotografia e música. Você pode ver seu photostream aqui.


Anna Pavlova (1881-1931)

A famosa bailarina russa Anna Pavlova é mais conhecida por mudar a aparência dos bailarinos, já que ela era pequena e magra, não era o corpo preferido de uma bailarina em sua época. Ela é creditada por criar a sapatilha de ponta moderna.


Instrumentos musicais romanos antigos

A Galeria de ClipArt de Instrumentos Musicais da Roma Antiga oferece 23 ilustrações de aulos, buccina, cítara, cornu, címbalo, flauta, litus, sambuca, tuba e tímpano.

Aulos

"Roman Ivory Aulos encontrado em Pompeii, mostrando slides e anéis." & mdash The Encyclopedia Britannica, & # 8230

Boquilha Aulos

"Bocal de bico. Encontrado em Pompéia." & mdash The Encyclopedia Britannica, 1910

Gaita de foles

Buccina

"Uma espécie de trombeta de chifre, antigamente feita de uma concha, cuja forma é exibida nos dois espécimes & # 8230

Buccina

Um instrumento de latão usado no antigo exército romano

Buccina curva

"O buccina é curvo para a conveniência do artista, com uma boca muito larga, para difundir & # 8230

Buccina reta

"Uma cópia de uma escultura antiga tirada do trabalho de Blanchini, ainda mantém a forma original do & # 8230

Cornetim

Modelo de corneta romana em terracota, século IV

Roman Cithara

Uma ilustração de uma cítara romana.

Cornu

Roman Cornu. Instrumento de latão usado pelos exércitos romanos para dar ordens em batalha.

Cornu

Cornu é uma palavra latina para chifre.

Cymbalum

"Um instrumento musical, em forma de dois meios-globos, que eram segurados um em cada mão do intérprete, & # 8230

Flauta dupla

Músico tocando flauta dupla

Flauta dupla

Flauta dupla de uma representação encontrada em Herculano

Lituus

A Lituus, um chifre usado na prática religiosa romana.

Bacchhante Romano

Bacchhante Romano tocando castanholas

Sambuca

Forma triangular da harpa

Sambuca

"Uma harpa, era de origem oriental. As apresentações de sambucistriae eram conhecidas apenas pelos primeiros romanos & # 8230

Tintinna'bulum

"Tintinna'bulum, um sino. Os sinos tinham várias formas entre os gregos e romanos, assim como entre nós. Vários & # 8230

"Tuba, uma trombeta de bronze, se distinguia do cornu por ser reta, enquanto este último era curvo. & # 8230

Tuba Romana

Uma Tuba Romana, um chifre longo e estreito.

Tímpano

Tímpano

"Tímpano, um pequeno tambor carregado na mão. Destes, alguns se assemelhavam em todos os aspectos a um pandeiro moderno & # 8230


26 coreógrafas e dançarinas negras que você deve conhecer

Na semana passada, Misty Copeland fez história ao se tornar a primeira dançarina afro-americana principal da American Ballet Theatre Company.

É um grande motivo para celebrar o mundo da dança, e também um ótimo momento para chamar a atenção para as outras coreógrafas e dançarinas negras que estão dominando a indústria. Algumas dessas mulheres são ícones que abriram caminho para a carreira de Copeland e outras são colegas que estão contribuindo para o presente e o futuro da dança.

Confira nossas 26 mulheres negras, do hip-hop ao balé, que nos inspiraram através do movimento.

1. Rapsódia James
Se você nunca ouviu falar de Rhapsody James, então precisa ir em frente! Ela coreografou rotinas de dança para o melhor dos melhores, incluindo TLC (com quem ela está na foto abaixo), Beyoncé, Trey Songs e muito mais.

2. Kyndall Harris
Ela tem apenas 12 anos, mas Kyndall Harris está causando um grande impacto na cena da dança. Mais recentemente, ela se apresentou no BET Music Awards ao lado de Ciara no tributo a Janet Jackson, e conseguiu um lugar na próxima turnê de Janet.


The Irish Banjo & # 8211 Música, História e Players

O banjo tenor é relativamente novo no mundo da Música tradicional irlandesa, tendo cerca de cem anos.

Na verdade, até recentemente, na década de 1960, eles mal apareciam no gênero.

Hoje, no entanto, uma versão tenor é uma parte essencial de qualquer boa banda folk irlandesa, e aqui exploramos a história fascinante e às vezes intragável deste instrumento tão interessante.

Categoria Musical e Alaúde Folclórico # 8211

O banjo se enquadra na categoria de & # 8216 alaúde popular & # 8217 & # 8211, ou seja, é um instrumento com uma caixa de som semelhante a um tambor.

Outros desse tipo são o shamisen japonês e o alcatrão persa, para citar apenas dois exemplos.

A origem do instrumento musical tradicional irlandês como o conhecemos hoje pode ser rastreada até os estados do sul da América.

Os escravos importados fabricavam os instrumentos a partir das lembranças dos tocados em suas pátrias africanas.

As primeiras versões costumavam ter uma caixa de som feita de uma cabaça seca com a extremidade cortada, uma pele de animal e um pescoço sem trastes.

As cordas eram feitas de materiais fibrosos resistentes, incluindo tripa, cânhamo, linha ou até mesmo pelo de cavalo trançado.

Ao contrário dos alaúdes da África, no entanto, essas primeiras encarnações americanas, ancestrais do banjo tenor irlandês, eram afinadas com pinos semelhantes aos encontrados em um violino.

História xadrez da música irlandesa

Um banjo clássico tem um chanterelle (corda) curto e agudo que termina em um pino localizado na lateral do pescoço, além de várias cordas de comprimento total.

A corda mais alta é a que está mais próxima do polegar do jogador, e essa corda é tocada continuamente durante o jogo.

Nos estilos mais antigos, as outras cordas são tocadas com o dedo médio ou indicador usando uma ação para baixo.

A corda do polegar alto e a ação de tocar para baixo originaram-se em música tradicional africana.

Em instrumentos contemporâneos, a corda curta & # 8216drone & # 8217 é o final de cinco cordas, embora as que datam do século XVIII tivessem apenas três cordas longas mais o chanterelle.

Antes do início da Guerra Civil na América, o banjo era visto como um instrumento musical essencialmente afro-americano.

No entanto, na segunda metade do século XIX, a maioria dos músicos negros a abandonou em favor do violão.

Outra razão para seu declínio em popularidade foi o desagradável fato de o banjo ter se tornado intimamente associado aos chocantes estereótipos raciais perpetrados pelos jogadores de rosto negro que se apresentavam nos shows populares de menestréis da época.

Por mais chocante que pareça agora, esse tipo de & # 8216entretenimento & # 8217 foi muito popular na América e em outras partes do mundo por mais de cem anos.

Os menestréis fundiram ritmos clássicos africanos com formas musicais da Europa, cujo resultado foi fundamental para o desenvolvimento da música popular de estilo americano.

O instrumento que conhecemos hoje foi sem dúvida modificado a partir do projeto afro-americano pelos menestréis.

Virginian Joe Sweeney era o intérprete de menestrel mais conhecido, e sua popularidade contribuiu para o surgimento do instrumento, inspirando os designers de instrumentos dos anos 1850 a trabalhar em uma versão de cinco cordas.

Desenvolvimento do Banjo na Música Tradicional Irlandesa

Na Irlanda, o instrumento não foi adotado como parte do cânone da música tradicional até meados do século XX.

Antes, o instrumento espreitava na periferia, sendo tocado por intérpretes de music hall e músicos itinerantes.

O banjo que acabou se tornando sinônimo de músicos irlandeses não era a versão com cinco cordas (como a preferida pelos menestréis e caipiras), mas sim um design de tenor de quatro cordas.

Os salões de dança da Irlanda e os do outro lado do Atlântico, em Nova York e além, foram o ponto de partida para o instrumento tenor tradicional que conhecemos hoje.

As bandas que tocavam para os dançarinos eram obrigadas a apresentar música irlandesa e americana, por isso muitas vezes incluíam um tenor na formação.

As bandas de dança na Inglaterra copiaram os grupos dos Estados Unidos, e seu uso inevitavelmente se espalhou pela Irlanda também.

A maioria dos tenores irlandeses daquela época ficava feliz em simplesmente dedilhar o instrumento no estilo de um violão.

No início da década de 1920, mais músicos irlandeses começaram a escolher as melodias do carretel, do gabarito e do hornpipe, embelezadas com ornamentos de vários tipos.

Naquela época, o músico mais importante era Mike Flanagan (famoso pelos Flanagan Brothers), que fez várias gravações ao lado de seus irmãos Louis (harpa) e Joe (acordeão).

Seus discos foram bestsellers em ambos os lados do Atlântico, e Flanagan & # 8217s instintivamente tocados de forma brilhante inspiraram muitos músicos irlandeses a pegar o instrumento.

Apelo sem fim

O apelo crescente do instrumento tenor estava em grande parte ligado ao seu volume. Como o acordeão, era alto o suficiente para interromper o barulho do salão de dança no período antes que a amplificação se tornasse comum.

A popularidade das bandas Ceili atingiu o seu apogeu nas décadas de 1940 e 1950, seguidas por aquelas que tocavam misturas mais versáteis de música country e melodias de estilo pop americano.

Na década de 1960, o foco principal da música tradicional mudou para os pubs, mas por causa de seu tom estridente, o instrumento estava igualmente em casa em sessões barulhentas de pub.

Jogador Seminal

O instrumento recebeu outro impulso durante o folk e Música tradicional irlandesa revival na América, época em que a enorme popularidade de Tommy Makem e dos Clancy Brothers levou a uma onda de grupos de estilo balada na Irlanda.

O tenor de quatro cordas teve um defensor vocal no The Dubliners & # 8217 jogador Barney McKenna.

Este foi o grupo que forjou a prática de fusão de vocais (apoiados em guitarra) com bobinas e gabaritos tradicionais.

McKenna é sem dúvida o jogador irlandês mais importante dos últimos anos.

Com apenas algumas exceções, a maioria dos tenores na Irlanda hoje seguiu seus passos, afinando seus instrumentos para GDAE & # 8211 uma oitava inteira abaixo do bandolim ou violino.

Embora isso leve a um tom menos brilhante do que a afinação CGDA típica, a maneira como Barney calibrou seu instrumento tornou muito mais fácil tocar música de dança tradicional nas tonalidades preferidas por flautistas, violinistas e flautistas.

À medida que o renascimento da música tradicional irlandesa continuou na década de 1970, o banjo tenor foi utilizado cada vez mais por instrumentistas, com muitos guitarristas descobrindo o quão bem sua habilidade de palhetada se traduzia nele.

Uma pequena minoria de puristas pedantes que desprezam o banjo tenor como um intruso barulhento na cena musical tradicional irlandesa. Dizendo isso, a maioria dos músicos contemporâneos o vê como um elemento essencial de qualquer banda folk.


Estilos populares

A dança moderna de 1990 até o presente adotou uma abordagem muito diferente. Alguns coreógrafos e dançarinos incluem nos estilos de dança moderna hip hop, lírico, estilo livre e fusão, uma combinação de formas de dança como sapateado, jazz, moderno e balé.

Visto que a dança moderna é geralmente executada em sequências coreográficas temáticas, ela projeta uma mensagem. Coreografias de hip hop, fusion e free style dance tendem a ser improvisadas e sem temas específicos. A dança lírica pode ter um tema coreografado. Ele se inclina mais para a dança interpretativa. A coreografia de dança moderna de hoje pode ou não ser interpretativa.


Quebrando barreiras no palco: dançarinos de balé afro-americanos que fizeram história

Como aprendemos em A Ballerina & # 8217s Tale, Nelson George & # 8217s novo documentário sobre Misty Copeland [8 de fevereiro, verifique listas locais], padrões eurocêntricos de forma corporal, tônus ​​muscular e cor da pele, dançarinos excluídos que não se encaixavam nos moldes pálidos exigidos das primeiras bailarinas. Tudo isso mudou no verão de 2015, quando Misty Copeland, uma estrela em ascensão que já transcendia o mundo rarefeito da dança clássica, se tornou a primeira afro-americana a ser nomeada dançarina principal no prestigioso American Ballet Theatre, a jovem de 75 anos grande dama do balé nos Estados Unidos.

Enevoado jetéed através de mais barreiras no ano passado no palco do Kennedy Center, quando ela fez parceria com Brooklyn Mack, de 28 anos, que interpretou o príncipe Siegfried em Lago de cisnes ao lado de Misty & # 8217s Odette / Odile, marcando a primeira vez que dois afro-americanos dançaram os papéis principais em uma produção de uma grande companhia de balé.

Antes de Misty, poucos afro-americanos haviam dançado na posição principal em uma grande companhia de balé americana. Todos menos um eram homens. Desmond Richardson ocupou o cargo na ABT durante a temporada 1997-98 e voltou como artista convidado mais tarde. No New York City Ballet, apenas Arthur Mitchell (1962) e Albert Evans (1995) apareceram como diretores. Evans morreu recentemente com 46 anos.

No entanto, dançarinos de cor, determinados apesar de enfrentarem preconceitos terríveis, resistiram en Pointe em palcos em todo o mundo. Aqui está uma pesquisa e uma saudação a alguns daqueles que abriram caminho antes de Misty.

Raven Wilkinson, que aparece com Misty Copeland em A Ballerina & # 8217s Tale , foi uma das primeiras bailarinas afro-americanas com permissão para ingressar em uma companhia de balé. Durante a década de 1950, ela dançou com os Ballets Russes de Monte Carlo sob a condição de se passar por uma mulher branca pintando o rosto. Após dois anos de crescente discriminação racial, incluindo ameaças no Sul, ela deixou o Ballets Russes e finalmente conseguiu uma vaga no Ballet Nacional Holandês.

De uma entrevista com Wilkinson em Pointe Magazine :

Como você veio para o balé?

Eu era tão pequeno! Minha mãe me levou quando eu tinha cerca de 5 anos para ver o Ballet Russe de Monte Carlo. Eles fizeram Coppélia, e me lembro de ficar tão emocionado com a orquestra, as cortinas, as luzes, que comecei a chorar. Naquela idade, eu era muito jovem para a School of American Ballet, então minha mãe me levou para a escola Dalcroze, onde eu aprendi tempi e métrica e coisas assim - bem, uma versão jovem delas. Mais tarde, minha mãe me perguntou se havia um professor de balé especial por quem eu me sentia atraída. Achei que Madame Maria Swoboda fosse uma rainha e comecei a estudar com ela. As aulas foram um presente do meu tio no meu aniversário de nove anos, eu me lembro. Fiquei emocionado com o balé. Costumávamos ir à praia em Saybrook, Connecticut, todo verão, e quando a maré baixava, eu dançava nos bancos de areia.

O que aconteceu quando você começou a fazer turnê com a empresa?

Por dois anos, tudo correu muito bem. Tínhamos muitos estrangeiros no Ballet Russe, muitos dançarinos sul-americanos, então na maioria das vezes eu não precisava me preocupar muito, todos parecíamos um pouco diferentes. Tenho alguns solos legais para fazer, como a valsa em Les Sylphides.

Então comecei a ter problemas. Lembro-me de uma vez em Montgomery, Alabama, o ônibus de turismo chegou à cidade e todos estavam correndo com túnicas brancas e capuzes. Eles pararam o tráfego, eram tantos. Ouviu-se um som de batidas na porta do ônibus e este homem saltou com seu capuz e sua bata. Vários grandes dançarinos masculinos da companhia se levantaram e se moveram em sua direção. Ele jogou um punhado de panfletos racistas por todo o ônibus antes que o expulsassem.

Naquela tarde, quando chegamos ao nosso hotel em Montgomery, alguns de nós descemos para a sala de jantar para jantar. Quando entramos, estava cheio de casais adoráveis, famílias com filhos pequenos - uma atmosfera familiar maravilhosa. Então, quando puxei minha cadeira, percebi que todos eles tinham robes Ku Klux Klan nos assentos ao lado deles. Lembro-me de pensar, aqui estão pessoas que podem ser tão cruéis e feias, mas são tão amorosas com suas próprias famílias. De certa forma, isso me deixou menos assustado com eles. Eles perderam um pouco de seu poder aos meus olhos.

Carmen de Lavallade

Como você pode ver em sua própria biografia, de Lavallade teve uma vida incrível:

Carmen de Lavallade teve uma carreira incomparável em dança, teatro, cinema e televisão, começando em sua cidade natal, Los Angeles, apresentando-se com o Lester Horton Dance Theatre. Enquanto estava em Los Angeles, Lena Horne apresentou de Lavallade aos cineastas da 20th Century Fox, onde ela apareceu em quatro filmes, incluindo Carmen Jones (1954) com Dorothy Dandridge e Probabilidades contra amanhã (1959) com Harry Belafonte. Durante as filmagens de Carmen Jones , ela conheceu Herbert Ross, que a convidou para aparecer como dançarina na produção da Broadway de Casa das flores . Sua carreira de dança inclui balés criados para ela por Lester Horton, Geoffrey Holder [com quem ela acabou se casando], Alvin Ailey, Glen Tetley, John Butler e Agnes de Mille.

Carmen de Lavallade sucedeu a sua prima Janet Collins como dançarina principal do Metropolitan Opera e foi artista convidada do American Ballet Theatre. Ela coreografou para o Dance Theatre of Harlem, Philadanco, o Alvin Ailey American Dance Theatre e as produções de Porgy and Bess e Die Meistersinger na Metropolitan Opera.

Janet Collins

Dançarina Janet Collins

Janet Collins, como mencionado acima, era prima de Lavallade & # 8217s, e outra bailarina que quebrou barreiras - a primeira afro-americana a enfeitar o palco com o Metropolitan Ballet. Antes de encontrar um lar no Met, ela enfrentou o mesmo racismo com Ballets Russes que Raven Wilkinson. Aqui está um recorte de jornal sobre sua estreia em 1950 em Aida :

Arthur Mitchell
Arthur Mitchell não foi apenas o primeiro dançarino afro-americano em uma grande companhia de balé, ele foi o primeiro afro-americano diretor dançarino de uma grande companhia de balé, elevado ao papel no New York City Ballet em 1956. Mitchell mais tarde fundou o famoso Dance Theatre of Harlem.

Aqui está um artigo da Universidade de Columbia sobre Mitchell, que doou seus arquivos para a escola:

Arthur Mitchell dança com Diana Adams em & # 8220Agon, & # 8221 1957:

Desmond Richardson
O primeiro dançarino negro principal do American Ballet Theatre & # 8217s, Richardson continuou a dançar com Complexions Contemporary Ballet. De 1991 New York Times artigo:

Eles riram quando Desmond Richardson fez o teste para a High School of Performing Arts. Ele nunca teve uma aula de dança. Ele era gordinho. E tudo o que ele conseguia pensar em fazer, dançando ao som de uma fita de música de rua, era imitar os movimentos que vira Mikhail Baryshnikov executar na televisão.

Ninguém está rindo agora. Nas últimas duas temporadas, Richardson foi escolhido pela crítica e pelo público por sua técnica deslumbrante e presença carismática. Aos 22 anos, ele é o dançarino principal do Alvin Ailey American Dance Theatre e, na quinta-feira, fará o papel de Baryshnikov em & # 8220Pas de Duke & # 8221 no City Center.

Em 1990, Lauren Anderson foi a primeira bailarina afro-americana a se tornar diretora de uma grande companhia de dança, o Houston Ballet. Anderson, agora aposentado, estava no palco no ano passado & # 8217s Lago de cisnes a chamada da cortina celebra a conquista da Misty & # 8217s.

Mais sobre a jornada histórica de Anderson e # 8217:

Cisneros também percorreu o caminho das mulheres negras e se tornou uma figura importante na cena da dança da área da baía de São Francisco por mais de duas décadas. Ela é considerada a primeira primeira bailarina hispânica nos Estados Unidos.

[B] mas quase não acabou assim. Ela descobriu seu talento inteiramente por acaso, quando sua mãe a encorajou a tentar o balé como uma forma de superar a timidez que havia tomado conta de sua personalidade outrora alegre.

“Não conseguia nem levantar a mão na aula para pedir para ir ao banheiro”, lembra Cisneros. “My mother and I made a deal: I had to try ballet for a year to see if I really liked it. By the first few months, I was hooked.”

She found a mentor in her first teacher, Phyllis Cyr, and eventually followed her to a new studio to be her apprentice. To pay for the expensive classes, Cyr hired Cisneros’ mother to work at the reception desk.

By the time she was 13, Cisneros was auditioning for the San Francisco Ballet. [Read the rest on NBC Latino.]

Iconic San Francisco columnist Herb Caen called Cisneros “the fairest flower of the ballet.” The picture quality in the video clip below isn’t great, but the beauty of her dance penetrates the grain:

These dancers are all connected, each of them in their own time chipping away at the alabaster mold that had been preserved at the pinnacle of classical dance by racist standards of beauty. Deeply aware of this, Misty Copeland confides in Raven Wilkinson in A Ballerina’s Tale that her quest for excellence transcends artistic achievement. “T he first time I saw you was in the Ballet Russe film, I cried my eyes out, because I didn’t even know a black ballerina of your level existed. And so that was kind of the start of this mission I had, to learn more about black ballerinas, to try and educate other people about who you are, who Janet Collins is.”


Wounded Knee: Conflict breaks out

On December 29, the U.S. Army’s 7th Cavalry surrounded a band of Ghost Dancers under Big Foot, a Lakota Sioux chief, near Wounded Knee Creek and demanded they surrender their weapons. As that was happening, a fight broke out between an Indian and a U.S. soldier and a shot was fired, although it’s unclear from which side. A brutal massacre followed, in which it’s estimated 150 Indians were killed (some historians put this number at twice as high), nearly half of them women and children. The cavalry lost 25 men.

The conflict at Wounded Knee was originally referred to as a battle, but in reality it was a tragic and avoidable massacre. Surrounded by heavily armed troops, it’s unlikely that Big Foot’s band would have intentionally started a fight. Some historians speculate that the soldiers of the 7th Cavalry were deliberately taking revenge for the regiment’s defeat at Little Bighorn in 1876. Whatever the motives, the massacre ended the Ghost Dance movement and was the last major confrontation in America’s deadly war against the Plains Indians.


The History of African-American Casting in Ballet

Ballet has been slow to accept African-American dancers in major companies, and those who make it tend to be offered limited roles.

In the early twentieth century, classical ballet was a relatively new form of art in the United States. Many companies were experimenting with the dance form, and slowly ballet worked its way into the mainstream. In the 1930s, one aspiring dancer, an African-American woman named Janet Collins, watched companies perform at the Los Angeles Philharmonic auditorium. Collins wanted to dance, but ballet classes would not take her, saying she would be taking up space in the class. Collins hired a private ballet tutor instead.

In a review of Collins’s biography, Night’s Dancer, Debra Cash writes, “Some barrier breakers are battering rams. Others are butterflies.” Collins, she suggests, was the latter. According to Cash, Leonide Massine, director of the Ballet Russe de Monte Carlo, told Collins in an audition when she was fifteen that she would have to perform in whiteface if she joined the company. Collins declined and then “went outside and cried her heart out.” After her experience auditioning for the company, she found many directors were hesitant to allow a black ballerina on stage.

Scholars Peter J. Blodgett and Sara S. Hodson write that decades later in 1951, Collins finally earned her big break and became the first black premier ballerina in the Metropolitan Opera Ballet. New York celebrated her and she enjoyed the spotlight in her leading roles. Other companies began to integrate.

The story of Raven Wilkinson is not so different. More than twenty years after Collins’s unsuccessful audition, Wilkinson became the first black ballerina in the Ballet Russe de Monte Carlo. It was quickly after major lead roles in Giselle e The Nutcracker that she also realized the limits of dancing as a black woman. The company told Wilkinson to make her skin appear whiter with powder. Blodgett and Hodson write, “With her light skin, she was assumed by audiences to be white when she performed and traveled with the company.”

Once a Week

After a critical school segregation court decision in 1954, the Ballet Russe de Monte Carlo cancelled tours in the South. There were boycotts and bomb threats after word spread of Wilkinson’s role in the company. She later left the company when members of the Ku Klux Klan attempted to identify her in the company during a performance in Montgomery, Alabama. The company would regularly tour throughout the South and it was a common occurrence to receive threats especially as Wilkinson refused to hide her race.

Dance scholar Nyama McCarthy-Brown explores the slow progress of African-American dancers in American ballet and how issues of casting persist today. She writes, “Dancers [were] being cast in roles because of their skin complexion rather than their technical ability,” as many companies preferred light-skinned ballerinas. Wilkinson would later become a mentor to Misty Copeland, the first African-American ballerina to become principal dancer at the American Ballet Theater. Despite her presence, limited opportunities and passive racism remain unresolved topics in the world of ballet.


Assista o vídeo: Polski Balet Narodowy - nowi tancerze w sezonie 20102011 (Pode 2022).